un bar muy especial

Tras una accidentada fuga desde prisión, que incluyó el robo a un banco, la explosión de una gasolinera y varias víctimas fatales, los hermanos Gecko, Seth (George Clooney) y Richard (Quentin Tarantino) se han visto obligados a cruzar la frontera, rumbo a México, para lo cual secuestran al reverendo Jacob Fuller (Harvey Keitel), un ministro en medio de una crisis de fe tras enviudar, junto a sus hijos Kate (Juliette Lewis) y Scott (Ernest Liu).

Las cosas parecen ir tranquilas para víctimas y secuestradores, hasta que llegan a un club nocturno, ubicado algo lejos de la carretera principal. En el papel, no parece otra cosa que un bar para motoqueros con nudistas, pero cuando el carácter imprevisible de Richard lo pone a pelear con otro parroquiano, echando sangre a borbotones, despierta la verdadera naturaleza del personal del club: una raza de peligrosos vampiros sedientos de sangre…

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El éxito alcanzado por Quentin Tarantino con filmes como Perros de la Calle o Pulp Fiction, abrió la puerta para lo que se dio en llamar cine independiente. Y se volvió una de las tendencias más fuertes de los ‘90s, caracterizada por una serie de marcadas diferencias presupuestarias y, sobre todo, temáticas con el cine mainstream. Y aunque terminó por convertirse en un cliché, en una fórmula, este subgénero que privilegiaba las buenas historias por sobre la grandilocuencia y los millonarios costos de producción, nos permitió conocer a grandes creadores como el propio Tarantino, Kevin Smith, Richard Linklater, en una primera generación, y luego a Darren Aronofski, Christopher Nolan, Wes Anderson, Spike Jonze y Michel Gondry.

Alumno aventajado de esta generación fue el mexicano Robert Rodríguez, quien en 1992 sacudió al mundo con su opera prima El Mariachi, y que algunos años después, ya convertido en el delfín de Tarantino, conquistaría Hollywood con Desperado y su personal tributo al cine B, From Dusk Til Dawn (Del Crepúsculo Al Amanecer), que este año cumple dos décadas desde su estreno, u que cierra esta primera gran época del cine indie.

Y si bien es cierto la taquilla no fue del todo generosa, en un primer momento, el efecto boca a boca, tengo un amigo que la vio y dijo que debiéramos verla, la buena recepción en los medios alejados del mainstream y de la oficialidad, más el apoyo de MTV –la MTV de los ’90, cuando era cool y antes de estupidizarse- funcionaron para que se fuera generando un culto en torno a la película, que motivó que fuera repuesta en salas y captando nuevos espectadores, incluso en horarios no precisamente cómodos. Para qué decir cuando salió, entonces, en vhs o llegó al cable.

Si incluso acá, cuando se estrenó –con mucho desfase, en pocas salas y pocas funciones..piensen que además a mediados de los ’90 todavía no explotaban las multisalas- generó un impacto respetable.

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Como no iba a ser de culto si recurre a temas propios de la categoría. Mezcla de road movie, policial, terror y cine B (no es casualidad, si uno de sus próceres, el experto en maquillaje y efectos Tom Savini, tiene un personaje en la cinta), sazonado con el siempre recurrente ingrediente de los vampiros (aprovechando el primer gran revival del género, gatillado por el Drácula de Coppola o Entrevista Con El Vampiro..nada que ver con el vampirismo pasado por azúcar y dulces que vino después de Tiwlight), la película es un justo tributo para los géneros a los que recurre, un respetuoso homenaje y un torbellino de emociones fuertes.

¿Me van a negar acaso que dejó su huella? Se encargó de convertir en estrella a George Clooney (que después se haya mandado un patinazo con Batman & Robin no tiene nada que ver con este filme). Definió un hito incuestionable en el género de los vampiros, al abordarlos de una manera poco conocida (hasta entonces los vampiros eran en su mayoría anglosajones, nobles europeos o su descendencia principalmente). Dio a Robert Rodríguez la manga ancha para filmar lo que se le ocurra, sea proyectos personales de acción o cintas familiares (lástima que se haya perdido los últimos años). Y le abrió la puerta a Salma Hayek para conquistar Hollywood…¿cuántas veces han visto imitada y nunca igualada, su secuencia del baile con la serpiente?

¿Vio? Puede ser una tontera de película, un charquicán de géneros e íconos. De hecho, me soplaron que alguna vez se resumió esta película como “empieza con Perros de la Calle, termina con Generación Perdida”, y a decir verdad es un comentario muy acertado, y que no debe considerarse para nada un desprecio, pues son, cada una a su manera, buenas películas, o al menos que yo disfruté mucho. Bueno, Del Crepúsculo… funciona de la manera que me interesa que lo haga. Y a veinte años de su debut me sigue funcionando igual.

***1/2

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FROM DUSK TIL DAWN

Director: Robert Rodriguez

Intérpretes: George Clooney; Quentin Tarantino; Juliette Lewis; Harvey Keitel; Ernest Liu; Salma Hayek; Cheech Marin; Danny Trejo; Tom Savini

Acción/Terror

1996

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la vida no será la misma el lunes

Es agosto de 1980. Los últimos días del verano de ese año, y para Jake (Blake Jenner) su último fin de semana antes de entrar a la Universidad de Texas, donde fue aceptado gracias a una beca deportiva, como parte del equipo de béisbol de la casa de estudios.

Esa tarde de jueves llega a la casa que la universidad ha dispuesto para sus jugadores, donde compartirá con otros novatos, así como con otros estudiantes con más años de estudio en el cuerpo, y con ellos vivirá sus últimas horas antes del mayor cambio de su vida hasta ahora…

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Tras rozar la gloria con la ambiciosa Boyhood (ambiciosa en su producción y desarrollo, pero por suerte nada de pretenciosa en sus motivos y ejecución), Richard Linklater vuelve a insistir en el tema de la evolución niñez/adolescencia/adultez en su más reciente película Everybody Wants Some, otra de esas cosas buenas que nos arroja la cartelera estadounidense, pero que por obra y gracia de los blockbusters, tenemos mucha dificultad para ver.

No, no piensen que me puse intelectual y ahora estoy renegando de los blockbusters y del cine palomitero, pero soy consciente que vivimos una sobrepoblación de este tipo de filmes que le quita espacio a otros trabajos más piola. Por cada diez salas de las que en 5 estén pasando La Era Del Hielo 5, mientras que en las otras cinco se repartan los demás estrenos de la semana y la película chilena de turno, le vamos quitando espacio a un tipo de cine que a uno también le gusta ver de vez en cuando.

Y así va a seguir siendo hasta que la industria, como le pasó en la década de los ’60, cuando las superproducciones, las películas de romanos o egipcios con sus quince mil extras y escenarios de cartón piedra, y sus musicales con escenarios gigantescos para escenas de cinco minutos, llevaron a los estudios al colapso. Acuérdense como tuvo que salir adelante Hollywood: imitando el modelo italiano, francés y alemán de la época (la nouvelle vague, el neorrealismo, en fin) y filmando historias con más sesos que efectos.

Si es verdad que la historia es cíclica, y que ese colapso se producirá antes del final de esta década, al menos podemos quedarnos tranquilos. Aún tenemos realizadores como Linklater que tomen la posta.

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Como decía, Linklater retoma el tema del paso de la niñez/juventud/adultez, algo que queda esbozado en Boyhood, pero principalmente en uno de sus clásicos, Dazed and Confused (1993), que nos relataba las vivencias de un grupo de adolescentes empezando su último año de colegio, en 1976. Everybody.. es una suerte de secuela de la anterior, aunque con sutiles diferencias, en cuanto a la época específica en que transcurre, y con distintos protagonistas. El espíritu, eso sí, es el mismo.

Espíritu que no es otro que simplemente relatar una historia simple, enfrentando a personajes a situaciones que le podrían pasar a cualquier hijo de vecino. Situaciones que a más de alguien le ha pasado. Y que marcan. No en vano, el ingreso a la universidad divide la vida en dos. Es dejar atrás una etapa en que todavía tenías chipe libre, y pasar a una etapa donde, tarde o temprano, tienes que asumir que ya nadie va a responder por ti, y tendrás que aprender a hacerte responsable de ti mismo.

Por eso, nuestros protagonistas quieren sacar el máximo de provecho hasta al más ínfimo segundo de este fin de semana, ya que el siguiente lunes sus mundos no van a ser los mismos.

Como es habitual en la filmografía de Linklater, su entusiasmo por la historia que cuenta, el cariño que siente por sus personajes, interpretados en su mayoría por desconocidos (para el gran público, lo que hace que les tengamos más aprecio) son evidentes y se transmiten fuera de la pantalla, convirtiéndolos en personajes dignos de fiar. Así nos lo ha demostrado Linklater en todos y cada uno de sus trabajos más personales (Slackers, Dazed and Confused, en Boyhood..hasta en Antes de Medianoche, que nos demuestra como son los romances idílicos cuando dejan de ser tan idílicos) y esta no es la excepción.

El cuento se nos hace cercano, y el hecho que transcurra a principios de los 80 es meramente circunstancial, podría funcionar en cualquier otra época, aunque no sé si funcionaría igual de bien. Así, al final del recorrido, podemos decir, junto con nuestros héroes “estamos listos para el futuro…¡que venga!”

La filmografía de Richard Linklater es una que siempre se agradece. Por mucho que no lleguen a las salas, o lo hagan tardíamente, o haya que conformarse con los canales alternativos (on demand, streamings, descargas legales y de las otras) ayuda a tener fe de que cuando la burbuja en que vive la industria fílmica reviente, habrá gente que aún cuente sus historias por el simple placer de narrar.

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***1/4

EVERYBODY WANTS SOME

Director: Richard Linklater

Intérpretes: Blake Jenner; Glen powell;: Austin Amelio; Zoey Deutch; Wyatt Russell; Juston Street; Temple Baker

Drama/Comedia

2016

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

la escala salió más larga que el viaje

Para Viktor Navorski (Tom Hanks) era un mero trámite: llegar a Nueva York, salir de Policía Internacional, y cumplir con su misión en la Gran Manzana.

Pero no contaba con que su país de origen, Krakozhia, una pequeña república alguna vez parte de la U.R.S.S., entraría en guerra civil, provocando el quiebre de las relaciones diplomáticas con los Estados Unidos, por lo que su visa para entrar al país pierde valor, impidiéndole además regresar a su país, lo que obliga a Viktor a permanecer en el JFK Airport.

Unas horas. Algunos días. Muchos días.

Con el tiempo, Viktor termina por habituarse a la vida dentro del terminal, volviéndose incluso parte del paisaje y logrando una vida relativamente normal, en lo que cabe. Cosa que no le agrada a Dixon (StanleyTucci), el impaciente e implacable director del recinto, quien ve en Viktor un obstáculo en su ascendente carrera..y una obsesión.

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Hace poco más de un mes, tuve mi primer viaje en avión, a Punta Cana, República Dominicana. Independiente del destino y de lo bien que lo pasé, la sensación de entrar en un aeropuerto, hacer los trámites, los procesos de seguridad, el abordar, despegar y el hecho mismo de volar me conquistaron. Amé la sensación y quiero repetirla.

Si, quizás se trate de un caso excepcional y me esté entusiasmando más de la cuenta con algo que para mucha gente es rutina. Quizás si fuera viajero frecuente no me entusiasmaría tanto.

Pero si me llamo Merham Karimi Nasseri, ciudadano iraní que se vio obligado a residir en el areopuerto Charles De Gaulle de París entre 1988 y 2006, ciertamente no me causaría gracia.

Lo cierto es que la historia de Nasseri no deja de ser insólita. Lo suficiente para llamar la atención de Steven Spielberg, quien en 2004 la convirtió en la comedia dramática La Terminal. Quizás no sea uno de sus filmes más extraordinarios (la estrenó entre Minority Report, Atrápame Si Puedes y La Guerra de los Mundos, filmes cuyo potencial épico sobrepasa con creces la historia en comentario) pero vaya que se disfruta.

Es una historia modesta en comparación a otras del mismo autor, okey, pero eso no nos puede llamar al engaño (trata de filmar en medio de uno de los aeropuertos más importantes y concurridos del mundo, sin interrumpir su funcionamiento, y dime si puedes seguir hablando de modestia). Negar lo extraordinario de la historia de nuestro protagonista es pecar de una irresponsabilidad severa.

No en vano, estamos hablando de un personaje que, sobrepasado por las circunstancias, se ve privado de volver a su propio país, pero tampoco es admitido para entrar a otro, viéndose empujado a adaptar su vida al ritmo y mecanismo de un lugar de paso, no apto para vivir sino sólo para transitar. Un No-Lugar, como diría Fuguet. Viktor se ve obligado a subsistir y arreglárselas como pueda para mantenerse en un entorno no hostil, pero ciertamente no del todo amigable.

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Viktor, en todo caso, es lo bastante listo para salir del paso y girar las cosas a su favor. Sin dinero, equipaje, conocidos, ni siquiera un idioma, logra, a fuerza de ingenio, un poco de suerte y una facilidad para caerle bien a la gente, salir del paso.

No tarda en hacerse de amigo con otros personajes tan solitarios, tan desamparados como él: el chico de las maletas (Diego Luna), un huraño barrendero hindú (Kumar Pallana), la chica de la sala de embarque (Zoe Saldanha), vive un breve romance con Amelia, una aeromoza (Catherine Zeta Jones) y hasta desarrolla una rivalidad, aunque el no la ve como tal, con un burócrata que solo quiere librarse de él.

Una vida normal, en un entorno anormal.

No es casualidad que Spielberg haya escogido para interpretar esta epopeya a Tom Hanks, quien ya venía de protagonizar otra gran película, Náufrago, de la mano de Robert Zemeckis, otro de los discípulos del tío Steven. Así que ya conocía de interpretar personajes en situaciones límites. Y si se fijan bien, pese a las diferencias obvias, la situación que atraviesan es más similar de lo que parece.

La Terminal es una película que funciona bien a lo largo de todo su metraje. Demostrándonos una vez más la buena mano de Spielberg para convertir lo ordinario en extraordinario. Situaciones que le podrían pasar a cualquiera, sin necesidad de momentos de gran espectacularidad, pero lo bastante bien hecha como para quedarse en la memoria.

De hecho, han pasado varios años desde la última vez que vi esta película. Y si me acordé de ella fue precisamente al llegar a Arturo Merino Benítez y hacer la previa antes de abordar. Eso me hizo click y recordé inmediatamente la historia de Viktor. Sentirla tan vigente, tan viva, es porque algo bien hecho tuvo que tener.

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THE TERMINAL

Director:Steven Spielberg

Intérpretes: Tom Hanks; Stanley Tucci; Catherine Zeta Jones; Zoe Saldanha; Diego Luna; Chi McBride; Kumar Pallana.

Comedia

2004

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

Stranger Things: volver a lo básico

Ya suena a lugar común decir “la serie del momento está en Netflix”, pero así no más es. No es cliché ni frase hecha. Es la pura verdad.

Gracias a su modelo de financiamiento, y por el hecho de ser un servicio de stream, libre de las limitantes propias de la televisión tradicional, sobre todo las económicas, lo que le permite dar cabida a toda clase de proyectos. Si, algunos, los menos, han sido los proyectos fallidos, pero la gran mayoría, han resultado obras grandiosas.

Stranger Things es la última de ellas.

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Estrenada en julio pasado, concebida por la dupla conocida como The Duff Brothers, y con el respaldo del director Shawn Levy (Gigantes de Acero), la serie narra en ocho episodios de 45 a 50 minutos, los hechos ocurridos en Hawkins, Indiana, las últimas semanas de 1983. En un pueblo donde nunca pasa nada, donde todo el mundo se conoce y donde los policías matan el tiempo y el tedio jugando naipes o haciendo el puzzle.

Hasta la noche en que desapareció Will Byers, un niño de doce años, luego de no llegar a su casa, tras una extensa jornada de juegos de rol en casa de su amigo Mike Wheeler, al mismo tiempo que en las cercanas instalaciones de un laboratorio secreto ligado al Gobierno, se activan las alarmas, revelando la existencia de una frágil niña y destapando una terrible verdad: que de una u otra forma, no estamos solos.

La primera clave del éxito de Stranger Things, que la convirtió en trending topic durante varios días y tema obligado de conversación, fue de carácter estético: transcurriendo en 1983, recoge la fotografía, iluminación y hasta las técnicas de filmar de la época. Uno llega a pensar que la serie realmente se grabó ese año. Aunque más allá de lo estrictamente visual, los hermanos Duff armaron su relato, recurriendo a referencias fácilmente reconocibles.

La influencia más evidente viene de Stephen King, Steven Spielberg, especialmente los primeros años de su filmografía, el trabajo de realizadores como Joe Dante, John Carpenter o Tobe Hopper, y series como The X Files y The Twilight Zone.

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Si. Stranger Things apela a factores emocionales, a la nostalgia por esas series o películas que marcaron la infancia y juventud, sobre todo del espectador sobre los 30 años, así como por la época en que teníamos todo el tiempo del mundo para vivir con nuestros amigos las más increíbles aventuras. Tiempos más simples, lo que también se refleja en la serie.

Así es como Stranger Things entra y capta seguidores, pero un envase muy bonito no sirve sin un contenido que lo sostenga. No es el caso de esta serie, gracias a la habilidad de los Duff para crear, a partir de influencias diferentes –aunque emparentadas entre sí- para generar un resultado único, novedoso y atractivo en sí mismo.

Los Duff fueron inteligentes para armar un escenario con diversas ramificaciones, cada cual lo suficientemente interesante para seguir y meterse de lleno en la historia, buscando descifrar como estas confluyen para estructurar la historia principal. Nos podemos enfocar en uno de ellos, sin descuidarnos de los demás, ya que de todos extraemos información valiosa para asociarlos y elucubrar nuestras propias teorías al respecto. Y sorprendernos con las conclusiones de la serie y como se relacionan con las nuestras.

El formato de miniserie le favorece mucho. Una temporada estándar de 20 episodios hubiera forzado a estirar o rellenar innecesariamente la historia. Compactarla en una película de dos o tres horas..quizás hubiera cubierto los ángulos principales, pero hubiese dejado afuera elementos valiosos. Los ocho episodios de casi una hora que componen la serie bastan para contar la historia a cabalidad, y se puede disfrutar de un tirón..o en sesiones de dos o tres episodios diarios. La emoción es la misma.

Rechazada por al menos 15 cadenas antes de caer en Netflix, hay que felicitar a este servicio de stream por su buen ojo y dar cabida a producciones como Stranger Things, saliéndose de los cánones y creer en sus propios recursos. Eso nos da producciones como ésta, de la cual ya tenemos asegurada una segunda temporada. Lástima que haya que esperar un año entero todavía…

Esta columna fue publicada también en nuestra web asociada, GamerVip, y contó con la colaboración de @Alexa_Wolf

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fretamalt@hotmail.com   @panchocinepata

cazando fantasmas, exorcizando ratas

Tras largo tiempo de estar distanciadas, la doctora en física Erin Gilbert (Kristen Wigg) y la investigadora de lo paranormal Abby Yates (Melissa McCarthy) han tenido que hacer a un lado sus diferencias, a causa de una serie de fenómenos extraños que se han registrado en Nueva York, que alguna vez fueron objeto de estudio de ambas.

Reclutando a la ingeniero Jillian Holztmann (Kate McKinnon) y una asistente del Metro Patty Tolan (Leslie Jones) deciden poner sus conocimientos y teorías cuando un inédito fenómeno sobrenatural está por producirse..

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Hay proyectos que ha costado que vean la luz y esta tercera película de la franquicia Cazafantasmas.

Originalmente, se planteó retomar la saga con su elenco original (Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis, Sigourney Weaver, Rick Moranis, Ernie Hudson y Annie Potts). Esto a mediados de los 2000, pero la negativa de Moranis a salir de su retiro, el rechazo de Murray a retomar la historia si no era con el elenco original y, finalmente, la muerte de Ramis a principios del 2014, sepultaron el proyecto.

Hasta que finalmente, durante 2015, se supo que el proyecto volvía a tomar forma, esta vez con un elenco integrado exclusivamente por mujeres. Lo que hizo que las antorchas se encendieran.
“Pero como! Si los Cazafantasmas son hombres, no mujeres!..Van a matar la leyenda!!” Ya saben, comentarios salidos más de las gónadas que del cerebro.

El mismo tipo de comentarios que surgieron de los futboleros cuando explotó el fútbol femenino, o por un sector de la comunidad gamer, cuando esta especialidad fue incluida en juegos de fútbol o cuando Alex Morgan, la mayor figura de este deporte, fue incluida en la carátula de FIFA o Pro Evolution Soccer. Es decir, discursos motivados principalmente por la estupidez. Lisa y llana estupidez.

A mi, en lo personal, y siendo fan de los Cazafantasmas desde que vi la película en enero de 1985, y siendo una de las películas por las que me volví cinéfilo, la idea no me molestaba para nada. Si se hacía bien.

Obviamente, iba a ser un problema si el cuarteto protagonista era integrado por Mley Cyrus, Ariana Grande, Nicki Minaj o cualquiera de esas estrellitas pop que pasaron del jardín infantil al night club. Pero cuando supe que el filme sería dirigido por Paul Feig (Brides Maids, Spy) y protagonizado por Kristen Wigg y Melissa McCarthy, entre otras, respiré aliviado.

Aquí viene la pregunta del millón:
¿Funciona?

Si. No a la perfección, quizás, pero funciona.

Ciertamente tiene sus fallas. No tiene la grandeza de la original de 1984. Bueno, tampoco la tenía la secuela de 1989, y eso que era protagonizada por el elenco original (desvirtuando así el argumento de los niños rata, de paso). Por una cuestión simple: la original es demasiado buena.

Tiene, como digo, fallas, principalmente en lo argumental, especialmente luego de avanzada la segunda mitad de la película. La narración avanza sin cerrar adecuadamente ciertos episodios, entre ellos la secuencia del final, que pareció recortada con apuro. Por lo mismo, el villano me pareció flojo y apresuradamente construido.

Ninguna de estas fallas, en todo caso, obedece a una cuestión de género.

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Por el contrario, son sus protagonistas quienes responden por los principales méritos del filme. No vamos a discutir a estas alturas las virtudes de Melissa McCarthy ni de Kristen Wigg, en torno a quienes gira lo medular dela historia. Sorprendente resulta también la actuación de Kate McKinnon, encarnando a Holtzmann, la giro sin tornillos responsable del arsenal del equipo, y de Leslie Jones, mostrando entre el cuarteto una gran química, que rinde justo tributo a la armonía que existía en el elenco original.

Aun con todos sus baches, la historia es atractiva y visualmente espectacular. La mayoría de chistes funciona, así como el fan service, abundante y que complementa bien con la narración.

Así es como este híbrido entre remake y reinicio, cumple con su cometido, en lo cinematográfico, al menos, aunque a la hora de redactar resta reseña, a tres semanas de su estreno y haber tenido un buen fin de semana de arranque, aún no recupera sus costos. Aún hay tiempo, claro, para mejorar el rendimiento y doblarle la mano a los niños rata que disparan cualquier cosa para subir los likes de su canal en youtube. Cazafantasmas será una película imperfecta, pero tiene harto más seso, cojones y méritos que los comentarios histéricos de estos pequeños roedores.

***

GHOSTBUSTERS

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Director: Paul Feig
Intérpretes: Kristen Wigg; Melissa McCarthy; Chris Hemsworth; Kate McKinnon; Leslie Jones; Andy García; Neil Casey
Comedia/Aventuras
2016

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los buenos chicos malos

Asumiendo la existencia de amenazas que escapan de lo que se conoce como normal, la agente de inteligencia Amanda Waller (Viola Davis) ha propuesto una idea insólita: reunir una fuerza de tareas integrada sólo por criminales altamente peligrosos.

Como por ejemplo Deadshot (Will Smith) acaso el mejor asesino a sueldo del mundo; Captain Boomerang (Jai Courtney), un ladrón experto en el uso de estas armas; Diablo (Jay Hernández) un ladronzuelo dotado de piroquinesis; Killer Croc (Adewale Akinnouye-Agbaje), un hombre con piel de cocodrilo; la ex psiquiatra devenida en asesina en serie Harley Quinn (Margot Robbie) y la encarnación de una milenaria bruja, Enchantress (Cara Delevigne).

Para motivar su colaboración, Waller le ofrece la reducción de sus condenas, si las misiones son exitosas..o morir en el intento.

Cuando Enchantress escapa del control de Waller, no queda otra que recurrir a estos insólitos personajes y tratando de no llamar la atención de nadie…a excepción de la del líder criminal The Joker (Jared Leto)…

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Sigo sin entender la mala onda con las películas de DC/Warner. Ok, Batman vs Superman no fue todo lo buena que debió haber sido (aunque se arregló bastante con la Ultimate Edition), y algo parecido está pasando con Suicide Squad: Escuadrón Suicida, que ha dejado mucho sabor agridulce por ahí.

Uno puede entender este desdén a partir de la crítica tradicional y su permanente ninguneo al cine pop-corn, pero no se explica cuando viene del público objetivo…o autoproclamado público objetivo. Ese que se proclama experto porque lee cómics sólo después del boom de las franquicias de Marvel durante esta década, y que vota (vomita) en sitios como Rotten Tomatoes.

No vale la pena quemarse con estos opinantes, puros niños ratas empoderados mal acostumbrados a reclamar porque un mechón de pelo de un personaje X no se parece al que sale en las revistas. O porque la adaptación no es como ellos creen que debe ser. Piensen cuanto lloraron cuando supieron que Deadshot, Harley y el Joker serían encarnados por Smith, Robbie y Leto…(porque ninguno se parece al del cómic!!).

no hay que calentarse con eso, cuando hay formas más sanas de tomarse las cosas. Como por ejemplo, bajando o moderando las expectativas (porque si no, el desplome duele).

No es ser conformista o ingenuo, sino prudente. Y práctico. Es lo que yo hice al menos, y desde esa óptica, Suicide Squad aprueba. Era lo que esperaba..y ¿qué es lo que esperaba?

1-Que la película fuera entretenida.

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Lo es. Sea por las convincientes escenas de acción o por los chistes involucrados. Lo que me parece lógico. No siendo personajes tan conocidos como los de Batman Vs Superman, una manera práctica de introducirlos es apelando a la lisa y llana diversión, y de eso Suicide Squad tiene bastante.

A ratos peca en la sobreinformación (pasan o se dicen demasiadas cosas en pantalla) y hay un par de secuencias en que uno se pierde un poco. Y puede que tanta fluorescencia en el color de la película puede que traiga algunos fantasmas que queríamos olvidar (Batman & Robin). Pero son fallas que se soportan y no comprometen gravemente el desarrollo del filme.

2.-Una correcta construcción de los personajes.

Es cierto que es un grupo de personajes secundarios dentro del Universo DC, pero al menos las caras visibles están bien desempeñadas. Viola Davis convence en el rol de Amanda Waller, un personaje que de un puro grito puede intimidar al mismísimo Batman y de un aletazo mandar a buena parte a cualquier tipo duro. Will Smith funciona bien en el rol de Deadshot y en general el elenco principal está bien en lo suyo.

Aunque, no vamos a negarlo, es Margot Robbie, encarnando a Harley Quinn, la que se roba la película, no sólo en lo meramente estético. Margot y Robbie se vuelven una sola persona en este filme, la compenetración entre ambas es innegable y cumple, con muchos creces su cometido. Este era uno de los detalles que me preocupaba. Junto con Batgirl, Harley es mi personaje femenino favorito del mundo batmaniano, y en tal sentido, salí satisfecho.

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Al igual que con el Joker de Jared Leto. Quizás aún no esté a la altura de Ledger o Hammill, los dos mejores Jokers que he visto, pero va muy bien encaminado. Cuando se estrene la película de Batman en solitario, en dos años más, este será uno de sus puntos relevantes a considerar. Ya superó al Joker de Nicholson, de hecho.

(Me hubiera gustado que Rick Flag-Joel Kinnaman- hubiese tenido algo más de personalidad eso sí..y siento que Katana –Karen Fukuhara- se le pudo sacar mejor provecho).

3.-Fan service y vinculación con otras películas.

Fan service, cameos, tiene bastante aunque mucho de éste hay que saberlo buscar ya que puede no ser tan evidente para el espectador no militante. Y tiene elementos que permiten vincularla con Man of Steel, Batman vs Superman y servir de puente con las películas que vendrán para DC los siguientes años.

Y aunque no era mi prioridad, tiene un soundtrack de pelos.

Así las cosas, este Suicide Squad tiene buena llegada en pantalla grande. Cumple con ser entretenida, presentar nuevos personajes para el universo cinematográfico de DC en ciernes.

No es una película perfecta, en todo caso. Casi a los dos tercios del relato, éste cae en una nebulosa de la cual cuesta salir..o más bien, conectar ese segmento con lo que vino antes y lo que vendrá a continuación. Por otra parte, el paso de villanos a –circunstanciales- héroes, se siente forzado, poco natural..como que dijeron “hey, acuérdense que en esta película nos toca ser los buenos, hagamos como que lo somos”. Eso afecta gravemente la película, y no hace sino darle motivo a sus detractores para hacerla pedazos. Vale, son defectos que joden cualquier película, pero de ahí a sacar antorchas como han hecho por ahí…mucho.

Quizás para los pequeños roedores capaces de ver películas cuadro a cuadro para encontrar ese detallito que comentar en twitter y ganar followers no sea lo que esperaban (nunca lo es), pero para uno que a la misma edad tenía que ser feliz con los Batman de Joel Schumacher, vaya que resulta.

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SUICIDE SQUAD

Director: David Ayers

Intérpretes: Will Smith; Viola Davis; Margot Robbie; Jared Leto; Jay Hernández; Joel Kinnaman; Cara Delevigne; Jai Courtney; Adewale Akinnouye-Agbaje; Karen Fukahara; Scott Eastwood; Ben Affleck; Ezra Miller

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Superhéroes/Aventuras

2016

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un largo comercial…pero de los buenos

En una lejana isla habitada sólo por pájaros, uno de sus habitantes, Red, desde niño ha sido víctima de sus constantes arrebatos de ira. Y tras el último de ellos, ha sido condenado a tomar un curso de autocontrol, donde conoce a Chuck, un pájaro amarillo superveloz, Bomb, un ave negra con tendencia a explotar, y Terence, un gigante al que nadie se atreve a contradecir.

Cierto día, Red, al igual que todos sus vecinos, reciben en la playa un barco tripulado por un grupo de cerdos verdes que no tardan en caerle bien a los nativos. Sin embargo, Red sospecha de las reales intenciones de estos inmigrantes…

Es la triste realidad: desde que el cine, la televisión, la animación y sus derivados, se consolidaron como medios masivos, se convirtieron en plataformas publicitarias para otros productos, especialmente aquellos de fácil entrada en ciertos públicos objetivos.

Pues ¿para qué cabecearse haciendo comerciales de un minuto a exhibir en cualquier horario, cuando puedes hacer comerciales diarios de media hora, en un horario estable, presentando un cuento medianamente atractivo para crear en el cliente la necesidad..la urgencia..de tener tal o cual personaje?

Y así ha sido desde siempre. Que lo digan He-Man, los Transformers o My Little Pony.

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Ahora, no por ser herramientas de marketing, estos productos tienen que ser obligatoriamente mertos artefactos sin contenido al servicio del bien comerciable. Si, hay reverendas basuras como los videos de Max Steel, Monster High o Bratz, pero también hay cosas buenas. Ni He-Man ni Transformers llegaron a ser los clásicos en que se convirtieron sin un cuento atractivo en que sostenerse. Lo mismo My Little Pony, sobre todo su última generación (tengo una cónyuge y dos ahijadas que lo corroboran).

Es en este grupo donde podemos poner Angry Birds: La Película.

Adaptación del popular juego para móviles lanzado a principios de década, que ha ganado un gigantesco séquito de fans y respetables alianzas estratégicas con, por ejemplo, Star Wars, esta película admite sin complejos su condición de herramienta de marketing.

Este gesto de honestidad se valora, ciertamente. Pero es más que eso. Cierto que es un comercial de noventa minutos de una aplicación, pero tiene al menos el buen gusto de caer en lo obvio. O sea, pudiendo limitarse a presentar a los personajes y sus gracias, prefiere armar un contenido atractivo, interesante, hasta correcto dentro de lo que cabría esperar (hablamos de un conflicto entre pájaros y cerdos por unos huevos!).

El diseño de los personajes es agradable a la vista (conociendo los personajes del juego, se pudo haber esperado cualquier cosa) y la narración resulta ágil y entretenida, fundada en mucho humor visual, slapstick, algo de humor de baño, y unos cuantos guiños a la cultura pop que la convierten en una película atractiva y muy divertida para cualquier edad.

Lo que son las cosas. En menos de dos semanas vi dos adaptaciones de videojuegos. Y donde Warcraft es una historia de proporciones épicas que cae por el peso de sus exageradas pretensiones, estos pájaros mal genio, con una historia mucho más simple, tonta incluso, deja harto más conforme al espectador, incluso a aquellos que nunca han tenido en sus manos un Smartphone.

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ANGRY BIRDS: THE MOVIE

Director: Clay Katis; Fergar Reilly

Animación

2016

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