más que una moda desechable

Es oficial. Esta mañana, después de varias oportunidades en que fueron postulados, se confirmó la incorporación de Depeche Mode al Rock’n Roll Hall Of Fame, encabezando junto a Nine Inch Nails la lista de incorporados para esta edición.

Nominados repetidamente los últimos años, el prestigio de ser incorporados a esta instancia es de todas maneras una gran noticia. Siendo una de las bandas insignia de la música pop inglesa de las últimas décadas, la incorporación de Depeche Mode al Salón de la Fama es un justo reconocimiento a una carrera de más de cuatro décadas de estar en la cresta de la ola.

¿Qué?¿Qué Depeche Mode no debería estar ahí?’¿Qué no es rock, sino sólo unos tipos que aprietan perillitas? ¿Por qué ellos usurpan en lugar que le han negado a tal o cual durante años?

Okey…vamos por partes.

Es cierto, durante su primera etapa (1980-1987) Depeche Mode fue uno de los baluartes del pop electrónico o synth-pop que tuvo su esplendor en aquellos años, junto a Yazoo, Erasure, Gary Numan, Devo, en fin.  Sin embargo, a partir del fundamental álbum Violator (que cumple 30 años en marzo, algo prepararemos para la ocasión), la relación entre la banda de Dave Gahan, Martin L. Gore Andrew Fletcher y, hasta 1993, Alan Wilder, con las guitarras se fue haciendo cada vez más cercana, y desde Song Of Faith And Devotion, el giro ya era definitivo, logrando una inédita fusión entre el rock más enérgico, y lo electrónico que definió el sonido por el resto de su carrera.

Además, pensemos en  bandas posteriores que reconocen como Depeche Mode a sus grandes influencias: Deftones, Korn, Nine Inch Nails, Marylin Manson, Smashing Pumpkins, The Killers, en fin.

Y que estén ocupando un puesto que, según otros fandoms, correspondería de justicia a otras bandas, bueno, no es culpa de Depeche Mode, sino de quienes votan para seleccionar a las nuevas incorporaciones. Ignoro la metodología, o quienes lo hacen y bajo qué reglas, pero si quieres que tu banda favorita esté en esta galería de selectos, reclámales a ellos.

Cuarenta años de carrera de una banda que, no obstante la salida de Wilder a mediados de los ’90, y ocasionales incursiones en solitario de sus integrantes, y uno que otro receso prolongado, en ningún momento ha mostrado atisbos de separarse.

Larga y victoriosa vida de esta moda desechable. Que fue mucho más que moda, y de desechable nada.

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OSCAR: Nominaciones y especulaciones

La siguiente columna está dedicada a don Leonel Ponce Rojas, un buen amigo y compañero de grandes conversaciones cinéfilas y de cultura pop, con quien más de una oportunidad compartimos grandes momentos, y que, inesperadamente, nos ha dejado esta semana. Gracias por tantos buenos momentos, querido Leo, gracias por la marca que dejaste en quienes te rodearon, y nunca te olvidaremos.

Bueno, llegó la hora de la verdad. Se acaban de publicar las nominaciones al Oscar, y hay que decirlo, varias de las categorías están duras. Decíamos tiempo atrás que el 2019 fue un año sorprendentemente bueno a nivel industrial, y en esta selección se nota. Sin más preámbulos, vamos con las candidaturas principales:

-MEJOR PELÍCULA

El Irlandés

Había Una Vez En Hollywood

JoJo Rabbit

Joker

Mujercitas

Marriage Story

1917

Ford vs Ferrari

Parásitos

Salvo por 1917, Mujercitas y JoJo Rabbit, que aún no veo, todas las demás están con justicia en esta nómina. La pelea principal está entre Había Una Vez.., El Irlandés y 1917, que entró al filo, pero con power.

-MEJOR DIRECTOR

Martin Scorsese (El Irlandés)

Todd Philips (Joker)

Quentin Tarantino (Había Una vez en Hollywood)

Bong Joon  Ho (Parásitos)

Sam Mendes (1917)

Este es uno de los grupos de la muerte. Todos tienen enormes posibilidades de irse con el premio, incluso Todd Philips, el que en el papel se ve como el rival más débil, puede dar el golpe.

-MEJOR ACTRIZ

Cynthia Ervo (Harriet)

Scarlett Johansson (Marriage Story)

Saoirse Ronan (Mujercitas)

Charlize Theron (Bombshell)

Renee Zelwegger (Judy)

La ventaja hasta ahora es para Renee Zelwegger, ya lleva dos premios por Judy.

-MEJOR ACTOR

Antonio Banderas (Dolor y Gloria)

Joaquim Phoenix (Joker)

Adam Driver (Marriage Story)

Jonathan Pryce (Los Dos Papas)

Leonardo Di Caprio (Había Una Vez..)

Mismo caso anterior, la ventaja es para Joaquim Phoenix, dos premios lleva ya por Joker.

-GUION ORIGINAL

Knives Out

Marriage Story

1917

Había Una Vez En Hollywood

Parásitos

Idem, con dos premios a su haber ya, Tarantino y su Había Una Vez… lleva la ventaja.

-GUION ADAPTADO

El Irlandés

Jojo Rabbit

Joker

Mujercitas

Los Dos Papas

El Irlandés tiene un leve favoritismo aquí.

-CANCION ORIGINAL

I Can´t Let You Throw Yourself Away (Toy Story 4)

I’m Gonna Love Me Again (Rocketman)

I’m Standing With You (Breaktrough)

Into The Unknown (Frozen II)

Stand Up (Harriet)

Hasta ahora es la de Rocketman la que se ha repetido, pero en una de esas Into The Unknown hace la gracia.

-PELICULA ANIMADA

Como Entrenar A Tu Dragón 3

I Lost My Body

Klaus

Missing Link

Toy Story 4.

Históricamente, Pixar se ha adjudicado más veces este premio en años recientes, por lo que el favoritismo es para Toy Story 4…a menos que Missing Link la haga de nuevo.

-MAQUILLAJE Y PEINADO

Bombshell

Joker

Judy

Maléfica 2

1917

-EFECTOS VISUALES

Avengers: Endgame

El Irlandés

El Rey León

1917

Star Wars: El Ascenso de Skywalker

1917 tiene la ventaja en el papel, al ser de época, pero Avengers; Endgame se adjudicó el Critics Choice, sorprendentemente, en esta categoría.

-CINEMATOGRAFÍA

El Irlandés

Joker

The Lighthouse (al fin, se acordaron de ella!!)

1917

Había Una Vez En Hollywood

Dos palabras: Roger Deakins. O sea, 1917. Aunque The Lighthouse tiene lo suyo.

-EDICION

Ford vs Ferrari

El Irlandés

JoJo Rabbit

Joker

Parásitos

Me gustó como quedó Ford vs Ferrari. Voy por ella en esta.

-DISEÑO DE PRODUCCION

El Irlandés

JoJo Rabbit

1917

Había Una Vez en Hollywood

Parásitos

Voy por Había Una Vez…

-PELICULA EXTRANJERA

Corpus Christi-Polonia

Honeyland –Macedonia

Los Miserables-Francia

Dolor y Gloria-España

Parásitos- Corea Del Sur

No veo por donde no gana Parásitos.

-ACTOR DE REPARTO

Tom Hanks (A Beautiful Day In The Neighborhood)

Anthony Hopkins (Los Dos Papas)

Al Pacino (El Irlandés)

Joe Pesci (El Irlandés)

Brad Pitt (Había Una Vez…)

Otro grupo de la muerte, pero aunque Pitt lleva la delantera, aquí quiero que se lo gane Joe Pesci.

-ACTRIZ DE REPARTO

Kathy Bates (Richard Jewell)

Laura Dern (Marriage Story)

Scarlett Johansson (JoJo Rabbit)

Florence Pugh (Mujercitas)

Margot Robbie (Bombshell)

-PARTITURA ORIGINAL

Joker, por Hildur Gudnadottir

Mujercitas, por Alexandre Desplat

Marriage Story, por Randy Newman

1917, por Thomas Newman

Star Wars El Ascenso e Skywalker, por John Williams

La ventaja hasta ahora la tiene Joker, pero de repente gana Williams como parte de su despedida.

-EDICION DE SONIDO

Ford vs Ferrari

Joker

1917

Había Una Vez…

Star Wars; El Ascenso de Skywalker

-MEZCLA DE SONIDO

Ad Astra

Ford vs Ferrari

Joker

1917

Había una vez..

En ambas categorías, siento que la ventaja es para 1917.

-VESTUARIO

El Irlandés

JoJo Rabbit

Joker

Mujercitas

Había Una Vez…

Como le encantan los relatos de época a la Academia, Mujercitas.

Y será. Obviamente, no puse los nominados a documentales y cortos, por ser material que no siempre se alcanza a ver a tiempo, pero aquí está, a grandes rasgos, los títulos que compiten por aquella estatuilla dorada, cuyos resultados estarán el próximo domingo 9 de febrero.

Que gane el mejor.

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solos en el extremo del mundo

Sucedió durante la década de 1890, cuando el joven Ephraim Wilsow (Robert Pattinson) se empleó como ayudante de un viejo lobo de mar, Thomas Wake (Williem Dafoe), para hacerse cargo de un solitario faro, ubicado en una aislada y remota isla de Nueva Inglaterra, durante las próximas cuatro semanas.

Y aunque parece un trabajo fácil y rutinario, al que Winslow accede motivado por el buen salario ofrecido, el aislamiento y la soledad pronto empezarán a afectar a ambos operarios, quienes deberán extremar sus recursos antes de ser devorados por las alucinaciones, la locura y la desesperación…

Vaya que le gustan al estadounidense Robert Eggers los lugares aislados y de cómo afecta esto a la consciencia humana. Ya lo hizo en su anterior trabajo, su soberbio debut en el campo del largometraje, The Witch, trasladando a la familia de un fanático religioso a los bosques que circundan la Nueva Inglaterra del 1600, y en esta, su esperada segunda película titulada The Lighthouse, lleva a sus protagonistas al extremo, cuando los deja abandonados en un solitario faro, en la misma Nueva Inglaterra, sólo que más de doscientos años después.

Y digo que le acomodan, en el sentido de que le basta poco para producir en el espectador una sensación de incomodidad. Partiendo de la base que, por la función que cumplen, los barcos necesariamente se encuentran en lugares de acceso no precisamente fácil. Bueno, Eggers se encarga y tiene capacidad de hacer de ese entorno simplemente difícil, un escenario hostil y estremecedor, sensación que trasciende la pantalla.

Imaginemos que esta temática que podría haber cultivado Julio Verne (bueno, de hecho, lo hizo, en El Faro del Fin de Mundo), la toma Poe o Lovecraft. Y eso, pasado por el cedazo de este realizador.

Eggers, persigue crear impacto en el espectador, pero no a base de saltos, gritos o asco que se va una vez concluida la función. Sin abusar de lo visualmente chocante, consigue generar que el observador caiga en una sensación de intranquilidad, de nervio, que sigue en éste mucho rato después de haber concluido el filme.

Para lo cual le basta con un escenario que, aunque tal vez no lo sea, se encarga de convertirlo en la peor de las pesadillas. Y con sólo dos intérpretes, lo bastante leales como para seguir al pie de la letra lo que su director les pide. No vamos a dudar ahora de las capacidades histriónicas de Williem Dafoe, y quien ose cuestionar lo buen actor que es Robert Pattinson , tome un ladrillo y péquese fuertemente en la cabeza con éste, (en este trabajo hace pebre su imagen de galán de adolescentes, literalmente). Ambos recrean esta espiral hacia la desesperación y la locura que nuestros protagonistas atraviesan, desempeñando un trabajo sobrecogedor.

Para ser un director que ha hecho carrera dentro de lo fantástico, interesante resulta darse cuenta que las influencias de este director, tanto en lo narrativo como en lo estético están fuera de ese marco: Tarkovsky, Kubrick, mucho del expresionismo alemán. Eso es un claro beneficio para un género donde, para bien o para mal, la gran mayoría de obras terminan por tratarse más o menos de lo mismo.

Eso es lo que hay que agradecer de directores como Robert Eggers, una camada de aire fresco para un género que, de vez en cuando, lo necesita.

Lástima que nuestros distribuidores no lo vean así: The Lighthouse, en una situación que debería darles vergüenza, no tiene fecha de estreno en Chile. Y según parece, no la tendrá. Lo que es una lástima. Porque si bien existe el blu-ray, el 4k y los formatos digitales se ven cada vez mejor, esta es de esas películas que hay que apreciar en la mejor pantalla posible. Shame on you.

***3/4

THE LIGHTHOUSE

Director: Robert Eggers.

Intérpretes: Williem Dafoe; Robert Pattinson

Terror

2019

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NEIL PEART 1952-2020

Se ha anunciado, a sus 67 años de edad, 45 de los cuales los dedicó a prestar sus servicios como baterista y letrista principal del power trio más poderoso del mundo, los canadienses Rush, el fallecimiento del músico canadiense Neil Peart.

Eximio percusionista y ejecutante de toda clase de instrumentos de la rama, Peart entró a Rush en 1974, en reemplazo del baterista original John Rutsey. Desde entonces, junto a Geddy Lee y Alex Lifeson formó parte del trío de prog-rock originario de Ontario, destacando rápidamente por su fanatismo por la ciencia ficción y fantasía, cosa que se dejaba ver en la mayoría de sus letras.

Pero también destacó como un tremendo luchador por la vida, tras perder a su hija Selena en un accidente, y a su mujer Jacqueline, víctima de cáncer, con pocos meses de diferencia entre 1997 y 1998. La música, la escritura y el motociclismo, fueron las claves que lo hicieron levantarse, volviendo a la actividad con su banda en 2002.

Eso hasta que un cáncer cerebral, diagnosticado hace un par de años, forzó a la banda a poner fin a sus actividades. Mismo cáncer que el día de hoy ha costado la vida del ejecutante.

Descanse en paz, señor Peart. Acá lo despediremos y recordaremos escuchándolo junto a sus compadres Lee y Lifeson. Gracias por tanto.

QEPD

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de lo que es capaz un padre (publicación 1600)

Confieso que nunca la había visto, no porque no me interesara, sino que porque temía  que me fuera a pegar muy fuerte.

Pero como ya han pasado más de dos décadas de su estreno, y ya no estoy en edad de seguir chuteando cosas, me apliqué y, después de muchas excusas, vi finalmente En El Nombre del Padre.

Y me dejó KO. Por un lado, porque esta película de 1993, dirigida por Jim Sheridan es una película extraordinaria, merecidamente ganadora del Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín del año siguiente, además de una serie de nominaciones al premio Oscar, principalmente a nivel de actuaciones.

Por otro…

Es la historia de Gerry Conlon (un tremendo Daniel Day-Lewis, quien ya había trabajado con Sheridan unos años antes, en la igualmente celebrada Mi Pie Izquierdo), un joven irlandés de Belfast, devenido en landronzuelo y buscapleitos.

En 1974, Gerry es enviado por su familia a Londres para ver si allá se le quita lo reventado. Ni bien llega, y al intentar incorporarse a una comunidad de hippies, por su origen irlandés no tarda en entrar en conflicto con uno de los líderes del grupo, un inglés abiertamente nacionalista. Por eso, a los pocos días, es involucrado en un atentado explosivo que cuesta la vida de cinco personas en un bar, denunciado como infiltrado del IRA en tierras inglesas.

Tras un procedimiento irregular, marcado por la tensión –el gobierno acaba de aprobar una dura ley antiterrorista, y se necesita dar un golpe de efecto que demuestre la efectividad de la norma- y en un entorno dominado por la xenofobia, Gerry es condenado a cadena perpetua.

A su vez, su padre, Giuseppe (un aún más grande Pete Postlewhaite), un modesto dependiente del comercio, que sólo fue a tratar de ayudar a su hijo,  es condenado a doce años de cárcel, acusado de conspiración.

¿Cómo no me va a pegar fuerte? No sólo trata un caso real acerca de una condena fundada en un proceso que de debido y justo no tuvo nada, temática que en nuestra época, pleno 2020, a más de cuarenta años de producirse los hechos que narra (relatados por el propio Gerry Conlon en su autobiografía “Proved Innocent”), el discurso nacionalista/xenófobo está tan vigente como entonces. Lo mismo el llamado “populismo penal”, ese recurso de algunos gobiernos de endurecer ciertas normas penales para crear en la comunidad, una hipotética sensación de seguridad pública y decir “cumplimos”.

Nuestro protagonista es una víctima de ambas cosas, y la situación de Gerry bien podría ser la que está pasando en los EEUU de Trump, o incluso aquí mismo, con la inmigración,  el conflicto mapuche y la aparición de un discurso nacionalista simplón y de fácil llegada en ciudadanos fácilmente influenciables.

Si bien el factor político y social es preponderante en el filme, el conflicto principal corre por cuenta de la entre Gerry y Giuseppe, y como las circunstancias de la vida que les tocó incidieron en ella.

Cómo el vínculo se fue fracturando con el correr de los años, a medida que Gerry se convertía en un joven problemático, amargado y sin mucha fe en el futuro, mientras que por el lado de Giusseppe, tampoco pudo hacer otro tanto, sobrepasado por la necesidad de sobrevivir.

Su ingreso a la cárcel, pese a todo, sirve como una oportunidad de enfrentar las rupturas existentes entre ambos, de que de una vez por todas se vean a las caras y resuelvan esas disputas que, a la corta o a la larga, los tienen en la situación actual.

Y sobre todo, para saber hasta dónde está dispuesto a llegar un padre por su hijo. Y lo que un hijo está dispuesto a hacer por reivindicar a su padre.

Gran película, desde todos los puntos de análisis posibles. Como película de tintes políticos y filme-denuncia (hablamos de la decisión acerca de la vida de dos personas, inocentes más encima, motivada por razones subjetivas antes que estrictamente legales).

Funciona como ejercicio autoral: Sheridan consigue estremecernos a lo largo de todo el relato por el terrorismo; por el horror de verse obligado Gerry a acusarse a sí mismo de un crimen de otros producto de las presiones; por el horror de vivir en una sociedad en que el prejuicio y el discurso de odio se ponen por encima de la justicia; pero además nos estremece con la esperanza, reflejada en la reconstrucción del lazo entre Gerry y Giusseppe, y en los esfuerzos sobrehumanos de Gareth (Emma Thompson, soberbia) la abogado de derechos humanos que intuye que algo no anda bien con el juicio de los Conlon. Es una historia cruel, dolorosa, vale, pero Sheridan la filma resaltando lo bueno que aún tiene posibilidad de surgir de dentro de todo este caos, apoyado en el gigantesco desempeño de sus protagonistas.

Es una historia que nos produce indignación frente a los sistemas estatales, frente a lo limitadas que pueden ser algunas consciencias, pero que al mismo tiempo nos devuelve la fe en el espíritu humano, que éste, pese a todo, aún tiene tendencia al bien y a la justicia.

Pero funciona sobre todo como película acerca de la condición humana, respecto de las relaciones filiales. Ese es el ámbito desde el cual dispara sus golpes más duros. Y más emotivos, pensando en la frágil y dañada que partimos conociendo esta relación, y como se va reconstruyendo y reforzando, a medida que padre e hijo tienen ocasión de reencontrarse.

Gran película, de aquellas que te pegan duro una vez, golpe del que no te recuperas, pero que te sacude lo suficiente para darte otra perspectiva de las vida.

****

IN THE NAME OF THE FATHER

Director: Jim Sheridan

Intérpretes: Daniel Day Lewis; Pete Postlewhaite; Emma Thompson; John Lynch; Mark Sheppard; Corin Redgrave

Drama

1993

Llegamos a la publicación número 1600 y, como ya es un hábito con las columnas que marcan cambio de folio, con una película que me dejó K.O. Gracias, como siempre, por su atención, y ya pensaremos en el tema de la 1700.

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Bowie: Una Pequeña Playlist

Celebramos un nuevo Día Mundial de David Bowie (en el día que el Duque Blanco hubiera cumplido 73 años), y para esta oportunidad, me puse a pensar, si me dijeran que por X motivo o para sepa uno qué objetivo, tuviera que hacer una lista de 10 canciones suyas para poner en una playlist…sólo 10…cuáles escogería.

Supongo que me iría por las 10 más representativas de las distintas etapas de su carrera. Siendo así, esas diez elegidas serían las siguientes (orden cronológico)

1-SPACE ODDITY (Álbum: Space Oddity, 1969)

Y es que hay que partir por el principio. Aunque ya tenía algunos sencillos girando por ahí, la historia de Major Tom, un astronauta que se siente menos aislado orbitando, sin destino, por el espacio, a bordo de una precaria cápsula que en el planeta que acaba de abandonar, dio pie a una de las carreras más influyentes del rock.

2-STARMAN (Álbum: The Rise and Fall Of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, 1972)

Un hombre venido del espacio exterior viene a la Tierra a advertir sobre su inminente destrucción. Sin embargo, la respuesta que obtiene de los terrícolas, está lejos de ser la que éste esperaba que fuera. Primer single de uno de los álbumes fundamentales de Bowie, es para muchos su mejor canción y una de las grandes canciones pop de la historia.

3-REBEL REBEL (Álbum: Diamond Dogs, 1974)

Una de las canciones fundamentales para definir lo que en su momento se conoció como glam rock, y que es prácticamente una declaración de principios de éste, que juega precisamente con la idea de ambigüedad sexual y desenfado que marcaron esta corriente musical y estética.

4-FAME (Álbum: Young Americans, 1975).

La célebre colaboración entre Bowie, su guitarrista Carlos Alomar y un tal John Lennon, que pasaba por el estudio ese día, a partir de un ritmo de base funk con el que Bowie y Alomar estaban pegados. Fue su primer gran éxito en EEUU, y que refiere, en forma bastante irónica, los riesgos que la popularidad conlleva, que el mismo Bowie, tratando de salir de una etapa marcada por los excesos, vivía en carne propia por aquellos días.

5-HEROES (Álbum: Heroes, 1977)

En mi humilde opinión, la mejor canción de Bowie, y quizás la más versionada. Canción optimista y que se ha convertido en una suerte de himno, refleja el estado de ánimo de Bowie durante aquella temporada en Berlín, ciudad a la que llegó en busca de sanación, rehabilitación y aprendizaje.

6-ASHES TO ASHES (Album, Scary Monsters And Super Creeps, 1980)

Si el período en Berlín fue de aprendizaje, con este disco de 1980, Bowie daba cuenta de los resultados de su experiencia alemana. Un relato sintetizado de la turbulenta década que acababa de terminar, que cierra la saga iniciada por Space Oddity al rescatar al personaje y la leyenda de Major Tom.

7-LET’S DANCE (Album: Let’s Dance, 1980).

La década de los ’80 traería un Bowie intentando abrirse paso entre los gigantes del pop, con shows multitudinarios, escenarios apoteósicos en auditorios gigantescos. A la larga, la apuesta no lo convenció mucho, pero que arrancó con ganas, eso es innegable. Prueba de ello es éste, su segundo gran éxito en los EEUU y una de las piezas bailables más importantes de la década.

8-THE HEART’S FILTHY LESSONS (Album: Outside, 1995)

Tras hacer las paces con su propio pasado, y descubrir la música industrial –de la que Outside, tiene mucho- Bowie retomaba su carrera musical con nuevos aires. Y si bien la temática de este disco y single eran bastante sombríos (Outside, a la larga, es un disco conceptual que narra las desventuras de un detective del montón enfrentado al crimen de una adolescente, y las bizarras circunstancias en que éste se produjo), lo cierto es que la aparición de este single nos mostraba a un Bowie renovado y reencantado con su principal pasión.

9-LITTLE WONDER (Album: Earthling, 1997).

El medio siglo de vida pillaba a Bowie en un gran momento personal (tras su matrimonio con la modelo Iman Abdulmajid) y musical. Tras lo que representó Outside, insistió con la electrónica, mostrándose especialmente interesado en la llamada música jungle, Bowie celebraba sus 50 con un disco que derrochaba talento, calidad y la energía que ya se quisiera un rockstar de 20 y tantos. Y su primer single era prueba de ello.

10-BLACKSTAR (Album: Blackstar, 2016)

El nuevo milenio nos trajo a un Bowie más reposado, consciente de que ya había dado lo mejor de sí, y del espacio que debía dar a nuevas generaciones, sólo publicó dos discos de material nuevo en la década del ’00, y dos en la del ’10, con la idea de publicar sólo cuando tuviese algo interesante que mostrar. A fines de 2015, aparecería este single, de casi ocho minutos de duración, y con una letra prácticamente de despedida.

Claro, qué sabíamos nosotros que dos días después de lanzar el disco, en un 8 de enero de 2016, abandonaría esta dimensión.

Lógico que esté aquí. Digo, si contamos desde el principio, cómo no íbamos a sumar a la del final.

Y ustedes, ¿cuáles elegirían?

Feliz Día Mundial de David Bowie para todos.

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grandes momentos de un gran hombre

Esto es curioso: en mi top 5 de grandes películas imprescindibles de la vida no tengo apuntada ninguna película protagonizada por Tom Hanks, pero el día que haga mi lista de cien mejores películas de la historia (llevo años tratando de armarla, pero periódicamente le saco y agrego títulos), es un hecho que irán fácilmente unas diez o quince protagonizadas por él.

Lo cierto es que Hanks se ha convertido en uno de los actores fundamentales del cine actual. Un intérprete que dio sus primeros pasos en la comedia (recuerdo cuando chico haber visto una sitcom llamada Amigos del Alma, en la que Hanks y otro actor interpretaban a dos amigos que debían travestirse para conseguir empleo) y que se ha vuelto un imprescindible en la industria fílmica actual.

Es por eso, y aprovechando que el pasado domingo, durante la ceremonia de los Golden Globe le fue otorgado el Premio Cecil B. De Mille, por su trayectoria, que he armado esta lista, suerte de homenaje a un actor que, sin darme cuenta, ha logrado un lugar alto en mi lista de favoritos. No ha sido fácil armarla, he tenido que dejar fuera del top ten su etapa ochentera, más ligada a la comedia (con grandes títulos como Despedida De Soltero, The Money Pit, Quisiera Ser Grande, Vecinos Al Ataque, Joe Contra El Volcán, La Hoguera de las Vanidades, etc) y otras que me ha dolido dejar fuera (sus comedias románticas junto a Meg Ryan, Camino a la Perdición, Sully, Puente de Espías, Capitán Philips, en fin), pero bueh.

La lista va en orden cronológico para no herir susceptibilidades, y arranca:

PHILADELPHIA (Jonathan Demme, 1993)

Andy Beckett (Hanks) es un joven y promisorio abogado de una importante firma de Filadelfia, que un día es despedido de ésta, aludiendo errores en el desempeño de su trabajo. Sin embargo, Andy sabe que el despido se debe a que es homosexual y portador de VIH, por lo que contrata a Joseph Miller (Denzel Washington) para demandar a la firma y reivindicarse ante la sociedad.

Todo un salto se pegaba Hanks con esta película cuya temática esta tan o más vigente que hace 25 años: pasar de papeles humorísticos a uno tan dramático como éste fue fuerte, pero lo logró: le valió su primer Oscar como Mejor Actor.

FORREST GUMP (Robert Zemeckis, 1994)

Su segundo premio Oscar vino de la mano de esta entrañable historia, en la que interpreta a un joven estadounidense, con una leve discapacidad intelectual, que increíblemente ha sido testigo de los grandes momentos del siglo XX, que cuenta su extraordinaria vida a quien esté dispuesto a oírlo.

Un prodigio de los efectos especiales, esta película se quedó además con el Oscar a la Mejor Película, Director, guión adaptado, efectos visuales y montaje. No hay lista de cien grandes películas del siglo que no la incluya.

APOLLO 13 (Ron Howard,1995)

En 1970, la misión espacial Apolo 13, encabezada por el astronauta James Lovell (Hanks) estuvo a punto de fracasar –y costar la vida a su tripulación- a causa de la inesperada explosión de su sistema de ventilación, iniciando una desesperada carrera contra el tiempo, tanto en tierra como en el espacio, para salvar la vida de los astronautas. Muchos hablaban que la interpretación de Hanks iba a darle su tercera nominación –y estatuilla- al Oscar seguida, pero finalmente no sucedió.

TOY STORY (saga 1995-2019)

A lo largo de cuatro películas, y un puñado de cortometrajes todos producidos por Pixar, se nos narra la historia de una pandilla de juguetes, y lo que hacen cuando sus dueños –Andy, primero, y Bonnie, después- no están jugando con ellos. Esta pandilla es liderada por el entrañable Woody (voz de Hanks) un viejo vaquero de trapo, y es a través de las vivencias de estos juguetes, vamos entendiendo un poco mejor las diversas etapas de la vida. La última entrega de la saga fue estrenada el año pasado, y su respectiva reseña está ahí, así que no redundaré más en ella.

RESCATANDO AL SOLDADO RYAN (Saving Private Ryan; Steven Spielberg, 1998).

El capitán John H. Miller (Tom Hanks) y sus hombres participan del asalto aliado a la playa de Omaha, en Francia, en 1944, siendo éste uno de los pocos pelotones que no sufre bajas durante la incursión. A poco de acampar, Miller recibe órdenes desde Washington: tres de cuatro hermanos de una misma familia han caído ante el enemigo, y el último, paracaidista, se encuentra desaparecido en acción. Y aunque a Miller la idea de buscar esta aguja en un pajar no le convence mucho, asume junto a sus hombres la tarea de encontrar al desaparecido y devolverlo a casa. Primera de una serie de grandes colaboraciones entre Hanks y Spielberg, como veremos más adelante.

MILAGROS INESPERADOS (The Green Mile; Frank Darabont, 1999)

Corre el año 1930, y Paul Edgecomb (Hanks) es el oficial jefe de la sección de condenados a muerte de la prisión de Cold Mountain, Luisiana, conocida como “La Milla Verde” por el horrible estado de conservación de su piso. Cierto día arriba a la sección un enorme afroamericano llamado John Coffey (Michael Clarke Duncan), condenado por asesinar a dos niñas. Aunque la condena a muerte es irreversible, algo tiene Coffey que llama la atención de Edgecomb, especialmente cuando diversos prodigios tienen lugar en el penal, tras la llegada del condenado. He declarado antes que esta es mi adaptación favorita, de la que también es mi novela favorita de Stephen King.

NAUFRAGO (Cast Away; Robert Zemeckis, 2000).

Hanks y Zemeckis repiten, esta vez con la historia de Chuck Noland, un audaz y obsesivo ejecutivo de una importante empresa de mensajería que, muy comprometido con su trabajo, vuela rumbo a Malasia para resolver un inesperado problema logístico. Sin embargo, su vuelo se encuentra con una tormenta, que termina por derribarlo. Del accidente, Noland es el único sobreviviente, al quedar varado en una isla desierta.

Desconectado de todo, Noland deberá luchar los próximos años por sobrevivir, antes que la muerte, la desesperación o incluso la locura, se apoderen de él.

ATRAPAME SI PUEDES (Catch Me, If You Can; Steven Spielberg, 2002).

Hanks interpreta al agente del FBI Carl Hanratty, agente especializado en delitos financieros y fraudes, que comienza a seguir la pista de Frank Abagnale Jr (Leonardo Di Caprio), un joven estafador que en pocos años ya ha hecho toda una carrera en el arte del engaño, el fraude y la huida. Descolocado con las cada vez más asombrosas habilidades del estafador, Hanratty quiere detener a Frank, más que en cumplimiento de sus deberes, sino movido por la intriga que le causa saber cómo lo ha hecho.

LA TERMINAL (The Terminal; Steven Spielberg, 2004)

Cuando Viktor Navorski, ciudadano de Karakozhia, un pequeño país de Europa Oriental, llegó a Nueva York, se enteró de la Guerra civil que estalló en dicha nación. Imposibilitado de retornar, y luego de suspenderse las relaciones diplomáticas entre EEUU y Krakozhia, su visa no es reconocida en Norteamérica, por lo que no puede circular en suelo estadounidense. Dadas las circunstancias, no le queda más remedio que instalarse a vivir en el Aeropuerto JFK de Nueva York, y adaptar su diario vivir a la rutina del terminal aéreo, aprendiendo el idioma, consiguiendo trabajo, haciéndose de amigos, pero también de un poderoso enemigo: el administrador Frank Dixon (Stanley Tucci). Otra gran colaboración entre Hanks y Spielberg, basada en hechos reales.

THE POST (Steven Spielberg, 2017)

Y otra más de la dupla Hanks-Spielberg para cerrar. Y una poderosa: corre el año 1971. La empresaria Katharine Graham (Meryl Streep) acaba de asumir la presidencia del directorio del periódico The Washington Post, y de la mano de su editor jefe, Ben Bradlee (Hanks) se propone la misión de levantar la alicaída situación patrimonial del diario. Por esos mismos días, se enteran de la existencia de archivos confidenciales que abarcan más de cuatro décadas de comprometedora información gubernamental. Y aunque este golpe noticioso puede salvar al Post de la ruina, y no obstante las presiones sufridas para evitar la divulgación de estos datos, Graham y Bradlee tienen claro que lo que logren con esta información trasciende lo meramente patrimonial. Gran película sobre la libertad de prensa, de expresión y de cuando el cuarto poder hace lo que los otros tres no.

Se nos viene A Beautiful Day In The Neighborhood, y ya tiene en preparación otros tres o cuatro títulos más, para los próximos dos años. Muy activo para alguien que ya superó los 60 años de edad y no da una muestra de cansancio. Así que muy probablemente en unos años más deberemos agregar más títulos a esta lista.

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata (Twitter/Instagram)

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