el solista

Ansioso de triunfar en la exigente escuela de música a la que asiste, el joven baterista de jazz Andrew Neiman (Miles Teller) practica diariamente y cuanto sea necesario para convertirse en una figura importante del medio.

Cierta noche, mientras está practicando hasta tarde en una sala de ensayo de la escuela, es sorprendido por Terence Fletcher (J.K. Simmons) uno de los directores de orquesta de la institución, quien lo escucha, para terminar ofreciéndole un cupo en su banda.

Andrew cree que por fin esta dando el paso que necesita para la grandeza, pero sin saber que será el propio Fletcher quien se volverá el mayor obstáculo que deba superar…

Las películas sobre las relaciones entre maestro y discípulo son casi siempre lo mismo: historias melodramáticas sobre un joven aprendiz con un maestro hosco y distante o, viceversa, un maestro idealista que quiere volver a un discípulo sin mayor interés en alguien de provecho. De ahí que resulte un alivio que existan películas como Whiplash que se salgan de ese molde, y nos muestren que este tipo de relaciones está lejos de ser idílica.

No puede serlo cuando los dos personajes son dos egos obsesivos que chocan y con cuática: el, joven ambicioso dispuesto a triunfar a costa de incluso de su salud física y mental, versus profesor de carácter difícil capaz de convertir en carne de gallina al más canchero, con una sola mirada. Ambos están obsesionados con la perfección, es cierto, pero desde dos puntos de vista que se enfrentan: el que quiere ejecutarla y el que quiere admirarla, pero que además tiene la oportunidad de colaborar en ella.

Queremos pensar positivamente y creer que ambos tienen las mejores intenciones. Andrew quiere ser el mejor en lo que hace y Fletcher piensa que si le ayuda a ser el mejor en lo suyo, el será a su vez uno de los grandes de su especialidad. El drama es el nivel de obsesión en los que cada uno se encuentra, lo que claramente complica que éstos dos lleguen a un objetivo que, a la larga, es un objetivo común.

Afortunadamente, el realizador Damien Chazelle evita hacer un psicoanálisis a los personajes y meterse en terrenos metafísicos (que le bajaron los bonos, por ejemplo, a El Cisne Negro, que en 2010 tocaba un argumento similar) y se conforma con contar el conflicto entre los personajes principales, que es, a todas luces, el elemento que copa el 80% de la atención –y tensión- del filme. Chazelle cuenta lo que tiene que contar, sin andarse en enredos y sin complicarse cuando no viene al caso. Lo que hace que la película funcione.

Eso por el lado del realizador, porque el mayor crédito, los principales méritos de la película, corren por su dupla protagónica. Nadie ha dudado nunca de la calidad de J.K. Simmons, pero con este personaje llega a un nivel que ni él mismo se imaginaba (y ha arrasado merecidamente con cuanto premio se le puso por delante, incluyendo un Oscar, haciéndose justicia con un intérprete que, por muy secundario que haya sido a lo largo de su carrera, siempre ha conseguido dejar su huella). Sin desmerecer a Simmons, no hay por donde hacerlo, quien sorprende aquí es el joven Miles Teller, quien se pega un giro en 180 grados respecto de los papeles que normalmente interpreta (hasta ahora ha protagonizado las adolescentes comedias Proyecto X, 21 and over, y las adaptaciones de las infumables Divergente e Insurgente, además de la próxima Fantastic Four, la única película Marvel que no ha logrado entusiasmar a casi nadie) encarnando a un tipo demasiado enfocado en lo que quiere lograr, hasta hacernos dudar de lo que persigue realmente: superarse a sí mismo en lo que hace..o sólo cerrarle la boca a todo el mundo, partiendo por su tutor.

Y con una banda sonora de pelos.

Ganadora de tres premios Oscar (actor secundario, montaje, sonido), fue nominada a Mejor Película..lo que sólo me hace odiar un poco más que ayer a la Academia por haber optado por Birdman para este premio. Que quieren que les diga, ésta me gustó mucho más.

***3/4

WHIPLASH

Director: Damien Chezelle

Intérpretes: Miles Teller; J.K. Simmons; Paul Reiser; Melissa Benoist; Paul Reiser

Drama

2014

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

digale hola al payaso…

Y así se ve Jared Leto encarnando al Joker, para la película Suicide Squad, actualmente en filmación. La foto fue filtrada por David Ayers, director de la misma, a través de Twitter.

Opiniones? A mi me convence. Desde que supimos que Leto encabezaría al máximo enemigo del Dark Knight que le estoy echando fichas, y con esta foto, redoblo mi apuesta. Además, estéticamente se desmarca mucho de los anteriores Jack Nicholson y Heath Ledger, lo cual me parece muy sano. Y ustedes?

BREAKING NEWS!!!! 

No es la primera imagen oficial, es cierto, pero la que mejor nos muestra como se ve Ben Affleck como Batman. Recién salida del horno.

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por qué Daredevil es la serie del momento

Sin hacer mucho escándalo, Daredevil se ha convertido en una de las grandes series del momento, y ha sido tema obligado en cuanta conversación relacionada se inicie. No vamos a ser menos y aquí tiramos algunas líneas de por qué Daredevil es la serie nueva a la que hay que poner ojo esta temporada.

1.-Porque es de Netflix, servicio que se ha convertido en el mejor alumno de HBO a la hora de ofrecer series de calidad. Libre de las presiones del resto de la televisión (duración, contenido, auspiciadores) Netflix se sigue por sus propios criterios para narrar una historia, lo que les permite darles un mejor desarrollo creativo y de producción, que resultan de manifiesto para el espectador. La repercusión de series como House of Cards, Orange is the New Black, Better Call Saul y ahora Daredevil es prueba de ello.

2.-Porque, junto con Punisher, la gran deuda de Marvel Studios en el tema live-action corría por la vía del abogado ciego de Nueva York que de noche es el azote del crimen en la zona conocida como Hell’s Kitchen. Vimos a los X-Men, vimos a los Avengers, a los Guardians of the Galaxy, a Spiderman y pronto veremos nuevamente a los Fantastic Four y a Deadpool. Con esta serie, la parte que le correspondía al alter-ego de Matt Murdock queda más que saldada.

3.-Porque nos presenta a Matt Murdock como lo que es: un buen tipo, idealista, honesto y de buenas intenciones, que temprano descubrió que con las buenas intenciones, en su entorno al menos, nunca es suficiente, así que por eso opta por darle una ayudita extra a su comunidad, cada noche, haciendo la justicia que la justicia misma no alcanza a aplicar.

4.-Porque lo que interesa narrar es el aquí y el ahora. No incurre es flashbacks más allá de lo estrictamente necesario, apenas los suficientes para entender la historia de Matt (como al quedar ciego tras un accidente, de niño, que lo llevó a desarrollar sus sentidos llevándolos a un nivel sorprendente) y como desde una edad demasiado tierna se enteró de algunas verdades bastantes desagradables que moldearían el hombre que es hoy.

En ese sentido, la elección de Charlie Cox como protagonista ha resultado bastante acertada, sobre todo si lo analizamos en concordancia con el siguiente punto.

5.-Porque el gran error de la película de 2003, protagonizada por Ben Affleck fue enfocar la historia de Daredevil como superhéroe, cuando no puede estar más alejado de eso. Al igual que lo que pasa con Batman (acaso su referente más próximo), Daredevil ha sido encasillado como superhéroe más por el entorno en que se desenvuelve que por sus atributos personales. Ahí falló esa película, en intentar vender como superhéroe a alguien que en rigor no lo es.

El error de la película es el mayor acierto de la serie. Daredevil es un tipo cualquiera, con ciertas habilidades particulares que ha desarrollado el mismo, empujado por el instinto de supervivencia, sin más recursos que sus propios pies, manos y sentidos, dedicado a saciar la sed de justicia que orienta su vida.

En este sentido, conveniente es repasar Born Again, la miniserie con que Frank Miller reinventó al personaje convirtiéndolo en lo que conocemos: un vigilante que hace la justicia que el sistema no siempre da.

6.-Porque sigue la tendencia de la mayoría de creaciones de Marvel, dentro y fuera del cómic, de dar a sus personajes principales los personajes de apoyo necesarios para un buen desarrollo de sus historias. Mary Jane, J.J.Jameson o la tía May en Spiderman. Betty Ross en Hulk o Pepper Potts y James Rhodes en Ironman…y en este caso son Foggy Nelson, Karen Page y Ben Urich.

Foggy (Elden Henson) es el mejor amigo de nuestro protagonista, menos idealista y más interesado en la ganancia que su socio, pero un buen tipo, al fin y al cabo. Karen (Deborah Ann Woll) es la recepcionista del estudio de Matt y Foggy, al que llega a trabajar luego de que la exonerasen de un crimen que no cometió, al no poder pagarles sus honorarios, y que tiene demasiadas cosas que contar de los manejos de la empresa para la que trabajaba antes, por lo que Matt la toma no sólo como asistente, sino además como una especie de protegida. Hay que decir además que Foggy y Karen aportan a ratos el factor lúdico que, en su justa medida, le sienta bien a la serie.

Urich (Vondie Curtis-Hall), por su parte, es un periodista de Nueva York, harto de la corrupción reinante en la Hell’s Kitchen, y no dudará en jugarse el pellejo por poner las cosas en orden.

7.-Por Vincent D’Onofrio y lo bien que le sienta el papel de Wilson Fisk, alias Kingpin, la cabeza del crimen organizado de Hell’s Kitchen y, podríamos decirlo, el hombre más poderoso del sector. Para muchos un próspero hombre de negocios, Fisk maneja sus operaciones criminales de la misma forma que las financieras, delegando responsabilidades en otros de manera que no comprometan su imagen pública. Aunque no tiene miedo de ensuciarse las manos de vez en cuando, si es necesario.

8.-Porque al no estar diseñada como serie de superhéroes, permite desarrollar argumentos con más contenido. Quizás Daredevil no alcance los niveles de Dexter, Breaking Bad o True Detective, pero le alcanza para hacerles frente de igual a igual, y salir bien parado, demostrando que no por provenir del mundo de los superhéroes tiene que tratarse de una historia vacía y superficial, pero al mismo tiempo se puede ser una serie inteligente sin ser rebuscada ni aburrida.

9.-Porque de igual manera, y aunque son formatos distintos, se para de frente a las producciones cinematográficas de Marvel Studios y les saca sus buenos puntos de ventaja. A ratos es incluso mejor que algunas de las películas de la marca.

Debe haber funcionado, esta semana se confirmó su segunda temporada, para 2016.

10.-Porque, a título personal, da gusto ver una serie o película donde los abogados no seamos unos tránfugas. De vez en cuando aparece algún colega que saca la cara por nosotros, demostrando que podemos al menos una vez en la vida, ser los chicos buenos del barrio.

Ah, y porque viene el tradicional cameo de Stan Lee…aunque no tan evidente como suele hacerlo. Así que ojo!

 

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lo correcto, lo incorrecto y Liam Neeson

Tendido en medio de un bosque nevado, el ex sicario Jimmy Conlon (Liam Neeson) repasa lo que han sido las últimas horas de su vida.

Todo comienza cuando su ex jefe, el criminal devenido en empresario Shawn Maguire (Ed Harris) rechaza la propuesta de un grupo de albaneses de traficar heroína. Su hijo Danny (Boyd Hoolbrook)para no tener que devolverle a estos traficantes el dinero que le dieron como anticipo del negocio, los reúne en su casa sólo para acribillarlos a balazos.

Mike Conlon (Joe Kinnaman), hijo de Jimmy, con quien no se habla hace años, entrenador de box y ocasional chofer de limosina, quien llevaba a los albaneses a casa de Danny, siendo testigo de la matanza, lo que lo convierte en el blanco de la banda de asesinos. Pero cuando Jimmy se entera del hecho, y aunque a Mike no le guste la idea, se siente forzado a intervenir y hacer las cosas…a su manera.

A estas alturas ya sabemos qué esperar de una película de Liam Neeson, sobre todo si es de acción: personaje taciturno, de edad madura, de pocas –pero precisas- palabras, deprimido con la vida y distanciado de medio mundo, y cuyas esperanzas por poner un poco de paz en su vida se esfuman lentamente. Y cómo, extinguiendo a los fantasmas de su pasado que nunca lo dejan en paz.

Una Noche Para Sobrevivir, su más reciente película, y su segunda colaboración con el español Jaume Collet-Serra, en una historia que a muchos ha llevado a recordar la adaptación de la novela gráfica Camino A La Perdición, brillantemente concebida por Sam Mendes hace algo más de una década. Y es cierto, salvo las diferencias obvias tiene mucho de ella, aunque no su nivel de excelencia, claro, pero igualmente atractiva, donde puede que se aprecien similitudes evidentes, pero con suficientes argumentos para apreciarla y se pueda defender por sí misma.

El resultado es más que satisfactorio. La dirección de Collet-Serra aporta el dinamismo necesario para una historia en la que en pocas horas pasan muchas cosas. Neeson cumple una vez más con su personaje de héroe de acción tardío que, dado que la manera incorrecta de hacer las cosas le ha traído puras desgracias, y la correcta tampoco le ayuda mucho, tiene que optar por una tercera vía: la suya. Y para que vamos a ponernos a discutir ahora del talento de un Ed Harris en un personaje que le viene al pelo y que resulta el contrapunto perfecto para el personaje de Neeson.

Pues, no sólo existe una amistad de años que los hermana, sino además, las difíciles relaciones con sus hijos (el hijo de uno, no le habla, aunque eso no le priva de sentido común; el otro, el niño cacho de la familia, quiere entrar precisamente en ese mundo donde su padre no quiere verlo entrar, menos cuando su falta de tino le puede costar la vida). El choque entre ambos que los obliga a replantearse su relación ocupa gran parte del metraje del filme y es uno de los principales ganchos del filme, que se ve reforzado además con las apariciones de grandes como Nick Nolte y el recotizado Vincent D’Onofrio.

Tal vez los personajes de Liam Neeson nunca encuentren la manera correcta de poner su vida en orden, pero al menos conoce la manera correcta de darles vida a sus personajes: la suya.. Para mi, con eso me basta.

***1/2

RUN ALL NIGHT

Director: Jaume Collet-Serra

Intérpretes: Liam Neeson; Ed Harris; Joe Kinnaman; Boyd Holbrook; Genesis Rodriguez; Vincent D’Onofrio; Nick Nolte

Acción

2015

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razones por las que quiero que llegue luego…

Navidad:

(no dejo de ver este trailer, se los aseguro)

y el año 2016:

que? pensaban que nos ibamos a quedar afuera del hype?

Y si, sigo creyendo en Ben Affleck

bonus track:

posters que salieron el lunes pasado, con motivo del lanzamiento del trailer en formato Imax. A que no están la zorra?

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no podemos dejar de correr

Al mismo tiempo que Dominic Toretto (Vin Diesel), Brian O’Connell (Paul Walker) y su familia ven que su casa vuela por los aires producto de una explosión, el agente especial Hobbs (Dwayne “The Rock” Johnson) queda bastante a mal traer luego de un ataque con bombazo incluido, que recibe en su oficina.

Detrás de los ataques está un ex oficial británico de fuerzas especiales, convertido en mercenario, Deckard Shaw (Jason Statham), deseoso de vengar la muerte de su hermano a manos de Toretto y su gente.

Deseoso de ajustar cuentas, Toretto accede al trato que le ofrece el jefe de una organización de inteligencia (Kurt Russell), quien le propone facilidad total para acceder a Shaw si cumple unas misiones especiales para él…

¿Quien iba a creer que íbamos a tener finalmente una Rápidos y Furiosos 7? Cuando se estrenó la primera hace poco más de una década, parecía uno de muchos filmes más, llenos de carreras de autos, peleas y chicas guapas. Entretenido, cierto, pero que nadie creía que iba a subsistir más allá de un público muy objetivo: los que cuando chico alucinaban juntando láminas de álbumes como Super Autos, zorrones a los que el mundo empieza y termina en su auto, y flaitongos adictos a los autos enchulados. Las flojas segunda y tercera partes de la saga (sin Vin Diesel en el primer caso y sin Diesel ni Paul Walker la tercera) sólo aportaban más de lo mismo, sin méritos para trascender demasiado.

Pero cuando en 2009 se estrenó la cuarta parte de la saga, algo nos hizo click a todos, recuperando a los personajes originales y dando a la serie una consistencia que no había tenido jamás. La cuarta, quinta y sexta entregas de la saga cambiaron enormemente el panorama. Rápido y Furioso se convirtió en algo más allá de las carreras, de los autos enchulados y de las escenas de acción (inverosímiles quizás, pero no por sobre todo entretenidas).

Lo que va más allá de la testosterona. Pues R & F tiene algunos elementos que no siempre se encuentran en el cine ‘como-loh-hombreh’: alma, corazón y los suficientes cojones para asumir los otros dos elementos sin culpa ni vergüenza alguna. R & F apela no sólo al lado bruto de la masculinidad, también al más afectivo.

Nos impresionamos con las extraordinarias proezas que Toretto y sus muchachos hacen al volante, pero lo que de verdad nos deja pa’dentro es la cantidad de lazos que en torno a este personaje, se han creado. La amistad, el compañerismo, la solidaridad que termina uniendo a los diferentes personajes de la historia.

Ninguna otra película de acción, quizás Rocky, ha dado tanta relevancia a los lazos personales. La verdadera fortaleza de Rápido y Furioso está, por sobre todo artificio, en las relaciones entre sus protagonistas. No en vano, el propio Dominic Toretto describe a su grupo no como un club de búfalos mojados, ni como una pandilla de malosos, o un grupo de amigotes. Sino que derechamente como una familia. Y uno lo cree completamente.

Todo eso le da a R&F, especialmente desde la cuarta película, un valor agregado que la pone por encima del promedio del cine de acción. Ponerle corazón y alma a las obras no las hace menos dignas dentro del género sino que, por el contrario, les da una humanidad que se agradece.

R&F 7 sigue la tendencia de sus últimas predecesoras, y a ratos hasta las supera, siguiendo a la familia Toretto a una aventura que involucra hackers, líderes terroristas, un paseo por Dubai, y por supuesto carreras de autos, explosiones y peleas más que convincentes. Incluso se da el tiempo para ser emotiva. Para nadie es un misterio que Paul Walker (fallecido a fines de 2013) no sigue en la saga, por eso se encarga de despedirlo de manera digna y respetuosa. La presencia de Jason Statham, para muchos el gran ausente en los anteriores capítulos de la saga, sólo sazona aún más una historia que marca una distancia no menor con el resto del cine de su género. A ello debemos sumar el buen desempeño de su director James Wan, quizás no sea el gran director que el cine actual necesita, pero vaya que sabe armar historias que enganchen (El Conjuro, por ejemplo).

Es cierto, tal vez, como dicen los fanáticos del verdadero cine escandalizados con el éxito que esta saga ha logrado, que no tiene mucho seso. Pero de nada te sirven los sesos si no tienes corazón, y de esto último, R&F 7 tiene de sobra. Y todavía le queda. Para rato.

***1/2

FURIOUS 7

Director: James Wan

Intérpretes: Paul Walker; Vin Diesel; Michelle Rodriguez; Jason Statham; Dwayne Johnson; Tyrese Gibbons; Ludacris; Jordana Brewster; Kurt Russell; Nathalie Emmanuel; Rhonda Rousey; Djimon Honsou

Acción

2015

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

dos décadas de fidelidad

Este es un evento no menor. Por esta época se cumplen 20 años de la publicación de Alta Fidelidad, la fundamental novela generacional de Nick Hornby.

No voy a entrar en detalles respecto de su argumento. De esta novela salió la que terminó siendo mi película de cabecera, dirigida por Stephen Frears y y les doy la lata con ésta última un par de veces al año, al punto que tengo el ritual de verla al menos una vez en dicho período.

Pero ya sabemos como va la cosa: Rob Fleming, un treinteañero –aunque más cerca de los cuarenta- londinense, que vive al tres y al cuatro y es dueño de una disquería especializada en discos de vinilo que subsiste apenas, enfrenta la última de sus tragedias cuando Laura, su novia, decide dejarlo, harta de sus inseguridades y rollos personales. Esto da la ocasión a Rob de revisar su propia vida, mirar las cosas con perspectiva y, en definitiva, poner las ídem en orden.

Alta Fidelidad no tardó en convertirse en un best seller y, más allá de eso, en la novela símbolo de una generación. Pero, a diferencia de lo que pasaba en esa misma época en EEUU donde, fenómeno grunge mediante, la gente se daba cuenta de que no había mucho futuro (y si lo hubo no había espacio para ellos), Hornby llega a un grupo específico de más de una generación: ese tipo de personaje que siempre vio el futuro y la adultez tan lejanos que cuando llegó, los sorprendió desprevenidos, se les apareció de golpe y tuvieron que enfrentarse, sin anestesia, al fin de la adolescencia y al inicio de la vida en serio.

Lo cierto es que Alta Fidelidad no se publicó por primera vez en español sino hasta un buen rato después, vía Ediciones B, poco antes del estreno de la adaptación de 2000 y con ocasión de ella, aunque en un tiraje nada de extraordinario. Por eso, cualquier edición en español que no sea la que Anagrama publicó en 2008, la que finalmente llegó a mis manos, tiene carácter de objeto de culto.

Creo que eso fue bueno dentro de todo. Pues creo que si hubiera leído la novela en el año de su edición, no me habría gustado tanto.

Pensemos que hacía yo en 1995: segundo año de universidad, escuchaba harta música, leía kilos de cómics y trataba de ver todas las películas posibles. De leer literatura, tiempo no había mucho y, en ese contexto, difícilmente la historia de un treintón casi cuarentón enfrentado a la vida me hubiese pegado como en definitiva lo hizo. Hubiera enganchado con el tema de los vinilos o la cultura pop, pero de ahí a quedar K.O., no estoy tan seguro.

Por eso creo que fue mejor haberlo descubierto casi una década después, cuando vi la película y luego leí el libro, y todo me quedó mucho más claro. Según parece no fui al único al que le pegó de la misma forma. Y al descubrirlo, me sentí mucho mejor.

Necesito que este disco siga girando 20 años más. Nada más espero. Nada menos.

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olvídese del perro…cuidado con el dueño

Recientemente enviudado, John Wick (Keanu Reeves) recibe como regalo póstumo de su mujer un pequeño cachorrito con quien, a los pocos días, logra entablar una cercana relación.

Cierto día, en una gasolinera, John es abordado por tres jóvenes rusos, quienes intentan comprar su auto. Como rechaza la oferta, los muchachos entran a casa de John, lo golpean, roban su auto y matan a su perro.

Informado por un conocido común, Viggo (Michael Nyvquist), un influyente jefe de la mafia rusa de Nueva York, padre de uno de los muchachos que robaron el auto, teme que esta “travesura” le cueste la vida al muchacho: en el pasado, John Wick fue uno de los mercenarios mejor pagados al servicio del crimen organizado. Y, tal como Viggo lo sospecha, Wick no va a quedarse de brazos cruzados tras este ataque…

Algo sucede con Keanu Reeves. No es un tremendo actor (aunque al principio de su carrera nos quiso hacer creer que sí), tiene la misma cara en todas las películas que hace y mantiene la misma actitud en las distintas circunstancias que atraviesan sus personajes. Pero algo tiene que, de cuando en cuando, le achunta.

Y así como existen buenos actores pero mal asesorados o de poco ojo para escoger sus papeles (cofcofRussellCrowecofcofNicolasCagecofcof), al bueno de Keanu de tanto en tanto escoge títulos soberanamente buenos en donde aparecer: Punto de Quiebre, Máxima Velocidad, Matrix (la primera) y ahora John Wick.

Si bien es cierto es un filme con ciertos vacíos en su narración (que no ha de extrañarnos, sus realizadores David Leitch y Chad Stahelski son, antes que cineastas, diseñadores y coreógrafos de escenas de pelea), John Wick tiene los méritos suficientes para que el espectador se quede mirando hasta el final. Es un filme que no pretende pasar gato por liebre, ni hacer creer al que está mirando que lo que le está ofreciendo es distinto de lo que en realidad ve. Honestidad que se agradece.

La narración cumple con los requisitos para ser lo suficientemente interesante como para que el público no tenga que adelantar las partes conversadas o actuadas hasta las logradas escenas de pelea (claramente, lo mejor del filme).

A ver si me explico. Tal vez no es la mejor comparación, pero sirve: todos veíamos las películas de Bud Spencer y Terence Hill esperando la gran escena de pelea los últimos diez minutos de película, pero tenían un argumento que por banal que pareciera, permitía entender a nuestros héroes y que esta paliza final obedecía a un contexto, no era una bronca a tontas y a locas. Esto que muchas veces se olvida en el cine de acción, es una lección bien aprendida en John Wick, y obviando las diferencias evidentes (John Wick es un filme serio, donde Hill y Spencer eran comediantes), la cosa funciona lo más bien.

Sin gastar más de la cuenta (una buena película puede funcionar sin necesidad de que los realizadores tengan que hipotecar sus casas si se sabe aprovechar los recursos, y sin que se tenga que notar pobreza tampoco), con un buen elenco de personajes secundarios y con un Keanu Reeves que está totalmente cómodo con su personaje, John Wick cumple su cometido al aplicar una vieja fórmula: menores pretensiones, mejores resultados. O en corto: menos es más.

***1/4

JOHN WICK

Director: David Leitch y Chad Stahelski

Intérpretes: Keanu Reeves; Michael Nyvquist; Alfie Allen; Adrienne Palicki; Ian McShane; Williem Dafoe; John Leguizamo; Bridget Monayhan; Dean Winters

Acción

2014

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las vueltas del disco…y de la vida

Desde su infancia, cuatro treinteañeros bonarenses han compartido desde su gusto por el rock clásico en discos de vinilo, y un sinfín de peripecias.

Damián (Gastón Pauls) ha debido sortear el fin de una larga relación, así como una carrera como cineasta que no va para ningún lado definido. Luciano (Fernán Miras) es locutor de una radio para el adulto joven, incapaz de superar que Lila (Emilia Attias) lo haya dejado, harta de sus inseguridades y celos. Marcelo (Ignacio Toselli) ha vivido en función de convertirse en la banda tributo oficial de los Beatles para la Argentina, hasta que una chica que tiene todas las características que siempre ha evitado, llega para revolucionarle las hormonas. Y Facundo (Rafael Spregelbrud), compositor devenido en organizador de funerales, está a punto de casarse, aunque está lleno de dudas respecto del paso que está por dar.

A partir de este hecho, los cuatro muchachos se verán enfrentados a momentos cruciales en sus vidas y, por una vez, decidir en serio que es lo que esperan y quieren hacer con éstas…

Un tiempo atrás, en Twitter, el gran Francisco Ortega habló maravillas de esta cinta argentina de 2012, y lo hablaba con tal convicción, especialmente respecto de su banda sonora y contexto general, que me picó. Así fue como empecé a perseguir Días de Vinilo. Y tras haberla visto, la nobleza me llamó a darle las gracias.

Dirigida por Gabriel Nesci, Días… es una entrañable comedia cuyos protagonistas bien podrían ser los hermanos menores de Rob Gordon (Alta Fidelidad) pero a la vez los hermanos mayores de los chicos de Cuenta Conmigo, y que se emparenta con aquellos filmes en cuanto a su temática fundamental: cuánto cuesta hacerse el ánimo de madurar, sentar cabeza y hacerse responsables, cuento protagonizado por cuatro personajes con los que no tardamos en encariñarnos, más que nada por sus defectos.

Si, por sus defectos. Porque tarde o temprano todos pasamos por lo mismo: ese momento en que aunque nos duela tenemos que asumir que la adolescencia se acabó, que ahora corremos y nos defendemos solos y que tenemos que de alguna manera arreglárnosla nosotros mismos para hacernos un lugar en el mundo, que nadie hará por nosotros.

Eso por un lado. Días de Vinilo no sólo hunde el dedo en la llaga del choque entre adolescencia tardía y madurez, sino también en otro tema no menor: la amistad y el tratar de entender que es lo que genera el vínculo entre un individuo y sus amigos. Reitero lo que dije antes (y me robo la frase de un libro de Fuguet)], lo que uno más quiere de sus amigos son sus defectos.

O más bien, sus imperfecciones ¿por qué lo digo?

¿Por qué las imperfecciones de nuestros amigos nos hacen sentir menos mal con las nuestras y mejor con virtudes que tenemos, por mínimas que sean? Puede ser, pero no es eso lo que quiero concluir.

Porque de las imperfecciones con nuestros amigos es que surgen los espacios a partir de lo que nos complementamos. Tus carencias y mis virtudes se complementan, así como las mías y tus aciertos. Y ¿no es esa la base a partir de la cual crece la amistad?

Ahí está lo que hace que uno se sienta cómodo, se sienta en su salsa viendo Días de Vinilo. Sus protagonistas tienen sus aciertos, si, pero sobre todo tienen carencias evidentes. Ninguno tiene claro a donde quiere encaminar su vida…y si lo saben, no tienen la certeza de si realmente quieren dar ese paso o no. No es fácil, después de todo ese paso será el que definirá el resto de su vida.

Y no podemos culparlos por eso porque ¿alguien lo tiene claro? La mayoría no. Ni siquiera quienes se ufanan de tener su vida bien planificada y en orden. De ahí que uno termina agarrándole buena a este tipo de películas. Porque sus personajes pareciera que estuvieran inspirados en uno.

No es que seamos malas personas, o unos cobardes de tomo y lomo. Pero es que a veces algunas cosas son tan definitivas que intimidan y nos nublan las ideas, sin dejarnos espacio para orientarnos y saber a donde hay que llegar, y qué camino seguir.

Pero al menos nos queda el consuelo de saber desde donde partir.

No sé si fui claro, pero en mi defensa, puedo decir que aún no me repongo del KO.

***3/4

DIAS DE VINILO

Director: Gabriel Nesci

Intérpretes: Gastón Pauls; Inés Efron: Fernán Mirás; Emilia Attias; Rafael Spregfelburd; Ignacio Toselli; Maricel Alvarez; Leonardo Sbaraglia

Comedia/Romance

2012

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yo, el peor de todos (revisitando a Ed Wood)

En el Hollywood de mediados de los ’50, Edward D. Wood Jr.(Johnny Depp) se gana la vida como cargador en un estudio de cine de Hollywood, al mismo tiempo que escribe y dirige obras de teatro de poca taquilla y mala crítica, junto a su novia Dolores (Sarah Jessica Parker) y algunos amigos.

Fanático de la fantasía, la ciencia ficción y el terror (y de vestirse de mujer porque le acomoda), Ed no tarda en trabar amistad con uno de sus ídolos de la infancia, Bela Lugosi (Martin Landau) el retirado actor húngaro que en sus mejores días encarnó a Drácula y encarnando a uno de los íconos del terror universal.

Esta amistad motiva a Ed a concebir nuevos proyectos, como la filmación de la película de bajo presupuesto Glen o Glenda, reuniendo un grupo muy especial de amigos y colaboradores que, contra todos los pronósticos lograrán sacar adelante sus más excéntricos objetivos…

Si, sé que hace unos cinco años atrás algo comentaba sobre Ed Wood, la notable biografía que Tim Burton estrenó en 1994, basada en la insólita vida y carrera de Edward D. Wood Jr., considerado el peor director de todos los tiempos.

Pero se dieron varias cosas que me hicieron revisitar este filme. Primero, los veinte años que cumplió el año pasado. Segundo, el estreno de Big Eyes, segundo filme biográfico rodado por Burton y que se ha alzado como el filme mejor recibido de este director tras años de decepciones. Tercero, que Alexa Wolf me regaló tiempo atrás la notable edición en blu-ray del filme. Cuarto y no menos importante, darme cuenta que es mi película favorita de Burton y que me ha llevado a reorganizar mi top 5 de películas favoritas (sin mover a Alta Fidelidad de su top 1, por cierto).

Y hay que decirlo: los años y el HD hacen que Ed Wood sea una experiencia fílmica aún más alucinante y aún más grandiosa.

Y es que Ed Wood va más allá de la mera biografía. Ed Wood es la manera por la que Burton declara su amor al cine.

Si, es la historia de un tipo que pasó a la historia más por sus fracasos que por sus logros, aunque esa es una interpretación muy básica y negativa acerca del protagonista. Y esta, por mucho que sean los fracasos de Wood los que se relatan, no es una historia deprimente. Por el contrario, es una historia que reconforta. Que ayuda a poner de pie. Una historia rehabilitante.

Edward D. Wood Jr. Nunca tuvo talento ni aptitudes para dirigir películas. Pero lo que no tenía de capacidades lo tenía de ganas, de entusiasmo, de amor por el cine, y sobre todo de fe en si mismo. Ciertamente, los hechos nunca respaldaron esa fe, y por eso mismo casi debiéramos sentir lástima por Edward, lo cual sería un error. Lástima habría que tenerle si termina haciendo lo que hace porque no le quedó otra, lo que no fue así.

Y por eso digo que es una historia para sentirse mejor. Al menos según cuenta Burton en su película, ese entusiasmo y devoción por el cine era lo que lo mantenía en carrera. El sueño de hacer esa película que un día convertiría su nombre en leyenda lo motivaba a hacer frente a los obstáculos (aún siendo estos provenientes de su propia torpeza) y seguir adelante. Incluso si eso implicaba recurrir a elementos poco ortodoxos como seducir a una aspirante a actriz para que le preste dinero para la película, convertir a todo su sui generis grupo de amigos y colaboradores más próximos a un culto evangélico o cambiar el final de una de sus obras para conseguir el financiamiento que le falta (okey, no serán los mejores métodos para financiarse, pero tampoco exageremos. Malo o pésimo que fuera, Wood era cineasta, no gangster).

No se trata de ignorar los impedimentos, sino que saber sobreponerse a ellos.

Lo que sale más fácil cuando tienes un soporte sólido en que afirmarte. Para Eddie, este soporte fue Bela Lugosi, el entonces retirado actor húngaro que se convirtió en el ícono máximo del terror de los primeros años de Hollywood. El fortuito encuentro entre Wood y Lugosi es retratado con maestría por Burton, quien nos muestra la complementaria y retroalimentada relación entre ambos. Para Ed, Lugosi es un maestro, hasta en cierta forma un padre (tema recurrente en la filmografía de Burton) de quien aprender, a quien pedir un consejo, y por lo mismo, alguien a quien admirar. Para Lugosi, Ed representa ese aprendiz, ese discípulo que nunca tuvo, vínculo que le vuelve a dar un sentido a su vida y ganando un segundo aire antes de entrar a la fase final de su existencia.

La relación Lugosi-Wood no sólo fue un pilar para la carrera del cineasta, sino también para la grandeza de esta película. Johnny Depp, aún con pocos años de carrera en el cuerpo, se alzaba como uno de los grandes rostros de la década con esta interpretación, y Martin Landau tocaba el cielo, ganando un Oscar como mejor actor secundario (además de un Golden Globe por lo mismo).

Cuesta creer que este es el mismo Johnny Depp que lleva poco más de un lustro haciendo al mismo personaje (todos los últimos personajes de Depp son Jack Sparrow, con otros disfraces). Cuesta creer que el realizador de esta maravilla haya tenido un desempeño apenas regular la última década (excepto por Corpse Bride, Frankenwennie y hasta cierto punto Big Eyes).

Como no podía ser de otra manera, Ed Wood terminó por convertirse en un filme de culto, difícil de encontrar en dvd (solamente accedí a ella cuando encontré la versión zona 1, la zona 4 se descatalogó pronto) y se demoró su resto en aparecer en blu-ray. Lo que en ningún caso le resta valor, sino que, a la inversa, resulta perfectamente con el status que la historia se encargó de darle al homenajeado.

Porque Ed antes que un tipo con muchas ideas en la cabeza, demasiadas como para saber como llevarlas a cabo, fue un soñador. Un tipo que creía en sus sueños. Y, como le dice Orson Wells (Vincent D’Onofrio, notable!!) en una breve pero crucial secuencia, nunca debe dejar de perseguir los sueños, ni postergarlos para cumplir los de otros. Wood le hizo caso, y bien o mal que lo haya hecho, lo logró.

(Y quien lo diría: si Ed hubiese hecho carrera hoy, se hubiera sentido en su salsa. Sus películas quizás hubieran seguido siendo una mierda, pero se verían tan espectaculares que pocos se darían cuenta…no te parece, Michael Bay?)

****3/4

ED WOOD

Director: Tim Burton

Intérpretes: Johnny Depp; Sarah Jessica Parker; Martin Landau; Bill Murray; Patricia Arquette; Jeffrey Jones; Vincent D’Onofrio; Lisa Marie; Juliet Landau; George The Animal Steele.

Drama biográfico

1994

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