oportuna y necesaria

Durante la década de los ’60, la conquista del espacio fue un objetivo crucial para los Estados Unidos, frente a los avances alcanzados por la entonces Unión Soviética. La persecución de dicho objetivo, movilizó a toda una nación, esfuerzos canalizados a través de la Nasa, que ejerció una labor que trascendió géneros, razas y estratos sociales.

Dentro de este grupo de profesionales y especialistas, destacaron tres mujeres, las matemáticas Katherine Goble-Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Moane), quienes sobreponiéndose a las barreras de la segregación se convirtieron en un aporte fundamental en la carrera espacial…

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En tres días más se entregan los premios Oscar y no creo que alcance a ver las tres que me faltan, pero seis de nueve nominadas no me parece una mala cantidad. Son más de la mitad definitivamente y todo lo que he visto hasta ahora ha valido la pena.

Ahora bien, antes de cualquier otro comentario, hay que aclarar algo. Por sobre todo, Talentos Ocultos es, dada la situación actual, una película necesaria.

En un tiempo en que la lucha por la igualdad de género se ha vuelto más intensa que nunca. En un tiempo en que el país más poderoso del mundo está encabezado por un maniático descerebrado cuya bandera de lucha es hacer a su país grande otra vez espantando a los invasores que lo han echado a perder y que solo lo quieren destruir, esta cinta no puede ser más oportuna.

Basada en la historia real de las matemáticas afroamericanas que, silenciosamente, pero al mismo tiempo, firmes en sus convicciones fueron parte fundamental en el desarrollo de la investigación espacial, conquistando, en plena época de la segregación, un lugar en la historia de la ciencia mundial, aun cuando por años se les mantuvo en reserva (y basada también en la novela de no ficción del mismo nombre, escrito por Margot Lee Shetterly), Talentos Ocultos es oportuna toda vez que reivindica a tres profesionales que, altamente calificadas, tuvieron dos desventajas: ser mujer (en un entorno especialmente misógino) y ser afroamericana, en una época en que el principio imperante era el de “separados..pero iguales”.

Fueron varias, pero el relato se enfoca en aquellas que hicieron el trabajo mas visible: Katherine Goble-Johnson, Dorothy Vaughan y Mary Jackson.

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No deja de ser un mérito. Aunque, en honor a la verdad, no sé si eso sea motivo para nominarla como mejor película. No me malentiendan, me parece una gran película, pero como para quedar entre las mejores, las imprescindibles del año…

Es mas, me atrevo a aventurar que si la Academia hubiese seguido mantenido cinco cupos para Mejor Pelicula y no nueve, como hacia antes, difícilmente Talentos Ocultos estaría en dicha lista.

Sospechoso que aparezca un filme como este nominado a Mejor Pelicula, justo un año después de la polémica del #OscarSoWhite. Aquí es donde uno tiene sus suspicacias: la Academia ¿esta nominando una película, o quiere limpiar su imagen pública?

Estas suspicacias ciertamente no son culpa de la película, sino de la Academia y la perjudican bastante, pues como dije antes, Talentos Ocultos, hablando en términos estrictamente fílmicos, es una cinta notable, partiendo por el buen trabajo del director Theodore Melfi. Considerando la naturaleza de la historia (hechos reales + lucha contra la discriminación y segregación) la película daba para un festival de la cebolla picada fina y de la l´agrima fácil e inevitable. Melfi opta por un relato mas optimista, menos lloroso y no por eso menos emotivo. El relato es ameno, atractivo y se pasa volando.

Todo ello sobre un reparto sólidamente constituido, donde el trio principal (Henson, Spencer y Moane) arma una base firme e inamovible sobre la cual se desenvuelve la narración, asistidas por un muy buen elenco de secundarios encabezado por Kevin Costner, impecable como suele estarlo, una Kirsten Dunst a quien se le nota lo bien que le hizo ser parte de True Detective y un Jim Parsons fuera del elemento Big Bang Theory (aunque con un papel que bien podría considerarse el primo serio de Sheldon Cooper), en escenarios fieles a la época que pretenden retratar y un muy buen diseño de producción.

Talentos Ocultos es una película oportuna, necesaria, pero por sobre todo, una buena película. De aquellas que vale la pena darle nuestro valioso tiempo. Tiempo que pasa rápido, nos entusiasma, nos deja un grato sabor de boca y al final, nos deja con la frente en alto.

***1/2

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HIDDEN FIGURES

Director: Theodore Melfi

Interpretes: Taraji P. Henson; Octavia Spencer; Janelle Moane; Kevin Costner; Kirsten Dunst; Jim Parsons; Mahersala Ali; Glen Powell

Drama/Biografico

2016

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recuerdos de noches de verano

No recuerdo si antes de su show del próximo jueves en Viña del Mar, Olivia Newton-John haya estado en Chile antes, lo que hace que su aparición en el festival sea un hito y se alce, de plano, como el punto más alto de la edición 2017 del evento que marca el fin de las vacaciones de verano en Chile.

Cercana a las siete décadas de vida y al menos cuatro de ellas dedicadas al show-bussiness (siendo su peak durante fines de los ’70 y parte del siguiente decenio) el primer gran hito en la carrera de la cantante, actriz y showwoman australiana tuvo lugar en 1978, al protagonizar, junto a John Travolta, la adaptación cinematográfica del musical Grease, y que tuvimos ocasión de repasar el fin de semana.

Estrenada originalmente en 1969, en Broadway, la película narra un año de clases en el Rydell High, una secundaria de California, teniendo como eje la relación entre Danny Zuko (Travolta) y Sandy Olson (Newton-John). Ellos protagonizaron un romance de verano, el cual queda como un grato recuerdo, ya que Sandy debe volver a Australia junto a su familia, una vez terminado ese verano de 1959.

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Pero la familia de Sandy resuelve quedarse en EEUU y ella va al Rydell, donde a través de su amiga Frenchy (Didi Conn) se integra al grupo de las Pink Ladies, encabezada por una de las chicas rebeldes del colegio, Rizzo (Stockard Channing), y no tarda en contarles lo ocurrido con Danny durante las vacaciones.

A través de ellas conoce a la pandilla de los T-Birds, encabezada por Danny, quien ha contado también a sus amigos su romance con Sandy, aunque una versión un tanto exagerada de los hechos. Para mantener su versión, Danny se muestra totalmente indiferente ante Sandy, quien se retira muy ofendida de la reunión.

Serán los encuentros y desencuentros entre ellos la columna vertebral de la historia, sazonada con una serie de eventos que acontecen a sus amigos más cercanos, romances, situaciones graciosas, canciones y hasta una carrera de cuarto de milla.

Aunque Grease ya tenía su popularidad en el seno de los musicales, lo cierto es que la película, dirigida por Randal Kleiser, y que incorporó canciones y música nueva a cargo de los Bee Gees (de hecho, el soundtrack fue publicado por Rso, la compañía de discos fundada por los hermanos Gibb) la convirtió en un clásico, en un objeto de culto y un fenómeno de taquilla que catapultó al estrellato a sus protagonistas (pero para entonces Travolta ya gozaba cierta influencia en el medio, al punto de decir que si no conseguían a Olivia N-J para el rol de Sandy, el no haría la película).

Es bastante lógico si lo pensamos bien, después de todo el cine tiene un alcance mucho mayor, más masivo que el de los meros teatros. Pero fuera de eso ¿Qué hizo que una obra musical, una de tantas, inspirada en una época que ya para mediados de los ’70 era como hablar de la prehistoria? (vamos, entre 1959 y 1975 el mundo cambió mucho y demasiado rápido) ¿Por qué a casi cuatro décadas de su estreno sigue cultivando fanáticos, si no es más que una simple historia de amor entre adolescentes?

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Pongámonos en perspectiva. Sé que más de alguien va a saltar hasta el techo con esto que voy a decir, pero las razones de su éxito no son muy distintas de lo que pasó pocos meses antes con otro hito de la cultura pop: Star Wars.

¡En serio! Sé que estética, narrativa y todo-lo-que-quieran-mente son relatos radicalmente distintos pero tanto Grease como Star Wars tienen dos cosas en común. Primero, son ejemplos de cine propiamente industrial, totales y absolutos blockbusters, armados con el vuelto del pan. Segundo, y aquí está la clave, se trata de historias luminosas en épocas oscuras.

Recordemos que el mundo en los ’70 era una olla a punto de colapsar. Guerras civiles, golpes de estado, crisis económicas. EEUU no era la excepción: venia del gran fracaso de su historia, la guerra de Vietnam, de perder a un presidente (John Kennedy), de perder a dos hombres valiosos (Robert Kennedy, Martin Luther King) y de un caso Watergate que le costaba el puesto a un presidente. Y el pueblo estadounidense necesitaba reencontrar la luz. En este escenario, no hay que darle muchas vueltas al tema: una historia de caballerías adaptada a la era espacial, y un musical basado en la última época en que los EEUU pudieron decir que tenían motivos para sonreír (eso fue antes del 22 de noviembre de 1963, hecho que para muchos dejo huérfana a una nación) venían al pelo para los tiempos que corrían.

El público necesitaba volver a sonreír, a mirar con la frente en alto, y películas como Grease contribuyeron enormemente a ello.

Y no solo Estados Unidos. Aquí en Chile, durante los ’80 Grease se reestrenaba en salas al menos una vez al año hasta mediados de la década. Eso era antes del video y del cable, claro, que vinieron a saciar la necesidad de volver a ver ciertas cosas, y si las distribuidoras veían con buenos ojos la reposición de películas como esta es porque había un público no menor como para justificar la decisión, lo mismo cuando en los veranos Canal 13 la exhibía religiosamente, en dos tandas de una hora…incluso a veinte años de su estreno, cuando fue repuesta en salas chilenas brevemente, en versión remasterizada, a propósito de sus dos décadas (y sus constantes reediciones, lanzamientos en distintos formatos y reestrenos ocasionales).

Fenómeno de la cultura de masas (en algún lugar del mundo, al menos una vez al año sus canciones son coreografiadas en actividades escolares), Grease es una obra que merece ser apreciada más allá de la simpleza o superficialidad que su condición de comedia musical pudiera dar a entender. Es una inyección de energía y buen ánimo que se queda y no se va. No se ha ido en cuatro décadas, menos se va a ir de un día para otro.

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GREASE

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Director: Randal Kleiser

Interpretes: John Travolta; Olivia Newton-John; Stockard Channing; Jeff Conaway

Musical

1978

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Primera Viuda

Algunas semanas después de haber dejado la Casa Blanca, la ex Primera Dama de EEUU, Jacqueline “Jackie” Kennedy (Natalie Portman), recibe la visita del periodista Theodore White (Billy Crudup).

Jackie ha accedido a ser entrevistada para dar a conocer al público lo que vivió tras el asesinato de su marido, el Presidente John Fiztgerald Kennedy (Caspar Philipson) y lo que vino después, en sus distintos roles de esposa, madre y Primera Dama..

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A lo largo de su carrera, Pablo Larraín ya ha tenido experiencia con hechos de connotación pública. Ha registrado la génesis de un proceso que derivó en el cambio de un régimen político (No), la suerte de universo paralelo en la que han terminado un puñado de sacerdotes retirados de la vida pública luego de imputársele distintos ilícitos (El Club) y la vida en la clandestinidad de uno de nuestros principales iconos literarios (Neruda). Por eso, no es de extrañar que en su primera incursión en el cine estadounidense lo haga con un hecho de relevancia para este país.

Y no un hecho cualquiera. Muchos dicen que Estados Unidos quedó huérfano tras el asesinato, en 1963, del John F. Kennedy, y que junto al fracaso norteamericano en Vietnam son dos hechos que, según muchos norteamericanos, mandaron al país al carajo, en una caída libre que se mantiene hasta hoy.

Es un hecho del que se ha escrito y se seguirá escribiendo, así que ¿Cuál es la novedad? En que Larraín enfoca el hecho desde la perspectiva de una afectada directa por sus consecuencias: la viuda de Kennedy, Jackie, cuya existencia luego del crimen de su marido también sufrió las consecuencias aunque para muchos documentales, películas biográficas y de espionaje y documentos varios no le den importancia.

Pero vaya que si la tuvo. No en vano estamos hablando de una mujer que llegó a brillar tanto o más que su marido, uno de los presidentes más carismáticos y queridos que ha tenido el país del norte. Jackie no se quedaba atrás en carisma e influencia, llegando a ser un símbolo desde la liberación femenina hasta de la moda.

La muerte de su marido la afectó desde más de un prisma. No sólo como esposa y madre de su propia familia, sino además como figura de autoridad, de poder e influencia, un personaje sobre el cual todas las miradas del mundo estarán puestas para lo que sea que haga o deje de hacer. Cosa que hace que su tragedia personal se vuelva aun más dolorosa. Devastadora, haciéndola cargar una cruz que sabe que debe cargar, pero que ignoraba que iba a resultar tan pesada. Tratando de mantener una imagen de fortaleza que, por razones obvias, en estas circunstancias no se tiene. Y sin afectar la cercania que la propia Jackie quiso cultivar con su pueblo mientras estuvo en la Casa Blanca.

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Larraín es inteligente al plantear la historia sobre la base de raccontos, de flashbacks, pues permite a su narradora procesar mejor los hechos, su historia, admitir sus errores, ser capaz de detectar sus aciertos, sin la confusión que suele traer el vivir las cosas en caliente, sino con la cabeza y la sangre muy frías.

Es una película de ritmo lento, ciertamente (y me parece lógico, si aquí no están ni la presión por armar una campaña electoral a base del ingenio, ni las viscisitudes de un poeta que debe pasar a la clandestinidad enfrentado a su propio ego y hedonismo), sino las reflexiones de una mujer que debio vivir, desde una plataforma demasiado alta, para la cual no estaba preparada, manifiestamente incomoda con un proceso por el que hubiera cambiado todo por vivirlo de otra forma: vivir su duelo en la intimidad, no con todos los ojos del mundo sobre ella, sin tanta gente, sin un guardaespaldas que le revise hasta el sombrero que lleva puesto y, ciertamente, sin la preocupación de tener que entregar pronto su casa, su hogar a otro tipo con el que no tiene m´as relación que la que la constitución le asigna.

Ahora, que sea un filme de ritmo pausado no la hace necesariamente durar una eternidad. Por el contrario, la película se pasa volando, lo que nos habla muy bien de la calidad de Larrain como narrador.

Para que Larrain pueda contar su cuento como quiere tiene una muy buena aliada. Natalie Portman encarna a Jackie sabiendo lo que su director y la película esperan de ella. Y lo da. Su compenetración en el papel es evidente, su transformación en la ex primera dama estadounidense es total y tiene la fortaleza necesaria para echarse la película sobre sus hombros, fortaleza que, paradojalmente, su personaje hubiese querido para soportar tantas cosas que le pasaron en tan pocos días.

La actuación de Natalie, que levanta los meritos ya altos de esta película, le pone color a una de las carreras por el Oscar a la Mejor Actriz que esta apasionante. Es cierto el favoritismo de Emma Stone por La La Land, pero además en la misma quina esta Natalie, la francesa Isabelle Huppert (Elle), y las ya habituales Meryl Streep y Viola Davis. Como pocas veces, gane quien gane, sabemos que el premio queda en buenas manos.

***1/2

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JACKIE

Director: Pablo Larrain

Interpretes: Natalie Portman: Peter Sarsgaard; Billy Crudup; John Hurt; Caspar Philipson; Greta Gerwig; John Carrol Lynch

Drama biografico

2016

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el guerrero pacifico

Desde su más temprana infancia en un pueblito en las afueras de Virginia, el joven Desmond Doss (Andrew Garfield) ha sentido la necesidad de ayudar al prójimo.

Seguidor del movimiento adventista, Desmond ha estudiado por su cuenta todo lo que puede de medicina, anatomía, primeros auxilios y enfermería, y pasa sus días como voluntario en un hospital local, donde ve muy de cerca los efectos que la Segunda Guerra Mundial ha provocado en muchos vecinos suyos recién retornados del frente. Por esa razón, decide enlistarse y servir en el campo de batalla como médico.

Sin embargo, el camino no será fácil. Sus firmes convicciones éticas y religiosas le traerán más de un conflicto con sus superiores y su ruta hacia el campo de batalla será más dura para Desmond que para cualquier otro soldado…

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Estamos pasando por una época privilegiada. De todas las películas nominadas este año al Oscar como mejor ídem que he alcanzado a ver (cinco de nueve) todas en mayor o menor medida, tienen sus méritos para ser incluidas en dicha nómina y, de no ser por el amplio favoritismo que acompaña a La La Land, estaríamos ante una de las carreras por la estatuilla dorada más peleadas en mucho tiempo.

Hasta El Último Hombre (Hacksaw Ridge) no es la excepción, y aunque no gane finalmente, lo cierto es que tiene un gran punto a su favor, al devolvernos al viejo Mel Gibson.

Ese Mel Gibson que fue el rostro de personajes legendarios como Max Rockatansky, Martin Riggs y William Wallace, responsable de obras como Corazón Valiente o Apocalypto (no cuento La Pasión de Cristo, a la larga una estrategia de marketing disfrazada de experimento cinematográfico)  pero que de un día para otro empezó a hacer noticia por escándalos como borracheras, peleas de bar, comentarios racistas, y películas que valía más tirar al WC que verlas.

¿Lo perdimos? Más bien él se perdió, y al resto nos causó sensaciones nada agradables

Pero no hay mal que dure cien años, y el viejo Mel se rehabilita con este filme biográfico, basado en la historia del soldado Desmond Doss, quien en 1945 entró a la historia cuando participó en la Batalla de Okinawa, en Japón, no obstante profesar la fe adventista y declararse objetor de consciencia. En dicha campaña, en la que intervino como m´edico de campaña, rescat´o a 75 compañeros heridos en guerra, asegur´andose de poner a buen recaudo mientras llegaban los refuerzos, hazaña que a la larga ser´ia clave para la conquista estadounidense de este acantilado.

Como buena cinta biogr´afica (y de un héroe de guerra norteamericano adem´as), ciertamente nos encontramos con elementos propios de ellas que podrían molestar a m´as de uno. Aquí es donde nos damos cuenta lo talentoso que es Gibson, porque donde otro pudo haber convertido la historia en un pantano de lugares comunes pasado a tufillo chovinista sobre lo grandioso que es ser americano (si, Michael Bay, a ti y a Pearl Harbour les hablo), nos presenta una emotiva, que nos permite conocer a nuestro héroe y entender sus motivaciones, convicciones y creencias.

Hasta tomar partido por el y celebrar sus victorias.

Gibson es lo bastante hábil para hacer una historia empática, atractiva y comprensible, por un lado, pero sin irse al carajo cuando el registro cambia completamente. Este cambio es paulatino. La película se toma su tiempo para presentarnos al personaje, el cambio que le significa dejar una vida tranquila y sin riesgos para enrolarse, el entrenamiento militar (y el hostigamiento que sufre a causa de sus creencias) y el encontrarse finalmente en el campo de batalla.

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Todos son momentos de distinta connotación, de distinto ritmo y Gibson tiene la capacidad de dar a cada una de estas instancias, la intensidad, el timing, que corresponde. La película llega a su climax (y que muy bien construida esta ese ultimo tercio de película, hace rato que no veía una secuencia de la Segunda Guerra Mundial tan buena como esta) y nosotros como espectadores hemos tenido la oportunidad de llegar bien preparados a ello, acierto del buen manejo de Gibson.

Apoyado en la soberbia actuación de Andrew Garfield. Lo que son las cosas, mientras su personaje se echa al hombro a sus compañeros malheridos, Garfield se echa al hombro la película, logrando uno de sus trabajos mas grandes en su corta, pero ascendente carrera (ya lo veremos luego en Silence, de la mano del tio Scorsese), convirtiéndose, junto a Casey Affleck, en el mayor escollo que deberá sortear Ryan Gosling si quiere irse con un Oscar como Mejor Actor.

Nominada a mejor película, director y actor (amen de otras categorías técnicas) y lo cierto es que no corre con favoritismo. Bien difícil que consiga alguno de los premios clave, pero da lo mismo. Podemos atribuirle a Desmond Doss otra hazaña: sacar a Mel Gibson del pantano y devolvernos al talentoso realizador que es.

***1/2

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HACKSAW RIDGE

Director: Mel Gibson

Interpretes: Andrew Garfield; Hugo Weaving; Rachel Griffiths; Teresa Palmer; Vince Vaughn; Sam Worthington

2016

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el caballero de la noche sonríe

Otra noche más en Gotham City. Otro plan para destruir la ciudad orquestado por el Joker ha sido saboteado por Batman. Otra vez la ciudad celebra a su salvador, quien luego de disfrutar la aclamación popular, retoma su identidad de Bruce Wayne, y vuelve a su rutina normal de aislarse del mundo y rechazar todo tipo de contacto con los demás.

A la noche siguiente, en plena ceremonia de asunción de funciones de la nueva comisionado de policía Barbara Gordon, a la cual Bruce Wayne asiste a regañadientes, el Joker y su pandilla de criminales irrumpe, activando su plan supremo del cual Batman, sin saberlo, será parte fundamental…

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Quien lo diría. En una semana altamente convulsionada para el proyecto de universo fílmico de DC/Warner (incluyendo la rumorada salida de Ben Affleck que sería el principio del fin para el plan) llega a nuestras pantallas The Lego Batman Movie, la nueva colaboración entre la popular marca de juguetes armables y el referido estudio. Es decir, ya habían estrenado otras colaboraciones antes (videojuegos, series y películas animadas para formato casero) pero esta es la primera con forma de largometraje cinematográfico propiamente tal.

Antes de seguir, si usted piensa que esta película es un comercial alargado de la popular línea de piezas para armar, y por lo tanto una estupidez perder el tiempo en ella, siga de largo, a mi me parece una estupidez hacer una columna para gente equivocada y amargada como usted.

En primera, porque Lego se ha ganado, con justicia, una popularidad y un cariño por el público tan grandes que mayor publicidad no necesita. Uno dice Lego y entiende clarito de lo que se está tratando de decir, sea que estemos en Santiago, Nueva York o el desierto del Kalahari. En segunda, porque por muy simple que sea su premisa, de estúpida no tiene nada.

Lego Batman Movie conjuga una serie de factores que la convierten en una cinta que se disfruta sin parar, de principio a fin. Partiendo por situar la historia en un contexto insólito (una ciudad, más bien un universo construidos a partir de bloques y piezas armables, cuyos habitantes tienen plena consciencia de ello), escenario ideal para que tengan lugar en él situaciones absurdas, embarazosas, malos entendidos, alusiones a otras películas incluso a las que nada tienen que ver con Batman y bromas varias…pero no pegados a tontas y a locas, sino que en el marco de una historia que, por burda que sea su premisa (y ni tanto, al final los que conocemos a Batman sabemos bien que sus villanos actúan empujados ante todo por la necesidad de reconocimiento) su desarrollo no tiene por qué ser necesariamente un disparate.

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Todos los chistes, desde los obvios hasta los más tácitos, no se comen a la historia principal. Los árboles si han dejado ver el bosque.

Y ese es otro punto que destacar. Aunque es una evidente y total comedia, lo cierto es que es bastante respetuosa del mito batmaniano en general. Cierto que, en función de la comedia, se salta algunas bases fundamentales del personaje, pero lo que uno está viendo en pantalla está tan divertidamente bien hecho que se nos olvida. Además, juega con dos tópicos que sustentan el universo de Batman desde sus cimientos: la necesidad de reconocimiento de sus enemigos, por un lado, y el único miedo verdadero de Batman, el que lo hace ser el personaje huraño y esquivo que es, tema que salvo honrosas excepciones (The Animated Series, la trilogía de Christopher Nolan) ha sido evitado.

Bueno, esta comedia llena de referencias a la cultura pop, situaciones absurdas y pretensiones ciertamente más modestas, si se atreve a meterse en ese asunto. Hasta se da el tiempo para hacer evolucionar a sus personajes. Avanzar, madurar, mejorar, como quieran decirle. Y lo hace tan bien, que es la película basada en personajes de la DC Comics que más se ha disfrutado en mucho rato, poniendo en vergüenza y en un real aprieto a los cerebros tras el plan del universo fílmico de DC.

A ellos los pone en aprietos, pero a nosotros, llámese público en general o fans no talibanes (de esos que encuentran mala una adaptación porque la talla del zapato de Batman no es la que usa en el cómic) nos hace pasar un buen rato y nos llama a la calma el ver que aún hay gente con alma, corazón y sesos en DC/Warner.

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Véala. No se arrepentirá (y si la ve subtitulada, mejor)

***1/2

THE LEGO BATMAN MOVIE

Director: Chris McKay

Voces en ingles de: Will Arnett; Michael Cera; Rosario Dawson; Ralph Fiennes; Zach Gallifiniakis; Janey Slate; Zoe Kravitz; Hector Elizondo; Eddie Izzard; Jemaine Clement; Seth Green; Mariah Carey; Jonah Hill; Channing Tatum; Billy Dee Williams

Animación

2017

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cuando ya no te puede ir peor

Empujado por la necesidad de ponerse al día las pensiones que le debe a sus hijos y de no perder las tierras de la familia, ricas en petróleo, el tejano Toby Howard (Chris Pine) se asocia con su hermano Tanner (Ben Foster), recién salido de la cárcel y sin un centavo en los bolsillos, para cometer una serie de robos a los bancos de los pueblos cercanos.

Y aunque se trata de robos menores y no muy violentos, el hecho de que sean tantos y tan seguidos llama la atención de la policía local, especialmente del sheriff Marcus Hamilton (Jeff Bridges) quien en sus últimas semanas antes de jubilarse, no quiere dejar este caso, el que podría ser su último, sin resolver…

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Tengo que admitirlo. Dentro de las películas nominadas al Oscar como la mejor del año, las que he visto hasta ahora tienen todas, cual más, cual menos, méritos suficientes para adjudicarse la estatuilla. Y la recientemente estrenada Nada Que Perder (Hell or High Water) no es la excepción.

Estamos ante una inteligente reinvención del género del western, dado que la historia reúne muchos conceptos de la especialidad. Esta historia bien pudo haber sido dirigida por un John Ford, o un Sergio Leone, y con John Wayne en el rol del sheriff perseguidor. Bueno, eso que se pudo haber filmado a mediados de los ’50 y con todos los elementos estéticos y formales del género, transcurre hoy, en 2017, y en vez de andar a caballo, los personajes andan en auto.

Es una reconstrucción de un género fundamental del cine estadounidense que se celebra, pero más allá de la buena vestimenta, en el fondo estamos ante una historia que explora en lo más profundo a sus personajes. Y si pudiéramos definir este filme de alguna manera, es como un filme de matices.

 

Ninguno de nuestros personajes puede caer tajante y categóricamente en la categoría de bueno o malo. Es cierto, tenemos a dos asaltabancos, uno de ellos lo hace empujado por las circunstancias (o junta el dinero o puede irse despidiendo de su familia con la que ya mantiene una frágil relación, y de sus tierras, que podrían ser su última salvación de una situación que lo tiene con el agua al cuello como bien dice el título del filme) y el otro por el hecho de haber tocado fondo, de no tener nada que perder (pero que es lo suficientemente consciente de su entorno, razón por la que termina ayudando a su hermano), motivado por la ansiedad por dar al sistema bancario que tiene a su familia en una situación desesperada un duro golpe, en sus propios términos.

Su conducta es reprochable, pero tenemos antecedentes que nos permiten tratar de entenderlos. Hablamos de personajes que ya no tendrán una segunda oportunidad en la vida, pero que quieren asegurar que los que vengan después si la tengan.

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Pero no son ningunos héroes, así como su perseguidor, impecablemente construido por Jeff Bridges como uno de los grandes secundarios de la temporada, no es precisamente un villano. Es un hombre que fue criado y formado para hacer lo correcto, y es en esa postura en la que quiere morir incluso, si fuera necesario, todo con tal de hacer más llevadero lo que vendrá después: la idea de pasarse el resto de su vida en una mecedora mirando el antejardín de su casa lo desconcierta.

Hamitlon tiene una visión evidentemente contrapuesta, con la de los hermanos protagonistas, pero también igualmente comprensibles.

Llego a creer que si los tres personajes no estuvieren en lados opuestos de la ley, hasta podrían colaborar entre sí y hasta ser amigos. Pero no, se trata de personalidades fuertes, con convicciones y metas claras, que se enfrentan entre sí. Y éste conflicto, más allá de la mera persecución policial, es el verdadero núcleo de la historia que tenemos entre manos y que es una de las muy buenas historias del último tiempo.

Cierto, es una historia que en mayor o menor medida duele ver, pero por Dios que vale la pena.

Hell or High Water tiene una pista bien complicada por delante. Corre por mejor película y guión original, mismas categorías que La La Land, que va con demasiada ventaja. De repente puede dar la sorpresa, y si no, no nos debería doler tanto (pensemos cuantas obras cumbres del cine han pasado sin pena ni gloria por la Academia). Aunque si Jeff Bridges no se queda con el Oscar a Mejor Actor Secundario, enciendan los lanzallamas.

***1/2

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HELL OR HIGH WATER

Director: David Mackenzie

Intérpretes: Chris Pine; Ben Foster; Jeff Bridges; Gil Birmingham

Western/Policial/Drama

2016

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Batman tiene director

Y finalmente..Matt Reeves (Cloverfield, Planeta de los Simios:Confrontacion) asumira la direccion de The Batman tras la salida de Ben Affleck..siendo el que mas sonaba desde el principio y recomendado por el propio Affleck…

No es mi director ideal..por mi, Batman debe ser dirigido por Michael Mann, David Fincher o George Miller..claro, eso si Batman no estuviese inmerso en el mundo de las franquicias y no se tuviera que regir por esas normas. Pero como si lo esta…la opcion de Reeves no me parece mal. No es que le de todas mis fichas..pero le doy el beneficio de la duda.

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No la va a tener fácil. Como decíamos en una columna anterior, el escenario de DC Films no es el más auspicioso (a la reescritura del guión de Flash, hay que sumar ahora la del guión de Batman), pero Reeves tiene el oficio para sacar adelante la tarea. Quizás no un sello, no un estilo propio, pero oficio tiene.

Y yo sigo creyendo en Ben Affleck.

Además, peor que lo hecho por Joel Schumacher imposible.

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