que verde era mi alien

Graeme (Simon Pegg) y Clive(Nick Frost) son dos freaks ingleses que han viajado a Estados Unidos para visitar la ComiCon y de paso hacer un tour por los lugares de mayor atractivo ufológico.

Una de aquellas noches, esquivan una camioneta que los venía siguiendo, temiendo que se trataba de una pareja de rednecks con quienes casi se van a las manos, pero el vehículo se sale de control y cae a un costado de la carretera.

Los dos amigos se acercan a auxiliar al accidentado pero quien les sale el paso es Paul (voz de Seth Rogen), un extraterreste de algo más de medio metro de alto, increíbles poderes y que les solicita, desesperadamente, su ayuda. Y aunque Clive, al principio se niega, no obstante haber editado una novela sobre el tema, finalmente Grame lo convence de acoger al extraterrestre y llevarlo con ellos durante el viaje. Pero deberán darse prisa, ya que un hombre de negro(Jason Bateman) y dos ineptos agentes del FBI(Bill Hader y Joe Lo Truglio) van tras sus pasos.

Lo necesitaba.

Ha sido un año en que el cine de comedia ha quedado bien al debe. Pase Libre, el retorno de los hermanos Farrelly, no dió para mucho (más bien sigue la curva descendente que éstos otrora reyes de la comedia adoptaron desde Fever Pitch); Quiero Matar a mi Jefe y Your Highness eran filmes entretenidos, pero tampoco para lo que se esperaba de ellos, y la que iba a ser la gran comedia del 2011, Que Pasó Ayer 2, pasó sin mucho ruido por las pantallas.

Asi hasta llegar a Paul, filme realizado a medias por la combinación de nombres que han dado bastante que hablar en el género los últimos años: dirigida por Greg Mottola (Supercool, Adventureland) sobre un guión de Simon Pegg y Nick Frost, quienes además protagonizan el filme (tal como hicieron antes con Shaun of the Dead y Hot Fuzz), un mal resultado era imposible.

Y la cosa funciona. Si bien en ningún caso es para reír a carcajadas, lo cierto es que le sube bastante los bonos a un género cinematográfico en decadencia con una propuesta entretenida, momentos muy graciosos y situaciones absurdas.

Concebido por Pegg y Frost como un homenaje a Speilberg y, en general al cine puramente escapista y entretenedor con el que se formaron (y así nos formamos otros cuantos) Paul marca varias distancias con otros filmes de la especialidad. Es cierto, hay humor de camarín, abundante, sobre todo muchas referencias al consumo de alucinógenos(lo que emparenta a Paul como una suerte de primo lejano e ilegítimo de Pánico y Locura en las Vegas), pero si algo caracteriza a esta road-movie en modalidad ridícula, es un humor bastante inteligente, que va más allá de las bromas sobre genitales que sobreabunda en el cine hollywoodense actual, y con abundantes referencias a la cultura pop-scifi surgida al alero de directores como el tío Steven, algunas expresas, otras no tanto. Aqui es donde se nota la mano de Pegg y Frost, de Mottola como director de comedias pero capaz de hacer una tarea más que satisfactoria y de buen gusto, y de coestrellas como Jason Bateman, Bill Hader y Kristen Wigg.

Demostrando que se puede hacer un muy buen humor sin depender exclusivamente de las partes privadas, Paul viene a levantar un género que ha ayudado enormemente a la consolidación del cine como entretenimiento de masas, aunque últimamente se le tenía bien a trasmanos. Ya era hora.

***1/2

PAUL

Director: Greg Mottola

Intérpretes: Seth Rogen; Simon Pegg; Nick Frost; Jason Bateman; Kristen Wigg; Bill Hader; Blythe Danner; Jane Lynch; Sigourney Weaver

CienciaFicción.-Comedia

2011

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TNA: síes y nóes

El próximo viernes 18 de noviembre se presenta en el Movistar Arena TNA Impact Wrestling en la primera visita de esta empresa de lucha libre en el Cono Sur. Fundada en 2002 por el ex WWE y ex WCW Jeff Jarrett y su padre Jerry, Total Non Stop Action Wrestling surgió como un intento semi independiente por ofrecer un espectáculo de lucha libre a nivel internacional, intentando competir con ese monstruo en que se convirtió la WWE a principios de década. Tras varios años de realizar presentaciones quincenales mediante PPV, en 2005 logran llegar a la televisión nacional al ser contratados por Spike TV para ofrecer cada jueves el show Impact, alternando shows en vivo con episodios grabados, siempre desde su base de operaciones en Orlando, Florida. Lo cierto es que el 18 de noviembre veremos un evento del que se sabe poco. Cierto, los fans de la lucha libre lo ubican, pero no así el gran público, ese de los niños chicos fanáticos de John Cena y Rey Mysterio, así que en mi modesta opinión, el Movistar les queda un poquito grande.

En fin, los pro y los contra de tener a TNA en Chile.

Porque SI ir:

-Porque es una alternativa válida al monopolio de la WWE, y siempre es bueno ver otras cosas para decidir mejor.

-Porque en su roster están algunos de los mejores luchadores de la actualidad: AJ Styles, Samoa Joe, Christopher Daniels; Low Ki; Bobby Roode; Austin Aries; Brian Kendrick; The Motor City Machine Guns, Abyss.

-Porque su roster abarca además figuras de la vieja escuela, o no tan vieja, que ya no estaban cómodos en el estilo de vida WWE, viajando casi todos los días y haciendo presentaciones noche por medio: Rob Van Dam, Jeff Hardy, Kurt Angle, Mr. Anderson, Jerry Lynn.

-Porque tiene la Destination X, una división donde luchadores menos musculosos pero más ágiles se lucen con espectaculares acrobacias y proezas que en la nefasta era PG de WWE ya no se ven.

Porque NO ir:

-Porque a cargo del staff creativo está Vince Russo, ex jefe de guiones de WWE y de la última etapa de la WCW, justo la más mala de esta empresa. Así que mientras en WWE un CM Punk se manda un tremendo speech atacando al seno de la empresa misma y logrando que muchos dentro del medio lo elogiaran hasta el cansancio, Russo insiste en la misma historia: grupo A contra grupo B para saber quienes gobiernan al resto; o un lío de faldas entre luchadores; o luchas terminadas porque otro se metió. En fin, todo tipo de patrañas que genera historias que, a la larga, aburren.

-Porque abarcar figuras que no tienen cabida en WWE, si bien sirve para presentar a algunas figuras interesantes, acoge a personajes como Hulk Hogan, Sting, Bully Ray y Devon Dudley, Scott Steiner, los citados Jarret, Angle y Hardy, Ric Flair (retirado en 2008, que debió volver a los rings en 2010 empujado por el descalabro financiero que tiene, producto de los pagos que debe hacer a sus varias ex esposas), Eric Bischoff, entre otros, que hace rato ya deberían haber dado un paso al costado (si miramos WWE,los únicos que van quedando de la generación anterior son Triple H, Big Show, Kane, los tres reconociendo que están en sus últimos años; Shawn Michaels y Bret Hart ya se despidieron, The Rock, Steve Austin y Mick Foley son historia y es un hecho que en Wrestlemania 28, Undertaker se despide del ring; hay que tener dignidad).

-Porque, encima de todo, los libretistas trabajan para éstos últimos, por lo que dan mayor presencia en escena a aquellos que ya no están en edad de dar un espectáculo convincente sobre el cuadrilátero, en perjuicio de personajes mejor dotados técnicamente, y físicamente en mejor estado.

-Porque TNA no tiene televisión abierta en Chile, por lo que, como dijimos antes, el público que puede llenar un Movistar Arena, no tiene idea de lo que se trata este asunto.

-Porque aún no se sabe quienes son las figuras de la empresa que vendrán a Santiago y Buenos Aires. Digo, muchos van a estar esperando a Hogan, Angle, en fin y después quizás con que se encuentran.

Juzgue usted. Yo, hasta no saber quienes vienen, paso.

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un ejercicio simple

Según Vincent Price, un buen actor es un buen hacedor de caras. Es decir, aquel que es capaz de adoptar su rostro a las mil sensaciones que puede atravesar el personaje. Después de todo, la pega del actor es esa: dar a conocer lo que le sucede a un personaje X, y para hacerlo creíble, necesita un rostro que lo acompañe. No es un misterio que los mejores actores del mundo son aquellos cuya versatilidad les pone en situación de transmitir, con un gesto, una sensación determinada.

Así las cosas, y con todo lo anterior en mente, hágamos este pequeño ejercicio, con esta imagen que encontré por ahí en la red. A un lado, Emma Watson, al otro Kristen Stewart.Y usted, aún sin haber visto ninguna película de ellas, juzgará quien hace mejor su trabajo.

(no pusimos a ningún idolito de moda ni a ninguna actriz de película para teenagers…tirarles pa’bajo sus carreras es cruel y fácil -no hay desafío!!)

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algunas notas sobre un encuentro con Dios

-No todos los días el que para muchos es el mejor guitarrista del mundo anda por acá. De hecho, a este ritmo (tres presentaciones, una cada diez años) si uno no lo veía ahora, perdía para siempre.

A la larga el cambio de local le favoreció:aunque en un momento se sentó bien en los grandes estadios, Eric Clapton no necesita grandes escenarios ni mucha parafernalia para dejarnos impactados. Dos o tres guitarras, una pequeña banda y una silla le bastan para mandarse por casi dos horas un gran momento.

-Un maestro a la hora de tomar la de seis cuerdas para hincar el diente sobre todo al blues, ese sonido fundido sobre sentimientos ahogados en alcohol barato y que salen a la luz en la voz de tipos sentados al medio de bares en medio de la nada, se despachó uno de los grandes conciertos del año.

-Y además nos regaló un breve segmento semiacústico que nos dejó a más de uno marcando ocupado, incluyendo una versión de Layla bastante mejor que la del Unplugged de 1992.

-Pero no por eso dejó de lado su vocación rockera, ya que al ponerse de pie y tomar su querida Fender Stratocaster celeste, nos recordó ese bien ganado lugar que tiene en la historia del movimiento. Badge, Cocaine y Crossroads, entre otros clásicos, siguen sonando tan bien, y a ratos mejor que siempre.

-Porque Wonderful Tonight es una de las más emotivas baladas rock de la historia, y tener abrazada a tu mujer mientras le susurras al oído ese coro es una sensación perfecta.

-El rock es terapéutico. Con esguince y todo @Alexa_Wolf igual fue a ver al maestro, y mientras tocó, se le olvidó todo. Milagro, y ya que Dios hace milagros, entonces es cierto, Clapton es Dios.

-Porque Clapton no es amigo de los discursos grandilocuentes, las palabras de buena crianza y los gestos populistas. De hecho, le tiraron una bandera chilena y ni la pescó. Clapton deja que su guitarra hable por él, esos son los discursos que uno espera oír.

-Y si bien faltó una que para mí era fundamental (Sunhine of your love)la verdad es que reclamar porque faltó esta o esta otra, sería reclamar de lleno, porque de que canciones más, canciones menos, no por eso dejó de ser un espectáculo tremendo.

-Quien lo diría, al día siguiente de que un fenómeno pop de plástico para lolitas en crecimiento, que se va a dar de baja luego, un viejo de pocas palabras pero mucho corazón nos dio unas cuantas historias llenas de alma. Clapton es Dios, y el domingo pasado comulgamos con él. Amén!

Setlist:

¦”Key To The Highway”

¦”Tell The Truth”

¦”Hoochie Coochie Man”

¦”Old Love”

¦”Tearing Us Apart”

¦”Driftin’ Blues”

¦”Nobody Knows You When You’re Down and Out”

¦”Lay Down Sally”

¦”When Somebody Thinks You’re Wonderful”

¦”Layla”

¦”Badge”

¦”Wonderful Tonight”

¦”Before You Accuse Me”

¦”Little Queen of Spades”

¦”Cocaine”

¦”Crossroads”

en preparación: estuvimos en el lanzamiento de CabraLesa, el Libro, Obviamente, se viene la reseña de rigor. Próximamente.

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nada de penoso

¿Cuánto puede cambiar la vida en un año? Para Javier Fernández(Ariel Levy) eso es relativo. Si, por un lado se ha convertido en el publicista estrella de una importante agencia, lo que le ha permitido reducir, de a poco, su gigantesca deuda bancaria. Pero por otro lado, sigue viviendo con su madre, Patricia (Claudia Celedón) y el nuevo marido de ésta, Rafael (Ramón Llao), complicándose mutuamente la existencia.

Y aunque lleva varios meses de relación con su novia Angela (Andrea Velasco), ésta no va para ningún lado, principalmente por el nulo interés de Javier en tomarse más en serio las cosas.

Paralelamente, Javier recibe de su jefe una comisión muy especial: guiar a una alumna en práctica que es nada menos que su propia hija, Lucía (Lorena Izzo) quien de inmediato queda obsesionada con Javier, justo cuando las cosas con Angela comienzan a complicarse…

Pese a quien le pese, López la hizo de nuevo.

Un maestro del marketing fílmico como no hay otro en Chile, si el año pasado sacó provecho de una polémica artificial sobre sus chistes contra las minorías para hacer de Que Pena Tu Vida la película chilena más taquillera del 2010, hoy ha echado mano de una pataleta de niños chicos de un insignificante sector de la cinefilia (ver nota aparte) para lograr un muy buen fin de semana de estreno para su más reciente filme, Que Pena Tu Boda

(Al punto de hacer que @Alexa_Wolf y yo interrumpiéramos nuestras minivacaciones en Viña del Mar para correr al cine y verla).

Y, sinceramente, da gusto que le vaya bien, no sólo porque les calla la boca a algunos pelmazos, sino porque de veras agrada que sintonice bien esta historia con el público, revelando que tras ella hay un trabajo bien hecho, mejor incluso que el anterior.

Si Nicolás López fuese el director que sus detractores (detractroles?)dicen que es, le hubiera bastado con tomar QPTV, cambiar un par de audios, y ya. Pero no, en una movida inédita en la industria cinematográfica nacional reciente, presenta una secuela que comenzó a escribir y rodar ni bien la primera salió de cartelera. Troleen lo que quieran, los desafío, pero si algo sabe López mejor que nadie, es optimizar los recursos fílmicos, al punto de tener lista una película en menos de ocho meses. No es que no se pueda, pero no siempre funciona. Y digámoslo, QPTB funciona bien, superando en más de un aspecto a su predecesora.

QPTB es a todas luces un avance en la carrera de López como director. Si bien mantiene el humor de camarín que lo ha rodeado a lo largo de su filmografía, así como su premisa fundamental: chico conoce a chica y quiere quedarse junto a ella, propone una innovación: la irrupción de una situación dolorosa (que aquí no revelaremos, la idea es que vaya al cine), que sólo complica aún más la vida de sus protagonistas.

Pero no se asuste, la película en ningún minuto se convierte en una tragedia griega. QPTB nunca pierde su vocación de comedia (imposible cuando el tema principal de su soundtrack es Mueve Mueve), pero tratándose de una cinta donde tema principal es la madurez, la secuencia en cuestión resulta necesaria. Por lo demás, cualquier espectador con dos dedos de frente entiende que QPTB no pierde su vocación cómica.

Es esa capacidad de introducir elementos más bien profundos en una comedia sin que ésta pierda su calidad de tal, sino que por el contrario, poniéndole un valor agregado, es el mérito de López, clara señal de su madurez como realizador. Si, uno queda en standby por un buen tramo de la película, pero no se encogen las tripas ni dan ganas de salir de la sala y tirarte al vacío,sino de quedarte hasta el final. López no sólo es un gran vendedor que convence a cualquiera de comprar su producto, sino que además se asegura de que éste sea un producto de buena calidad, más allá del envase. Por cierto, la impecable fotografía hace que Santiago se vea como la ciudad increíble que puede y debe llegar a ser.

Tanto así que hasta sus mismos detractores han tenido que tragarse su orgullo y reconocer las virtudes de QPTB. Si hasta su argumento de que López es clasista ha quedado obsoleto. Sobre todo con sus chistes al sector ABC1, que no queda muy bien parado que digamos.

Bien parado queda, en cambio, el muy buen cásting, partiendo por el ya habitual Ariel Levy y Andrea Velasco, presentando una química evidente entre sí a la hora de dar vida a la dispareja pareja principal. Otro tanto logran Claudia Celedón y Ramón Llao, la disparatada pareja que forma la familia nuclear de Javier. La debutante Lorena Izzo supera su primera incursión en cine con creces, ya que al final del día su personaje termina por ser odiado, así que cumple lo que se le pide. Pero es el Barman, notablemente encarnado por otro habitual de López, Nicolás Martínez, quien se roba, con justicia, los mejores momentos del filme, haciendo gala de una comicidad enorme, pero a la vez despachando algunas claves para la resolución de la historia.

Y como buen filme lopeziano, son abundantes los cameos o easter-eggs. Por ahi encontramos personajes como Felipe Avello, Nicolás Copano, los Power Peralta, entre otros personajes y/o objetos que cada espectador debe saber encontrar, haciendo más entretenida la experiencia.

Curioso, en un año en que el cine chileno ha tenido menor presencia en salas, lo que ha llegado a ser exhibido en cines ha resultado ser, en la mayoría de los casos, títulos de buena factura y con muy buena taquilla, proporción que por inversa que sea, constituye señal de buena salud. Y nos da gusto que Que Pena Tu Boda sea parte de ello.

***3/4

QUE PENA TU BODA

Director: Nicolás López

Intérpretes: Ariel Levy; Andrea Velasco; Lorena Izzo; Claudia Celedón: Ramón Llao; Nicolás Martínez; Willy Semler; Paz Bascuñán; Ignacia Allamand; Liliana Ross; Julio Jung; José Martínez; Pablo Zúñiga; Alison Mandel; Felipe Avello

Comedia

2011

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danger girl

Desde su más tierna infancia, Hanna Heller(Saoirse Ronan), de 16 años, ha vivido con su padre Erik (Eric Bana) en los fríos bosques de Finlandia, quien la ha entrenado en las más diversas técnicas de defensa, caza y combate, además de enseñarle distintos idiomas e historias que deberá contar la niña, cuando sea necesario hacerlo, así como un dispositivo que deberá accionar de la misma forma.

Al mismo tiempo, en un cuartel de la CIA, la agente Marissa Wagler(Cate Blanchett) ha recopilado información valiosa acerca de Erik, de su pasado como agente de la organización y de su huida de la misma tras la cancelación de una compleja operación años atrás. Wagler descubre la localización de Erik y envía a una tropa de elite a Finlandia, y aunque éste ha huido, captura a Hanna.

Tras ser interrogada brevemente, Hanna consigue escapar luego de asesinar con sus propias manos a algunos efectivos, para encontrarse pronto en medio de la nada, en pleno desierto de Marruecos. Haciendo uso de sus conocimientos, Hanna viajará a través del desierto, España y finalmente Alemania para huir de Wagler y sus hombres, y al mismo tiempo conocer el mundo por primera vez en su vida…

Los europeos tienen una manera muy propia de hacer cine de acción, distinta de la hollywoodense, en el sentido de que hay menos testosterona, menos escenas de explosiones, menos situaciones como-loh-hombreh quizás, pero con más seso y no por eso menos vértigo. Este tipo de cine de acción y de lucha cuerpo a cuerpo puede que tenga aburrido al fanático del formato más tradicional, y puede que el formato se haya repetido, pero lo cierto es que sigue dando frutos y gozando de buena salud.

El más reciente ejemplo de ello es Hanna, coproducción germano-estadounidense que nos pone en escena a una adolescente entrenada desde la cuna como una máquina de matar, y aunque sea capaz de despacharse a dos agentes de elite con sólo apretarles el cuello, en el fondo sigue siendo una niña, con inquietudes, sentimientos y ganas de salir al mundo. Suena mamón, OK, pero la idea no es mala, y si se trabaja bien, funciona bien.

Y el director Joe Wright, un realizador nada del otro mundo, pero correcto y cumplidor, hace que la cosa funcione bien, con agilidad y precisión. Cumple con un requisito fundamental, que la historia fluya y el tiempo se haga más corto. Y siempre sostengo lo mismo, si viendo una película de acción el tiempo corre rápido, bien, pero si se demora una eternidad, mal, que pase la siguiente. No es el caso de Hanna, por cierto, y uno lo agradece.

Ayuda la muy buena banda sonora a cargo de los Chemical Brothers (aunque sé que apoyarse de una banda electrónica es uno de los factores que llevan a desconfiar de este tipo de cine de acción) y un puñado de buenas actuaciones. Saoirse Ronan (lo único que evitó que The lovely Bones se fuera al carajo) cumple en un género en el que uno lo menos que espera es ver una niñita rubia de ojos azules que debería estar cantando y bailando con sus compañeritas de curso en pijamapartys. No, su mirada, sus gestos, y acciones en la piel de Hanna realmente intimidan. De Cate Blanchett sabemos que esperar siempre, y lo cumple. Además que en esta oportunidad se ve bastante atractiva (lo es, pero tiene esa enferma manía por verse cada vez más fea en cada película, así que se agradece que se produzca de vez en cuando). La cosa falla con Eric Bana quien, pese a su importancia en la trama, poco aporta.

Detalles más, detalles menos, lo cierto es que Hanna funciona bastante bien, se deja ver y se disfruta. Igual hubiera resultado en pantalla gigante a la que, que cree ud., ya no llegó.

***

HANNA

Director: Joe Wright

Intérpretes: Saoirse Ronan; Cate Blanchett; Eric Bana; Olivia Williams: Jason Flemyng; Tom Hollander

Acción

2011

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la mansión siniestra

En 1981, la sureña  comunidad de Salisbury fue sacudida totalmente con la muerte del pequeño Pablito Clausen, hijo menor de una de las tantas familias evangélicas de la ciudad, devastada con el fallecimiento del niño, especialmente sus compañeros del colegio, Juan José Birchmeyer, Pércival Guidoti, Emilia Geeregat, Guillermo Geissbuller, mejor conocido como El Ojo, y Martín Martinic. Todos ellos, que compartieron muchas horas de juego junto a Pablito, y supieron de esos pequeños seres que lo visitaban noche a noche, insisten en creer que hay algo oscuro en la muerte de su amigo, así como en la vieja y antigua mansión Berkoff.

Treinta años después, Martín Martinic, alguna vez un popular actor de teleseries, ha regresado a Salisbury, y nuevamente es la muerte lo que une al grupo de amigos. Esta vez, la de Juan José Birchmeyer, su amigo de la infancia, dejando una viuda, Emilia Geeregat, la mujer que amó desde siempre.

Martinic regresa a un pueblo olvidado, infestado de ratas y donde los animales desaparecen sin rastro, alejado en el tiempo y en el espacio. Un lugar donde un manto oscuro cubre a sus habitantes  bajo las tinieblas, el miedo…y el horror de Berkoff..

 

Aclaro inmediatamente. Conozco a Francisco Ortega, he compartido con él personalmente, hemos sostenido diálogos por twitter y si nos hubieramos conocido antes, seguro seríamos muy buenos amigos. Hago esta aclaración porque sé que no va a faltar el reseñeitroll que diga que me gustó El Horror de Berkoff (Forja,2011) porque Ortega y yo somos conocidos.

Y que tanta cosa, si de hecho me gustó. Y mucho.

Tanto,que me atrevería a hablar, sin temor a las malas lenguas, que este es el año de Ortega. Es decir, cuando de dos novelas que ha publicado este año, las dos resultan sorprendentemente buenas (ya lo hizo hace un par de meses con la gráfica, 1899, ver columna), y  aún viniendo una tercera en camino, ¿qué más se puede decir?

Muy influenciado por autores como H.P. Lovecraft o Stephen King (especialmente en novelas como El Misterio de Salem’s Lot), a quienes los personajes de Berkoff hacen alusión expresa a lo largo de la novela, Ortega nos presenta una historia donde el terror es elemento principal, como pocas veces se da en nuestra literatura. Pero más allá del miedo a los fantasmas y otras criaturas de la noche, el miedo que se intenta transmitir a la novela es otro. Los fantasmas no son sólo criaturas ectoplasmáticas que salen de las casas embrujadas, y en el caso de Berkoff son apenas la fachada de un temor mayor. El miedo al pasado, a los fantasmas que se vuelven cadenas que nos atan a él y a aquellos hechos que forman parte de él y que no somos capaces de superar. Eso es lo que le sucede a Martín Martinic, a Pércival, a Emilia, en fin. Ninguno de ellos ha sido capaz de romper con esa historia, y por lo mismo ninguno ha logrado su realización personal. Todos han buscado escapar de su pasado, en vez de enfrentarlo. Y no es casualidad que sea a través de Martín, el único que pudo “alejarse” de Salisbury que se narre esta historia. No importa cuán lejos estés, tus fantasmas siempre te van a alcanzar hasta que luches con ellos. Cuando uno entiende que éste es el verdadero motivo de la novela, se da cuenta que está contemplando una obra mayor.

Francisco Ortega es miembro de una generación privilegiada dentro de las letras nacionales, que ha destacado por salirse de sus tópicos habituales, como hemos analizado anteriormente en sus colaboraciones con Ucronía Chile, junto a Jorge Baradit, Alvaro Bisama y Mike Wilson, sólo por nombrar a su entorno más próximo. Así, al menos en la literatura se está marcando una tendencia que este país en más de un tema está necesitando: caras nuevas. Conforme, puede que no sean caras tan nuevas, y que lleven años funcionando silenciosamente, pero descubrir que su obra está alcanzando niveles masivos, y todo el aire fresco que ello conlleva, reconforta.

Por eso mismo, no es para nada exagerado afirmar que El Horror de Berkoff es, por lejos, una de las mejores novelas lanzadas este 2011, sino la más. Recomendable…e imprescindible.

igual, tremendo que tu novela esté puesta junto a una de Stephen King, no?

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que pena tus mañas

Todo partió ayer con el comunicado firmado por un grupo de críticos de cine (minoritario, en todo caso) repudiando a Nicolás López por su decisión de no haber organizado una función de prensa de su película Que Pena Tu Boda. Palos iban, palos venían, y bastó que metiera la cuchara yo por tuiter para que el palo me llegara a mi.

“Para ser pasteles con menos rating que Piñera, puta que salieron llorones los críticos”

Fue así como me llegaron palos de @drmalo y @cristóbalmarín, a quienes alguna vez les tuve respeto. Lo que es no cachar nada. Tai perdido. Me dijeron.

Fíjense que, modestia aparte, de cine sé mucho, y de los géneros más diversos, con la salvedad de que yo no gano plata ni me hacen regalos por esto, más bien al revés. Y no estoy nada de perdido: ¿para que quieren que les haga una función de prensa, gratis y con agasajo, para que después igual hagan mierda la película? Y ni siquiera porque la película sea mala. Además, si fueran tan influyentes, imprescindibles como se dicen ser, ¿por qué el año pasado Que Pena Tu Vida, siendo calificada de mala, pésima, horrible, infumable como dijo el pelmazo del Polo Muñoz, llevó cien mil espectadores igual al cine?

Al único que yo conozco que aún le hace caso a los críticos es al dealer que vende en la feria de los domingos (sí, veo dvds cuneteros…y bajo cosas también. El que no tenga pecado, arroje la primera piedra, además las que más me gustan siempre termino comprándolas originales. O en bluray incluso) y para saber precisamente lo que NO debo ver.

Sé que suena contradictorio viniendo de una persona que mantiene un blog de cine. Pero no es tan así.

Cada cual puede opinar lo que quiera de una película, encontrarla buena, mala, adorarla o hacerla pebre…eso es un derecho humano. Lo terrorífico aqui es que ignoramos en qué minuto el crítico se pone fanfarrón, exige privilegios y a sentirse superior al resto.

Cuando un crítico se empieza a tomar cada película como una cuestión personal, a verse a sí mismo como una pieza fundamental en el engranaje cinematográfico, sin la cual éste se va a las pailas, a encontrar tonto al público, a sentirse dueño de la verdad y que por lo mismo merecen que se les rinde ofrendas, estamos mal.

Siempre he dicho que el gran problema del cineasta chileno, más allá de tocar siempre los mismos temas, es ser incapaz de hacer obras que conecten con el espectador. Ahora parece que, siendo tan chico el medio local, que los críticos tienen ahora ese problema.

Porque se les olvida una verdad innegable: el crítico es simplemente un nexo entre obra y espectador. Un elemento que sugiere al espectador si la obra en cuestión vale o no la pena. Alguien que le dice al hijo del vecino si serán compensadas las lucas que va a gastar en la entrada al cine, en el disco, en amazon.

Se supone que el crítico llegó a serlo porque amaba el cine, la música, el libro. Y busca transmitir ese sentimiento a otros para compartirlo.

El crítico opina. Sugiere. Nada más. En ningún caso impone, prohíbe u obliga. Cuando eso pasa, dedíquese a otra cosa.

¿Se olvidan acaso de Anton Ego? Bien podrían darle una repasada a su monólogo al final de Ratatouille, está en Youtube y lo he citado por ahí en este mismo blog.

“Pero la amarga verdad que debemos enfrentar es que una obra puede ser más significativa de lo que nuestra opinión pueda tener”

No se olviden tampoco de don Héctor Soto, quien aparte de ser un gran crítico, quizás el mejor crítico que hemos tenido jamás, que nunca fue a una función de prensa, sino que veía las películas luego de su estreno, pagando su entrada. Y tampoco era de despostar obras en forma descriteriada, ni de cobrarse favores o revanchas con directores o realizadores.

Así que, amigos críticos, vamos bajándonos un poquito del Olimpo, a ser más humildes, a disfrutar más, a exigir menos prerrogativas y a dejar de morder la mano de quien les da de comer, miren que esa nube en la que están echados, gotea.

Pero bueno, estamos en el país donde una ministro de estado califica de inhumanos a los niños Down. Donde un alcalde maneja su comuna como patrón de fundo. Donde otro amenaza con cancelar un concierto sólo para hacerse conocido. Donde un gobierno dice NO a todo y acusa a otros de intransigencia. Sólo otra de esas cosas que sólo pasan en Chile.

Y sí, claro que iré a ver Que Pena Tu Boda. Y muy posiblemente me guste.

El discurso completo de Ego, reseñado aqui:

https://lobocinepata.wordpress.com/2010/07/15/cuestion-de-ego/

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adelante, pasa no más

Principios de los 80. Un detective (Elias Koteas) visita un hospital para interrogar a un interno recién ingresado, carbonizado con ácido. Segundos después, el paciente se ha lanzado por la ventana, muriendo al golpearse contra la nieve, tras haber dejado una nota de disculpas.

Algunos días antes, un retraído adolescente llamado Owen(Kodi Smith-McPhee) vive junto a su madre en un sector obrero de Nuevo Mexico. Sobreprotegido por su progenitora, y sin amigos con quien rodearse, Owen es blanco permanente del acoso de los matones del curso e incluso del resto del colegio.

Cierta noche, mientras pasea por la nevada plaza vecina a su departamento, observa la llegada de nuevos vecinos y mira intrigado cuando el que parece ser el dueño de casa (Richard Jenkins), tapia las ventanas del departamento, en especial el baño y la cocina.

Algunas noches después, en otro de sus paseos nocturnos, conoce a una chica de su misma edad, Abby (Chloe Grace Moretz), tan pálida y solitaria como él. Abby en principio rechaza la amistad de Owen, aunque con el paso de los días lentamente va ganandose su confianza.

Por esos mismos días, la policía ha advertido a la comunidad evitar circular de noche por la ciudad, ya que anda suelto un asesino en serie que ha cobrado la vida de dos jóvenes, ex estudiantes del mismo colegio de Owen, crímenes que sucedieron casi al mismo tiempo desde la llegada al barrio de Abby, quien nunca ha sido vista a la luz del día.

Comentaba yo hace un par de años atrás, a propósito de la cinta sueca Let The Right One In (que finalmente sí llegó a cines chilenos, pero por pocos días y en pocas salas, y con un horrendo título en español -Criatura de la Noche) y me cito textual:

“Que en Hollywood hayan comprado los derechos para hacer el remake de rigor (que seguro será una bosta, hay que asumirlo) algo debe significar”

Subrayo la frase para destacar que estaba yo equivocado. Si, por regla general los remakes gringos de notables filmes de otras latitudes terminan yéndose derechito por el WC, pero Déjame Entrar es la excepción a la regla y cumple varias reivindicaciones.

Reivindica al cine estadounidense. No siempre es una máquina destructora de joyas extranjeras por unos dólares más. De 100 remakes que hacen los gringos a la gringa, que uno resulte es esperanzador. O menos frustrante al menos.

Reivindica el cine de terror y a los vampiros. Hace unos días pasé por un mall y vi unas muñecas tipo Barbie llamadas Monster High y ahí pensé: “Bela, Boris, Peter, retuérzanse en sus criptas…que con los vampiros emo y temerosos de Dios de Twilight les pareció poco?”. Luego de este filme, respiré aliviado. Los vampiros no han muerto. Y si bien se echa de menos esa tensión sexual propia del género (vamos, los protagonistas aún son niños), reconozcamos que Déjame Entrar tiene toda la sangre que ningún Cullen tendrá jamás.

Poniendo las dos películas, el original y el remake, en perspectiva, lo cierto es que la versión estadounidense, sin ser una maravilla, sale bien parada del entuerto, ya que no sólo es bastante leal y respetuosa de su matriz, sino que, para cualquier espectador que no haya visto la primera versión, ésta adaptación le va a gustar.

La mano de Matt Reeves, quien ya se había despachado la notable Cloverfield(2008) se ajusta con bastante comodidad al filme, y se nota, pues maneja los tiempos, las acciones, sin salirse del ritmo de narración, esencialmente pausado, pero poniendo el acelerador cuando tiene que hacerlo. En su punto. Con ayuda de una lograda fotografía y la música del cada vez más presente Michael Giaccino, y un puñado de buenas actuaciones, destacando los niños Kodi Smith-McPhee y Chloe Grace Moretz (la nueva Jodie Foster/Natalie Portman/Emma Watson, es decir, la nueva cabra chica con talento y no porque cante, baile y acaricie cachorritos, sino por hacer personajes muy brígidos…que, ya se olvidaron de HitGirl?). La química entre ambos púberes, aún a tan temprana edad, es total y uno les compra absolutamente.

Da gusto ver filmes así. Da gusto que estos filmes sean gringos y le tapen la boca a los pelmazos intelectualoides de siempre. Da gusto ver vampiros que se quemen con el sol, duerman durante el día, y se deformen al chupar sangre. Pero no da gusto que estos filmes no lleguen a las salas y si lo haga la última de Selena Gómez. Siempre tiene que haber un aguafiestas.

***1/4

LET ME IN

Director: Matt Reeves

Intérpretes: Kodi Smith-McPhee; Chloe Grace Moretz; Richard Jenkins; Cara Buono; Elias Koteas

Terror/Suspenso/Drama

2010

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bajo las nubes grises

Una horrible tormenta ataca a una pequeña localidad rural en el centro de Estados Unidos durante toda una noche. Al día siguiente, con la luz y teléfonos cortados, el pintor David Drayton(Thomas Jane) va con su hijo Billy (Nathan Gamble) viaja a la ciudad dejando en su casa de campo a su mujer, a fin de recolectar provisiones para una posible nueva tormenta.

Llegando al mercado, David se percata de que en la ciudad están igualmente sin electricidad, y la creciente presencia policial y militar en la zona.En el interior, los vecinos comentan la tormenta y el apagón, pero mientras ello ocurre, una densa niebla cae en la ciudad. El nerviosismo de los residentes se convierte en terror cuando un hombre entra corriendo y sangrando al supermercado, y el joven empaquetador del negocio es atrapado por un gigantesco tentáculo…

Antes que nada, esta opinión en ningún caso pretende restarle méritos a J.J. Abrams, quizás uno de los realizadores más interesantes de la actualidad. Ni tampoco desconocer su obra, especialmente su filme de este año, Super 8, el cual, como ya he reseñado anteriormente, está entre lo mejor del año. No es esa mi intención, pero si comprobar una hipótesis mía: que gran fan de Stephen King que es Abrams.

Porque tomemos los elementos principales de La Niebla, una de las grandes películas de 2007: pueblo chico, infierno grande (Super 8); grupo de personas puestas en una situación límite, donde nadie conoce muy bien a nadie y todos más bien desconfian del resto(Lost); criatura sobrenatural fuera de control, pero actuado por mero instinto (Super 8, Lost); personaje con complejo de líder espiritual(John Locke); conspiración y elementos salidos de control oficial (otra vez Super 8, otra vez Lost); rednecks y pueblerinos con menos sesos que un chicharrón(Super 8). O sea, de que estamos hablando!!

Repito, no es acusar a Abrams de nada, sólo de comprobar que lo suyo es devoción por King que J.J. luce con orgullo.

Fuera de eso, hay que decir que La Niebla es por lejos una de las mejores adaptaciones de la obra Kingniana al cine y, al igual que Sueños de Fuga (1994) y Milagros Inesperados(1999), mis otras adaptaciones favoritas, es firmada por Frank Darabont, a mi juicio, y dadas las circunstancias, el mejor adaptador de King, con perdón de De Palma y Kubrick, entre otros.

Darabont, también responsable de la serie The Walking Dead, es un artesano eficaz, cuyo mejor trabajo ha sido, precisamente, llevar a King al celuloide. No sabría explicarlo, pero algo debe haber entre ambos, algún vinculo que los una y que permite que Darabont entienda perfectamente lo que King transmite y plasmarlo en pantalla, en gran forma.

Y lo que en el caso particular de La Niebla pretende transmitir King es la sensación de enfrentar situaciones imposibles, no tanto por la monstruosidad misma involucrada, sino por conocer los niveles de monstruosidad a que puede llegar el mismo ser humano en estos escenarios. El peligro está afuera, pero uno peor puede estar adentro. En ese sentido, fundamental resulta la interpretación de la siempre notable Marcia Gay Hayden en el rol de la religiosa-hasta-lo-enfermizo-enfermante señora Carmody.

Película atrapante, por donde se le mire, como todo lo que sale de la combinación King-Darabont. Lástima que la edición en dvd zona 4 sea tan miserable. En fin, hay por ahi una en dos dvd y no hace mucho apareció en bluray, en edición doble incluyendo la versión en blanco y negro del film. Justicia divina.

***1/2

THE MIST

Director: Frank Darabont

Interpretes: Thomas Jane; Toby Jones: Marcia Gay Hayden; Laurie Holden; Nathan Gamble; William Sandler.

Terror

2007

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