conclusiones en rojo

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A esta hora ya habrán pasado dos días desde que, vía definición a penales, Chile quedó eliminado del Mundial de Brasil 2014 tras caer ante el dueño de casa por octavos de final, y más en frío, me pongo a sacar conclusiones. Y la gran conclusión es que en estos momentos, cual desastre natural, aflora, junto con lo mejor, lo peor de lo nuestro.

Y no hablo de los neardenthal que no encontraron mejor forma de celebrar el triunfo contra España destruyendo espacios públicos, reventando a patadas microbuses o agrediendo a choferes que, honestamente, hacían su pega y tenían la ingrata labor de poner la cara ante un sistema de transportes que hace agua por todos lados. Que decir de los orangutanes que encontraron original meterse a la mala al Maracaná. Pero no es eso a lo que me refiero.

Me refiero a que aquí es donde sale a la luz el lado más horrible del chileno. El hipócrita. El malagradecido. El burlista. El chaquetero. El exitista. El que disfruta haciendo leña del árbol caído.

“Chilenos” que han festinado de lo lindo con el tiro de Pinilla que dio en el travesaño en el último minuto del partido. O con el penal perdido por Jara, acciones que pudieron haber escrito otra historia. O con el llanto de Gary Medel.

“Chilenos” que han cuestionado abiertamente el recibimiento de héroes que La Moneda ofreció a la selección a su regreso al país, y a su apoteósica bienvenida dada por la hinchada. “Pero si perdimos! Que hay que celebrar, si perdimos como siempre?”

“Chilenos” que desmerecen lo hecho este par de semanas por los muchachos de Jorge Sampaoli porque no se trajeron ni siquiera un tercer lugar.

“Chilenos” que después de la batalla son todos generales y reclaman porque Sampaoli no hizo jugar a este o a aquel, puso a este otro que es su regalón, o se llevó al de más allá a puro pasear.

Vamos por partes.

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Todos estos “chilenos” no son más que unos gorilas que se aprovechan de la facilidad y anonimato que da opinar desde un teclado. A mi me gustaría verlos y saber que tienen la misma pachorra que un Pinilla, un Jara o un Medel para jugarle de igual a igual a un pentacampeón mundial de fútbol en su casa, con su hinchada, y tenerlos haciéndose en los pañales dos horas. Además, los penales son una lotería, va más allá de cualquier planificación. Para estar ahí, hay que tener cojones..usted, señor crítico de Twitter..los tendría?
Estos mismos “chilenos” que supeditan los logros a tener una copa que poner en el librero. Cierto, a todos nos gustaría que alguna vez un equipo nacional levante una copa, son logros más bien escasos (la Libertadores de Colo Colo el 91, la Sudamericana de la U 20 años después) pero limitarse a eso es ser un exitista, un burro incapaz de reconocer otros logros. A saber:

Clasificar a dos mundiales de fútbol seguidos (y en el segundo, dando vuelta una clasificatoria que se creía perdida) y con la misma base de jugadores. Ganar dos partidos en un mundial fuera de casa por segunda vez, y esta vez con más de un gol (3-1 a Australia, 2-0 a España). Eliminar a un campeón mundial vigente, y poner contra las cuerdas un buen rato a un permanente candidato en su propia casa y ante su propia hinchada, haciéndolo ver muy mal a ratos. Y sobre todo, tener los cojones para ponerle el pecho a las balas y taparle la boca a una comunidad futbolística internacional que los daba por muertos desde el sorteo mismo en diciembre pasado. Faltó esa pizca de suerte, porque la voluntad de crecer, de ir mejorando, está.

Y sobre todo con algunos jugadores disminuidos físicamente. Arturo Vidal, recién salido de una operación a la rodilla, que igual se las arregló para jugar poco más de dos partidos, y Gary Medel, con la pierna hinchadísima resistiendo casi hasta el final.

Con ese criterio no deberíamos conmemorar tampoco, guardando las proporciones, claro, el Combate Naval de Iquique ni la Batalla de la Concepción, dos de nuestras mayores gestas bélicas que, les recuerdo, tampoco ganamos.

Y si el DT hizo jugar a tal o dejó afuera a cual, bueno, es su decisión. Cometió errores, es cierto, pero quien no los haya cometido tire la primera piedra. Además, que garantiza si en vez de Pinilla hubiese entrado Paredes, por ejemplo, se cambiaba la historia? Nadie lo sabe.

Recalco: NADIE.

Con o sin campeonatos en el cuerpo, hay varias cosas que rescatar de esta Selección cuya columna vertebral, repito, aún puede dar gratas sorpresas. Compromiso, personalidad, garra, la sensación de ser capaces de más y de ir por más. Ver a Medel llorando desconsoladamente tras la eliminación, apenas por penales, deja una satisfacción mucho mayor que ver a Zamorano matado de la risa, abrazado a Ronaldo en Francia’98, luego de ser vapuleados por Brasil por 4-1. El llanto de Medel significa una sola cosa: los chilenos ya no estamos sólo para ir, decir “Estuvimos ahí” y volver con el rabo entre las piernas. Claro que no. Estamos para cosas más grandes y por las reflautas que da rabia no poder conseguirlas, habiéndolas tenido tan cerca.

Chile ya no va a los mundiales, a las copas, a turistear. Va con ganas de grabar a fuego su nombre en la historia. Y lo está logrando. Ante eso, sacarse el sombrero y aplaudir de pie.

Una selección con hambre de gloria.

Las lecciones y logros que nos dejan Bravo, Vidal, Medel, Sanchez, Díaz, Aránguiz, Silva, Jara, Isla y compañía, las alegrías que nos han dado durante las últimas tres semanas, y su infinita capacidad de tener unido a un país en permanente división son más grandes que el chaqueteo, la hipocresía y el cinismo de unos pocos.

Además, el fútbol da las revanchas que la vida no siempre da. Y siempre vendrá otra copa América, otra clasificatoria, otro apertura, clausura, Libertadores, Sudamericana…la pelota sigue rodando. Y ahí estará la Roja nuevamente. Las veces que sean.

(pero claro, estamos en Chile, donde el que intenta buscar lo positivo de las cosas, es linchado por atornillar al revés)

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ELI WALLACH 1915-2014

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Actorazo de los que ya no van quedando.

Aunque tuvo a su haber apariciones mayores y menores que no pasaban inadvertidos, manteniéndose activo hasta hace apenas unos pocos años, Eli Wallach siempre será recordado como Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez, más conocido como El Feo, el peligroso bandido que se ve forzado a postergar su venganza contra el Rubio (Clint Eastwood), para poder encontrar un viejo botín escondido donde sólo unos pocos saben, en esa obra cumbre del cine llamada El Bueno, El Malo y el Feo.

Por ahí lo vimos también en Los Siete Magníficos, The Misfits, junto a Marylin Monroe y Clark Gable, El Oro de Mackenna, Viva la Muerte…Tuya (que lo convirtieron en un ícono del western) pero también en filmes más recientes como El Padrino Parte III, El Escritor Fantasma, Wall Street 2, Rio Místico (donde tiene uno de los mejores diálogos del filme) y hasta en comedias livianitas y bien intencionadas como Divinas Tentaciones (1999) y El Descanso (2006).

Descansa ahora, Tuco, te lo has ganado.

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Batman 75/25

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Con ocasión de los 75 años del Hombre Murciélago, para cerrar este mes dedicado a la ocasión, y justo el día en que se cumplen 25 años del estreno de este filme, no está de más recordar Batman, dirigido por Tim Burton, que por un lado, cerró con broche de oro la celebración de los 50 años del personaje y, por otro, lo devolvió al gran público.

Pongámonos en el contexto. Si bien el personaje había pasado por un arduo proceso de reconstrucción tras el controversial legado de la serie televisiva de los ’60, y otras series animadas de la misma época, proceso iniciado a mediados de los ’70 de la mano de autores como Dennis O’Neill, Neal Adams, Walter Simonson y Marshall Rogers entre otros, fue sólo con las series Año Uno y The Dark Knight Returns, ambas escritas por Frank Miller y publicadas en 1986, que Batman recuperó, de una vez y para siempre su sitial como personaje fundamental del género de los superhéroes, aun cuando sus principales características lo alejen del estereotipo.

La buena recepción de estas obras, así como otras tales como The Killing Joke de Alan Moore y Brian Bolland, o Arkham Asylum, de Grant Morrison y Dave McKean, convenció a la Warner Brothers de retomar un proyecto que venía acariciando desde mediados de los ’70, casi a la par con la saga de Superman protagonizada por Christopher Reeve, pero que la baja repercusión de Batman a nivel masivo durante esos años hizo que la decisión se postergara hasta ese año.

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Estrenada en 1989, Batman tuvo que enfrentar varios obstáculos. Primero, la elección de Tim Burton como director y de Michael Keaton como protagonista. Burton, entonces un promisorio realizador de cine fantástico, sólo tenía en el cuerpo comedias como Pee Wee’s Big Adventure o Beetlejuice, además de la celebrada primera versión de Frankenweenie. A su vez, Keaton, un actor más cercano a la comedia que a la acción y al prototipo playboy multimillonario que proyecta el alter-ego del murciélago, Bruce Wayne, claramente no daba el ancho, según los fans, quienes esperaban, por ejemplo, a Ridley Scott, James Cameron o Mel Gibson o Pierce Brosnan, para sus respectivas funciones.

Para qué decir cuando se supo que varias canciones de la película serían interpretadas por Prince, o que Jack Nicholson encarnaría al Joker, por $ 10 millones de dólares y un porcentaje de la taquilla.

Todo este escándalo terminó con el estreno de la cinta, en junio, y aunque muchos críticos y fans mantuvieron sus reparos, lo cierto es que la película fue un éxito de taquilla y el reconocimiento fue, en términos generales, positivo.

La historia parte en una Gotham City a poco de conmemorar su bicentenario, siendo esta celebración la principal preocupación del alcalde, mientras que el Comisario James Gordon (Pat Hingle) y el recién electo fiscal de distrito Harvey Dent (Billy Dee Williams) tienen como prioridad acabar con el crimen y la corrupción, encabezada por el capo Carl Grissom (Jack Palance).

Todo ello, mientras el crimen a baja escala está siendo combatido por un vigilante enmascarado, al que la prensa ha llamado Batman (Michael Keaton), que se ha convertido en el terror de asaltantes, lanzas y ladronzuelos varios, y que está a punto de involucrarse con los peces gordos.

Un periodista, Alexander Knox (Robert Wuhl) y una reportera gráfica, Vicky Vale (Kim Basinger) deciden seguir la pista de este vigilante, mientras que un nuevo personaje, conocido simplemente como el Joker (Jack Nicholson) se convierte en una nueva amenaza para la escasa seguridad de la ciudad…

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Como decía antes, cierto sector de la crítica no dejó de emitir reparos, pero la gran mayoría celebró la obra. Batman fue considerada como el punto de partida para una nueva era en el cine de superhéroes y adaptaciones de cómics, sentando las bases sobre las cuales estas películas debían construirse (o al menos así fue hasta que una década después, Bryan Singer y Christopher Nolan las reescribieran con X Men y Batman Begins respectivamente). Burton se convirtió en el niño mimado de la industria y reconocido como un gran narrador y creador de universos fantásticos, mientras que, desde la primera vez que se le vio con el traje puesto, Michael Keaton dejó con la boca abierta por la personalidad que imprimía tanto a Batman como a Bruce Wayne.

Así, si bien Burton puso mucho de su cosecha (especialmente en cuanto al argumento de la historia), su trabajo, junto al guión de Sam Hamm y Warren Sakeem, la música de Danny Elfman y el diseño de arte de Anton Furst, reconocido con un Oscar, fue tremendamente respetuoso de su fuente. Lo más celebrado de la obra de Burton dice relación con el haber captado la esencia de los personajes. Con los años, Burton se especializaría en personajes fracturados, marginados y marginales, que deambulan por la orilla que separa lo normal de lo bizarro, y en el que claramente eso ha dejado estragos en sus personalidades. Batman y el Joker son prueba de ello, y dignos antecesores de Edward, de Ed Wood, Jack Skellington o Edward Bloom. Uno, un huérfano que vio morir a sus padres en su propia cara y nunca pudo superarlo. El otro, un desequilibrado que, tras una serie de eventos desafortunados, ve quebrarse su frágil mundo y surgir su verdadero yo, libre de toda represión.

Burton entiende también que ambos son dos lados de la misma moneda, dos monstruos de una misma raza, separados por una delgada, pero profunda línea. Batman ha sabido mantenerse sin cruzarla, no sabemos por cuanto tiempo más lo hará, pero hasta ahora lo ha logrado. El Joker ya la cruzó, y no tiene vuelta atrás. Y aunque la trama está enfocada principalmente en el Payaso Príncipe del Crimen, Burton es lo bastante ágil para entender, a través del villano, los orígenes y motivaciones del héroe (o antihéroe, si prefieren).

Cierto que Batman ya tiene sus años, y con la trilogía de Christopher Nolan quedó bastante obsoleta (ni hablar de como quedará luego de Superman/Batman) pero lo cierto es que sigue siendo una gran película, que contribuyó a forjar el buen nombre de su director y ponerlo en los anales de la historia del cine, y a marcar un antes y después en lo que a la relación entre cine y cómic se refiere. Un gran clásico de nuestros días.

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BATMAN

Director: Tim Burton

Intérpretes: Michael Keaton; Jack Nicholson; Kim Basinger; Jack Palance; Michael Gough; Pat Hingle; Billy Dee Williams; Robert Wuhl

Superhéroes

1989

*Esta columna ue publicada el mes pasado en Rovok.cl y la republicamos en esta oportunidad para cerrar como corresponde el mes batmaniano.

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Pulp Fiction: 20 años después

En mayo pasado, se cumplieron 20 años desde que Pulp Fiction se estrenara en el festival de Cannes y ganara la Palma de Oro. Dos décadas desde que Quentin Tarantino cambiara las reglas de como hacer cine fuera del ámbito de las superproducciones y sentara las bases del nuevo cine de autor estadounidense.

Como 20 años no pasan en vano, y Tarantino es uno de los directores favoritos de este humilde redactor, repasemos, no podía ser de otro modo, veinte hitos que ha dejado este filme para la historia de la humanidad.

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1.-Porque permitió que Tarantino superara el desafío de la segunda película. Su ópera prima, Perros de la Calle, ya había golpeado a la cátedra dos años antes y era una meta difícil de superar. Pulp Fiction igualó, y a ratos superó los logros alcanzados por el filme debut y sólo subió hasta el cielo la cotización de su director.

2.-Porque si Pulp Fiction no hubiese sido un logro de su autor, difícilmente habríamos sabido de Kevin Smith, Robert Rodríguez, Eli Roth, Richard Linklater, David Fincher, Darren Aronofsky, Christopher Nolan, los hermanos Cohen, Guillermo Del Toro, Peter Jackson y otros realizadores más acostumbrados a rodar con lo puesto antes que con presupuestos millonarios (hasta Nicolás López!!).

3.-Porque nos devolvió a John Travolta como el actorazo que solía ser y que poco tiempo antes había quedado relegado a comedias pelmazas como la saga Mira Quien Habla. Sin Pulp Fiction difícilmente Travolta hubiera protagonizado Código Flecha Rota, Get Shorty, Contracara o Una Acción Civil (que después le diera con bodrios como Batalla Final: Tierra no es culpa de Tarantino).

4.-Porque nos presentó al más grande hijo de p… del cine. Encarnando al sicario Jules, Samuel L. Jackson pasó del segundo plano a convertirse en un reconocible y respetable rostro dentro del cine mundial.

5.-Porque, igualmente, convirtió a Uma Thurman en una estrella hecha y derecha, sin que por eso perdiera un pelo de su status de diva de lo alternativo. Junto a Winona Ryder, Julie Delpy y Juliette Lewis, se convirtió en una de las chicas preferidas de la generación X y de la etapa post grunge.

6.-Por Winston Wolf, el Señor Lobo, experto en resolver problemas, acaso uno de los grandes personajes de la década, impecablemente construido por Harvey Keitel (y quien se me vino a la mente la primera vez que usé el nickname Lobo).

7.-Por la historia del reloj de oro que cuenta Christopher Walken en el intermedio entre la primera y segunda historia.

8.-Por la escena del concurso de baile de Jack Rabbit’s Slim. Más de una década después de Fiebre de Sábado por la Noche o Grease, Travolta mantenía intactas sus cualidades sobre la pista de baile, y junto a Uma Thurman protagonizan una de las grandes secuencias de baile de todos los tiempos, imitada, jamás igualada.

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9.-Porque pese a haber protagonizado clásicos del cine de acción estadounidense como Duro de Matar 1 y 2 y El Último Boy Scout, fue con su actuación en Pulp Fiction que Bruce Willis comenzó a ser respetado en serio.

10.-Porque puso a sus espectadores a cabecearse hasta el día de hoy, primero, tratando de armar el puzzle y ordenar mentalmente cual es el orden correcto de la narración hasta definir donde parte realmente la historia y donde termina (experimento que repetiría en las dos partes de Kill Bill una década después).

11.-Porque, en la misma línea de pensamiento, muchos se pusieron a buscar Ezequiel 25, 17 en la Biblia y trataron de confirmar que efectivamente dijera lo que Jules sostiene en la película (en realidad, es un fragmento inventado por Tarantino, a partir del mismo pasaje y aderezado con otros pasajes de las Sagradas Escrituras, especialmente del Antiguo Testamento).

12.-Porque, en el mismo sentido, muchos aún quieren saber que diablos había en ese maletín que era tan valioso y por qué muchos querían echarle el guante.

13.-Y claro, porque ya en esta segunda película, podemos empezar a hablar del universo Tarantino. Hay quienes sostienen que Vincent Vega (Travolta) es hermano de Mr. Brown (Michael Madsen) de Perros de la Calle. Y que la serie de televisión a que hace referencia Mia Wallace (Uma Thurman) sobre un escuadrón de mujeres asesinas no es otra cosa que el Deadly Viper Assasination Squad de Kill Bill. Y sin contar los elementos secundarios que se repiten a lo largo de la filmografía tarantiniana como los cigarrillos Red Apple.

14.-Por su soundtrack, dueño de un status de clásico tan grande como la película misma que acompaña, que nos permite descubrir –o redescubrir- clásicos como Jungle Boogie, o Son of a Preacher Man. Y quien no le produzca reacción alguna escuchar la notable Misirlou, tema que musicaliza la secuencia de créditos iniciales del filme, que se ponga de pie.

15.-Porque le tocó competir por el Oscar al año siguiente, como mejor película, con puros filetes como Forrest Gump, Sueños de Libertad, Cuatro Bodas y un Funeral y Quiz Show, y a Tarantino como mejor director junto a Robert Zemeckis, Robert Redford, Kriztof Kiezlowski y Woody Allen (o sea, tu segunda película y compites con estos gigantes..), dándonos una de las premiaciones más entretenidas en años. No ganó ninguno de esos, pero si se apuntó un Oscar (y otros premios) por su guión original, escrito por Tarantino y Roger Avery.

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16.-Porque, por mucho que sea una porquería, Royale With Cheese suena mucho más bonito que Cuarto de Libra con Queso.

17.-Porque a lo largo de su carrera, Tarantino no ha hecho otra cosa que reivindicar el gran aporte a la historia del cine de géneros fílmicos subvalorados como el xplotation, las artes marciales, el cine B y el de matiné. Pulp Fiction no es otra cosa que un gran homenaje a estas especialidades. De paso, revitalizó el género pulp y con ello supimos que teníamos una interesante narrativa policial local, con Gómez Morel, Rivano y Méndez Carrasco, y que se extiende hasta hoy con Heredia, de Ramón Díaz Eterovic.

18.-Porque de nada te sirve sacarte puros sietes y aprobar con distinción unánime el curso en la escuela de cine si tus películas no tienen alma ni contenido. Tarantino aprendió a hacer películas de la mejor forma posible: viendo muchas películas. La cátedra puede ayudar a canalizar el talento, pero si éste no viene de fábrica, no hay mucho más que hacer.

19.-Porque permite echar al agua a los amantes del verdadero cine “Odiamos a Tarantino porque firma como quiere…amamos a Lars Von Trier porque filma como quiere” ¿En qué quedamos? Y aunque a estos fulanos les moleste, el cine arte, como les gusta decir a los siúticos, también puede estar hablado en inglés.

20.-Porque fue una de las primeras películas originales que tuve en dvd, cuando tuve los recursos para adquirir material original y maldije su pobre versión zona 4, pues no estaba a la altura de las circunstancias, menos todavía las versiones más económicas que han salido con los años. Esperemos que la versión en bluray si corresponda al nivel de la película. Ahí espera su turno al lado del reproductor de mi casa.

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soñando con Brasil

Febrero, 2011.

Tras la renuncia de Marcelo Bielsa como director técnico de la selección chilena de fútbol, por diferencias irreconciliables la ANFP contrata, cediendo a la presión popular, al argentino Claudio Borghi como entrenador nacional, con la meta de clasificar al mundial de Brasil 2014, y ganar la Copa América de ese año.

Octubre, 2013.

De la mano del también argentino Jorge Sampaoli, Chile vence a Ecuador y clasifica por primera vez a dos mundiales de fútbol seguidos.

No fue una aventura fácil de vivir..ni de contar..

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Nadie, ni el cine, escapa a la fiebre del fútbol, y la relación entre séptimo arte y deporte rey es más antigua y estrecha de lo que algunos pseudointelectuales (esos que van a pasar todo este mes reclamando en contra del balompié). Por eso, no es de extrañar que, de la mano de la llegada de Chile al mundial actualmente en curso, poco antes se haya estrenado este documental.

El Sueño de Todos replica la idea de Ojos Rojos, en el sentido de documentar el arribo de una selección chilena a un campeonato del mundo. Pero así como hay diferencias entre ambos procesos (el primero, que concluyó en Sudafrica 2010 fue tomado por un Marcelo Bielsa a quien se dejó trabajar desde 0 y con la necesidad de reencantar a la hinchada con la selección, mientras que el segundo fue tomado por Jorge Sampaoli designado de urgencia para llegar a Brasil y reparar la catástrofe que fue el paso de Claudio Borghi por la banca roja) ambos documentos guardan diferencias significativas.

Ojos Rojos era un resumidero que de tantas historias que contaba, además del proceso de Bielsa, que era imposible seguir con atención y empatizar con sus protagonistas. El Sueño…opta por algo más simple: se enfoca sólo en lo que es el proceso clasificatorio rumbo a Brasil, registrado in situ y mostrando extractos de cada partido.

El problema de El Sueño de Todos, es que por privilegiar el registro desde el lugar de los hechos omite la existencia de un narrador en off o algo así que vaya enlazando los distintos episodios. Para el futbolero de tomo y lomo tal vez no sea la gran cosa, pero para el espectador no hincha, le cuesta mucho de esa forma entender algunas cosas.

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Entender cómo Borghi se farreó la oportunidad de ir, por primera vez en la historia, primero en una clasificatoria mundialista. Entender situaciones como el bautizazo. Entender las radicales diferencias entre Bielsa, Borghi y Sampaoli. Comprender que motivó movimientos en la nómina, como el retorno de David Pizarro o Mauricio Pinilla a la Selección, por ejemplo, o la evolución personal de cada jugador entre el inicio del proceso y su término.

Y si bien tiene un innegable tufillo a publicidad de larga duración del principal sponsor de la selección, que puede incomodar a algunos cuantos que todavía no quieren aceptar que el fútbol es, principalmente, negocio, la cercanía que se crea entre protagonistas, narradores y espectadores permite entender que el gran secreto del grupo humano que por estos días disputa la primera ronda de Brasil 2014, es más allá de las decisiones técnicas o estrategias, es la tremenda cohesión, camaradería y sintonía existente entre los jugadores rojos, autoconvencidos de que su propia esfuerzo y voluntad es el motor de su funcionamiento.

No sabemos como va a terminar la participación de Chile en Brasil. No sé si de aquí al próximo Mundial Sampaoli y algunos de los jugadores que están ahora sigan en un nuevo proceso. Capaz que El Sueño de Todos se olvide de aquí a fin de año, pero da lo mismo. Es un buen acompañamiento para amenizar la espera entre partido y partido. Tal vez falle en lo estadístico o enciclopédico, a juicio de los juguitos de pelota, pero aprueba con dignidad.

**3/4

EL SUEÑO DE TODOS

Director: Hernán Caffiero

Documental/Deportes

2014

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otra reseña en el muro

Pink, un popular rockero (Bob Geldof) atraviesa una severa crisis personal.

Encerrado en la habitación de su hotel, sentado frente al televisor, ve pasar los momentos más angustiosos de su vida: la muerte de su padre en la guerra, la omnipresencia de su celosa madre, su fracaso matrimonial y sus malas experiencias escolares, van llenando su alma de frustración.

Vencido por estos fantasmas, y temeroso de exponer sus debilidades, Pink construye, dentro de su subconsciente, un muro que mantiene su verdadera personalidad fuera de la vista de los demás…

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Hemos hablado varias veces de The Wall, el disco que Pink Floyd publicara en 1979, basado en los no pocos rollos personales de su entonces bajista y cerebro Roger Waters. Fenómeno de ventas y rotación radial, The Wall, que marca el cierre de la primera gran época del rock progresivo, fue presentado en vivo en no más de seis oportunidades, en EEUU, Inglaterra y Alemania, debido a su alto costo. Eso motivó al realizador Alan Parker, presente en este último show, propuso a Waters llevar al cine su obra, dadas las circunstancias, cosa que Waters y compañía aceptaron.

Así, es como se estrena en 1982 Pink Floyd: The Wall¸película que sigue la tendencia del disco en el que se basa, convirtiéndose en un fenómeno de taquilla y objeto de culto, incluso en Chile. Pero no sólo esa tendencia sigue. The Wall, pese a ser el disco más exitoso de la banda, sólo superado por el fundamental The Dark Side Of The Moon, de 1973, está lejos de ser una obra perfecta. Tiene grandes momentos, es cierto, pero le falta para tener ese nivel de perfección de su predecesor. Pues bien, The Wall, la película, pasa por un fenómeno similar.

Conociendo a Pink Floyd, banda que destacó no sólo por su excelente trabajo en lo musical, sino sobre todo por la espectacularidad de sus puestas en escena (para PF, la música no era sólo lo que quedaba impreso en el vinilo, sino que un todo formado por distintos elementos, incluyendo su presentación al público), The Wall viene a ser uno de los pocos registros audiovisuales existentes de la banda a esa época, sin perjuicio de los diversos videos piratas que circularon con los años. En este escenario, no es de extrañar el valor extrínseco de la película, como un consuelo para todos los que no pudieron presenciar los shows de este disco, y en general los shows de Pink Floyd a lo largo de la historia.

La adaptación de Parker (director autosobrevalorado, que toda su carrera la ha vendido más de lo que es capaz de dar) y su interpretación de la historia planetada (individuo al borde del colapso que se inventa una máscara –simbolizada en la pared- que impide revelar al personaje frágil que es en realidad) es correcta, y en sus mejores momentos llega a ser sobrecogedor, estremecedor e inquietante.

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Pero, hay que decirlo, no alcanza las cotas de dramatismo que pretende la banda tanto en el disco como en las presentaciones en vivo de 1980 o incluso, la gira que Roger Waters hizo entre 2010 y 2013, con ocasión de los 30 años del disco. Para el mismo Waters, de hecho, la película cumple con adaptar la historia, pero muy superficial. Me reservo el beneficio de la duda, pero coincido en que el impacto que produce una y otra versión no son de la misma magnitud.

Si, es un buen consuelo para los que nunca han visto el material en vivo, quizás no tanto para los que si lo hemos apreciado en todo su esplendor, pero tampoco es para castigarlo tanto como muchos se han empeñado en hacer.

Y es que no existe un género llamado adaptación de disco de rock. Cierto, hay cosas como Yellow Submarine, claramente muy superiores al promedio, pero también la versión de Sgt. Pepper’s lonely Hearts Club Band protagonizada por Peter Frampton, o Tommy, de The Who, que no alcanzan ni de cerca el tremendo nivel de sus obras originales. En el justo medio entre ellos está The Wall. No es una obra extraordinaria, pero claramente mucho más satisfactoria que varios de sus símiles.

Aderezada con la respetable actuación de Bob Geldof y las animaciones de Gerald Scarfe, mismo encargado de ilustrar la carátula y el interior del disco, Pink Floyd The Wall es, sea en disco o película, con todas sus virtudes y defectos, por un lado, un ataque duro e inesperado para quien pueda ser sorprendido volando bajo y, por otro, la mejor manera para entrar al universo floydiano. Un buen punto donde empezar.

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PINK FLOYD: THE WALL

Director: Alan Parker
Intérpretes: Bob Geldof; Christine Hargreaves; James Laurenson; Eleanor Parker; Alex McAvoy; Bob Hoskins
Musical/Drama
1982

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reescribiendo la historia

En un futuro no muy lejano, la vida se ha hecho insostenible.

El ejército de robots conocido como Centinelas ha alterado su programación y ha exterminado casi en su totalidad a la especie mutante y a la especie humana por igual, luego de que en 1973, tras el asesinato del ingeniero Bolivar Trask (Peter Dinklage) por la mutante Mystique (Jennifer Lawrence) el gobierno estadounidense aprobara la creación de estos humanoides para dar caza a la especie mutante.

Un pequeño grupo de sobrevivientes, encabezados por los antes enemigos Charles Xavier (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellen), traman un plan desesperado: transportar mentalmente a uno de los suyos a 1973 y evitar que Mystique concrete su crimen. Y porque es el único en condiciones de resistir el proceso, Wolverine (Hugh Jackman) será quien se traslade a una época donde encontrará a un Charles Xavier (James McAvoy) completamente distinto al que solía conocer, y a un Magneto (Michael Fassbender) en manos de la justicia…

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Tenía que parar en algún momento.

Parar de postergar cosas.

Ya me salté –y me arrepiento cada día que pasa- Capitán América: Soldado de Invierno y Godzilla. Lo mismo Amazing Spiderman 2 (aunque por los comentarios que leí no lo lamento tanto) y hasta la fecha aún estoy al debe con Wolverine: Inmortal. Muy atrasado con los estrenos de 2014 (aunque I Frankenstein, Robocop y otras ya están sobre mi escritorio) tenía que meterme en X Men: Días del Futuro Pasado sí o sí.

Y es que se trata de una de las pocas sagas que he visto completa en salas. Vi la primera el 2000 en salas, lo mismo la de 2003 (hasta diría que en el mismo asiento del mismo cine), la fallida tercera parte de 2006 y la insuperable First Class de 2011 (así es como se hace un reboot), por lo mismo, no iba a esperar con ésta el dvd, el bluray o el avi o mp4 de rigor. Nobleza obliga.

Y lo cierto es que el filme que marca el regreso de Bryan Singer a la dirección de la saga, tras once años (no estuvo en la tercera y sólo actuó como productor del reboot) y con un desafío no menor. Por un lado, suceder a la increíblemente buena película de 2011. Por otro, adaptar una de las sagas más célebres y aplaudidas del universo X, a cargo de John Byrne y Chris Claremont y publicada en 1981. Tercero, ordenar el universo X fílmico, tras las fallidas tercera parte y Wolverine:Orígenes de 2009.

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¿Lo logra? Veamos.

Está a la altura de First Class? En adelante XMDDFP tuvo que suceder a la brillante reinvención dirigida por Matthew Vaughn, lo que era difícil. Es posible que no sea tan buena como la anterior, pero claramente es un punto altísimo en lo que a blockbusters y filmes de superhéroes se refiere. Cierto es que abusa del protagonismo de algunos personajes y saca a otros que muchos estiman no debieron salir de ahí. Por mi, eso no es problema: nadie puede negar que a estas alturas el más popular y querido personaje del universo X es Wolverine y hay que sacarle provecho (no olvidemos que el cine es, ante todo, negocio y que para Hugh Jackman es prácticamente una segunda piel…lo mismo el protagonismo atribuido a Mystique, encarnada por una Jennifer Lawrence ganadora del Oscar y dos veces nominada al ídem en menos de cuatro años, hay que sacarles el jugo) y por otra parte, no echo de menos a ciertos personajes de First Class o las dos primeras X. Por el contrario, celebro que se hayan introducido nuevos personajes (como Quicksilver, a cargo Evan Peters, quien en los 10 o 15 minutos que aparece se roba la escena, con justicia). Se agradece la química entre viejos y nuevos intérpretes y personajes, todos los cuales contribuyen al desarrollo de la historia.

Es una buena adaptación de una saga clásica? Si. La jugada era arriesgada: en vez de continuar con una simple secuela de First Class, Singer optó por tomar una saga difícil por la cantidad de vueltas de tuerca con que cuenta y por la cantidad de personajes –e intérpretes- involucrados. Y pese a lo que podamos pensar tras la intrascendente Superman Returns y la aún más inexplicable Jack El Cazagigantes, Singer tiene el oficio suficiente para no verse sobrepasado por los factores antes citados, y nos presenta una historia compleja de explicar por su narrador, pero suficiente de entender para el espectador. Cierto es que la película parece más larga de lo que es, y es porque pasan demasiadas cosas. Singer sale airoso del desafío, y maneja con precisión los ritmos, tiempos y estados de ánimo de la historia logrando que el espectador se quede hasta el final, sin dejar de mirar en ningún minuto la pantalla.

Ordena el universo X para el cine? El gran problema de la tercera película de X Men, así como del primer Wolverine es que desordenaba mucho el naipe de la saga X en cines, además que a muchos simplemente no les gustó la manera en que se materializaban ambas historias. En ese sentido, XMDDFP, con todas las vueltas de tuerca que implica, ordena las cosas, elimina unas, ajusta otras y define lo que es la continuidad oficial del universo X cinematográfico. Así, el orden lógico parte con First Class, sigue con XMDDFP, y luego las dos primeras partes de la saga, cerrando al parecer con Wolverine: Inmortal, no existiendo XM3 ni Wolverine: Orígenes, según parece. Lo cual viene a poner las cosas en su lugar, y se agradece.

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Hablando del reparto, que funciona parejito, hay que destacar las individualidades. Aparte de las obvias (Jackman y Lawrence ya citados) teniendo presente que las comparaciones van a ser inevitables al coexistir en el mismo filme, debemos reconocer el gran desempeño de la dupla Xavier-Magneto, tanto en su versión joven como senior. Con ventaja para la versión setentera, no porque McKellen y Stewart no hagan bien su pega, sino que a éstos ya los hemos visto en el papel antes, y porque sus similares del pasado logran un desempeño impecable, especialmente McAvoy, encarnando a un Charles Xavier adicto, desmoralizado y con la fe a la altura de la planta de los pies. Otros puntos altos corren por cuenta del citado Evan Peters y Peter Dinklage como Bolivar Task, quien me hizo decir más de una vez “enano cu…”, lo que prueba su buen desempeño.

Marcando un nuevo punto alto en la relación cine y superhéroes (desde Avengers, hace dos años, y Man Of Steel hace uno que no salía tan prendido de una sala) X Men Días del Futuro Pasado tiene méritos de sobra para quedar dentro de las grandes películas del 2014, dejando una vez más con la boca cerrada a los sesudos odia blockbusters. Con la boca cerrada y atragantándose con sus propias pachotadas.

****1/4

X MEN: DAYS OF FUTURE PAST

Director: Bryan Singer

Intérpretes: Hugh Jackman; Jennifer Lawrence; Ian McKellen; Patrick Stewart; James McAvoy; Michael Fassbender; Nicholas Hoult; Evan Peters; Halle Berry; Ellen Page; Peter Dinklage; Shawn Ashmore

Superhéroes

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2014

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