hizo bien la tarea..con lo justo

En una oficina antiterrorista del FBI en Los Angeles, el agente Ray Kasten (Chiwetel Ejiofor) y la representante de la fiscalía Jess Cobb (Julia Roberts), interrumpen su diaria rutina, vigilando una mezquita que serviría de refugio a una presunta célula terrorista, para recibir a su nueva superior jerárquico, la asistente del fiscal Claire Sloan (Nicole Kidman).

Cierto día, reciben un llamado acerca del hallazgo del cadáver de una joven mujer, aparentemente violada y golpeada hasta morir. Como está junto a la mezquita que están investigando, Ray y Jess llegan a la escena del crimen y, al reconocer a la víctima, la resolución de este caso se convertirá en algo personal, y en una obsesión…

Debo confesar que tenía mis aprehensiones. Como las tengo siempre con los remakes al estilo Hollywood de grandes películas de otras latitudes. El cedazo que la industria aplica sobre el material original para hacerlo entendible para la mentalidad gringa suele ser bastante cruel..o a veces también incompetente..y desnaturaliza de tal manera la obra primitiva que termina matándolas.

Bueno, en el caso de El Secreto de Una Obsesión, remake de la película argentina de 2009 El Secreto De Sus Ojos, dirigida por Juan José Campanella,  ganadora del Oscar a la Mejor Película de idioma no inglés,  y a partir de la novela de Eduardo Sacher, tenía todo el derecho del mundo a sentirme desconfiado. No en vano estamos hablando de una de las grandes películas a nivel local, regional y, por qué no decirlo, mundial.

Providencialmente, este remake, dirigido por Billy Ray, un personaje cuyo curriculum como director se reduce a dos olvidados thrillers, Shattered Glass, en 2003, y Breach, en 2007, pero ha sido escritor de filmes como Volcano, el primer capítulo de los Juegos del Hambre y la notable Capitán Philips, si bien está muy lejos de la grandeza de la original, cumple la tarea con dignidad.

Es cierto, introduce cambios necesarios para que la historia sea entendida por su público objetivo. Obvio, para el estadounidense, acostumbrado a ver que la justicia criminal funciona de manera totalmente distinta al procedimiento escrito en que es el juez el que encabeza una investigación (el procedimiento que imperaba en Chile hasta hace unos años y que sigue inspirando en algunos países) o que ciertos personajes gozaren del amparo de la dictadura de turno puede ser confuso. Así que hubo que cambiarlo por investigadores propiamente tales y personajes beneficiados con otra clase de beneficios, más adecuados a su idiosincrasia.

Los cambios funcionan, no desnaturalizan la historia, la acomodan bien a su realidad y a rasgos generales funciona. El trabajo de Billy Ray aprueba, y no lo digo por palabras de buena crianza o benevolencia, sino que porque de verdad tiene sus méritos para salir bien parada, partiendo del guión, su construcción y su narración. Las actuaciones, las principales, dentro del marco de esta adaptación, cumplen y en general uno queda enganchado con seguir la película hasta el final.

No es extraordinaria, pero pasa.

Lo único que se le podría reprochar, y esto puede parecer bastante subjetivo, aunque parece que no soy sólo yo quien lo cree, pero se nota demasiado que fue un trabajo por encargo.

¿Cómo así? Basta una mirada de ambas películas, la original y el remake, para darse cuenta, sin necesidad de ser muy erudito, pero sí tener cierto nivel de sensibilidad, para darse cuenta del cariño, de la dedicación, del sentimiento que Campanella puso en su trabajo, que no se ve en el trabajo de Ray. Y que se traduce es en lo, para bien o para mal, descolocado con la historia contada por el argentino, eso que te golpea fuerte, eso que te deja la película dándote vueltas y con ganas de verla de nuevo. Cosa que el trabajo de Ray no hace.

No quiero ser malinterpretado. La versión de Billy Ray es buena, pero, por explicarlo de alguna forma, fue ese alumno que se limitó a hacer la tarea bien para sacarse la nota justa para aprobar. Hace un trabajo digno, respetuoso, respetable, a ratos interesante..pero que difícilmente se recordará (como ya no lo hice con sus otras producciones anteriores).

No dio para más. Si, es un filme bien llevado, sin puntos muy bajos, pero que se limita a ser correcto, dejar satisfecho al observador y, en su favor, digamos que lo deja a uno con ganas de ver de nuevo la original. Ya lo hice y quiero puro volver a escribir de ella pronto. En cuanto a este remake, buen intento.

***

THE SECRET ON THEIR EYES

Director: Billy Ray

Intérpretes: Chiwetel Ejiofor; Nicole Kidman; Julia Roberts; Alfred Molina; Dean Norris; Joe Cole; Michael Kelly

Suspenso

2015

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

el pasillo de los milagros

Con motivo del cumpleaños número 69 de Stephen King, hace unos días, me puse a revisar la biblioteca y dvdteca, pensando en homenajear al maestro, recordando que hace un par de años atrás decidí como mi relato kingniano favorito a La Milla Verde.

Si, estoy hablando del mismo Stephen King, el más importante y el más popular de los cultores de la literatura de terror y de lo fantástico. Y mi narración suya favorita es una donde lo fantástico se toca en forma más tangencial que en el resto de su narrativa.

el punto es que me di cuenta que no sólo es mi novela favorita, sino además mi adaptación favorita de un relato suyo. Esta fue estrenada en 1999, con el nombre de Milagros Inesperados, dirigida por Frank Darabont y protagonizada por Tom Hanks. Como no había comentado nada de ella sino en forma tangencial, y sigo en esta cruzada por rescatar y revisitar títulos de otros años pero que siguen valiendo la pena…

Todo comienza en un asilo, donde uno de sus residentes, de más de cien años de edad, cuenta su vida a una amiga, también residente, contándole que durante los ’30, se llamaba Paul Edgecomb (Tom Hanks), era gendarme y, junto a otros oficiales, estaba a cargo de la sección de los condenados a muerte, en una prisión del estado de Luisiana, conocida como la Milla Verde, por el color del suelo de la sección, verde de tanto moho acumulado.

Y aunque podría suponerse que es una tarea difícil, no en vano hablamos de reos cuya peligrosidad es tal que no queda otra que aplicarles la pena capital, en realidad es un trabajo tranquilo, pues ya varios de estos condenados están resignados, esperando su hora final, y al menos intentando lograr cierta redención.

Cierto día, reciben a un afroamericano llamado John Coffey (Michael Clarke Duncan), un individuo gigante como un oso, pero con el alma y carácter de un niño, acusado de violar y asesinar a las hijas de un granjero. Esto descoloca a Edgecomb y los suyos, ya que la conducta de Coffey, su actitud, difícilmente se puede asociar a la de un asesino así de bárbaro. Especialmente, cuando con el correr de los días, Coffey ejecutará ciertas hazañas que sorprenderán a sus compañeros de prisión y a sus custodios.

Es una curiosidad dentro de la bibliografía de King. Como decía antes, el factor fantástico se presenta de un modo tangencial, encarnado en la figura de John Coffey, un individuo tan enorme como ingenuo y bonachón. Su aspecto físico nos remitiría a un criminal, si, pero su personalidad es todo lo contrario. Y es un personaje dotado de una extraña capacidad para poner en práctica ciertos prodigios.

Edgecomb, un hombre ya maduro a la época de estos acontecimientos, que ya ha cumplido la mayoría de metas de su vida y que ya no se sorprende mucho con algunas cosas, atestigua de primera fuente estos prodigios, cuando Coffey, con sólo tocarlo, lo cura de una dolorosa infección renal que le hacía la vida imposible. Este hecho, y la existencia de Coffey le hace replantearse muchas cosas tras observar ésta y otras proezas. Ni la vida de Edgecomb ni la de ninguno de sus hombres volvió a ser la misma tras conocer a John Coffey.

Frank Darabont, quien como decíamos ya había trabajado sobre material de King (Sueños de Libertad..e insistiría con él en La Niebla, casi una década después), y su desempeño es sobrecogedor. Reconstruye la época y contexto históricos en que transcurre la novela (1930 y el momento en que Paul Edgecomb relata la historia), enfocando en el reducido entorno en que transcurre lo principal y en su estilo de vida. Este pequeño grupo humano de reos que pasan sus últimos días resignados ante la inevitabilidad de su condena, y de vigilantes que se convierten en la última familia que verán en sus vidas. Grupo humano que alterará enormemente sus existencias con la aparición de Coffey.

El nivel de las interpretaciones es parejo, destacando a Tom Hanks, en el rol de Edgecomb, encarnando el proceso de transformación que vive este vigilante luego de convivir con John Coffey, con todo lo bueno y lo malo que eso conllevará a la larga. Aunque es Michael Clarke Duncan por quien hay que ponerse de pie y aplaudir.

Sin preparación actoral formal, Duncan, hasta entonces guardaespaldas de famosos, ya acumulaba unas cuantas actuaciones secundarias sin mucha relevancia (salvo quizás en Armageddon, de Michael Bay, el mismo año) y casi todas haciendo de grandote poco seso bueno para los combos. El cambio de este tipo de personajes a John Coffey, un individuo de muy buena voluntad, inocente y temeroso como un niño es radical, pero Duncan lo asume a la perfección, dándole una realidad, una consistencia a Coffey que nos hace tomarle cariño, comprender que más allá de su bondad hay una tristeza insalvable ante un mundo y ante una humanidad que no alcanza a entender, y su inevitable destino nos duele.

En una historia que, pese a su dramatismo, se da el minuto para introducir su dosis de acción y de humor, necesarios para que la historia corra con fluidez.

Son esas las cosas por las que, más allá de las adolescentes perdedoras con telequinesis, criaturas extradimensionales disfrazadas de payasos, escritores a los que el aislamiento vuelve locos, fanáticas de escritores que rayan en la psicopatía, tipos con poder de ver el futuro, seres enterrados en cementerios indios que vuelven a la vida, perros convertidos en asesinos, niños con piroquinesis y en general todo aquello que ha poblado la literatura de King, es esta historia de época mi favorita de sus novelas y de sus adaptaciones cinematográficas. Tal vez no sea mejor que el resto, pero por Dios que me pegó fuerte.

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THE GREEN MILE

Director: Frank Darabont

Intérpretes: Tom Hanks; Michael Clarke Duncan; David Morse; Bonnie Hunt; James Cromwell; Patricia Clarkson; Sam Rockwell; Barry Pepper; Harry Dean Stanton

Drama/Fantasía/Misterio

1999

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traspasando la frontera final

Han pasado tres de los cinco años de viaje a bordo del Enterprise y su tripulación, al mando de su capitán James T. Kirk (Chris Pine) y su primer oficial Spock (Zachary Quinto) esperan con ansias arribar a una base de la Federación de Planetas y tomarse un descanso por unos días.

Sin embargo, el descanso no dura mucho, cuando se intercepta una llamada de auxilio, de parte de una nave no identificada atrapada en una nebulosa. La Enterprise se pone en camino de inmediato.

Pero al llegar, Kirk y su gente descubren que es una trampa, cuando la nave es atrapada por Krall (Idris Belba), líder de una belicosa especie que busca tomar el control de la Federación, que rápidamente reduce a la tripulación, que alcanza a salvarse, pero repartiéndose a lo largo y ancho de un desconocido planeta…

Desde que J.J. Abrams reiniciara la franquicia Star Trek, en 2009, siempre tuvo el acierto de rescatar el tremendo potencial de filme de acción y aventuras que la saga tuvo desde sus orígenes a mediados de los ’60 en televisión, cosa que permitió reencantar a muchos fans, conquistar nuevos públicos que nunca le habían dado bola, aunque eso le valió el repudio de un sector minoritario de trekkers más recalcitrantes, que consideraron que esto era una infracción al espíritu de exploración y divulgación científica de la serie (“convirtió Star Trek en Star Wars!! Llegaron a decir..como si eso fuera un insulto).

Dije en una columna anterior que no es necesario ser tan talibán. Estamos hablando de sagas de sci-fi, no de política, religión ni fútbol, y ambas sagas pueden retroalimentarse y aprender la una de la otra (lo que no pasa en política, ni en la religión, ni en el fútbol). Como fuera, el empujón le permitió a Star Trek una secuela bastante bien recibida (Into Darkness, en 2013) y la más reciente, Star Trek: Sin Límites, recientemente estrenada, pero que tuvo algunos vaivenes que hicieron peligrar..o postergar más de la cuenta..su lanzamiento.

Es de todos conocido que Abrams dejó la franquicia para pasar a la vereda del frente, poniendo el entorno trekkie en entredicho. Hasta que se confirmó a Justin Lin, hasta entonces director de varias Rápido y Furioso (franquicia donde el vértigo y las emociones fuertes son el ingrediente principal) para hacerse cargo de esta tercera película.

La apuesta funciona. Mejor de lo que se esperaba, incluso enfrentando un estreno algo postergado y que rebotó en una taquilla e impacto menor a lo que se calculaba (se estrenó en plena explosión blockbuster en EEUU, a mediados de julio y pasó bastante desapercibida, motivo por el cual su estreno en el resto del mundo fue aplazado hasta una fecha en que fuera menos arriesgado presentarla. Es cierto, está lejos de ser un fracaso en taquilla, pero su desempeño no ha sido el ideal…si lo comparamos con otros estrenos del año como Civil War o Batman vs Superman).

El punto es que la historia funciona, respetando sus fuentes más próximas. Es decir, valora por igual el factor exploración del universo, descubrimiento y contacto con otros mundos, pasando por toda clase de circunstancias en el proceso (el leit motiv de la serie original, de sus películas y secuelas televisivas) pero sin menospreciar el factor diversión. Y aquí es donde mejor se nota la mano de Lin: escenas de acción, de batalla y persecuciones realmente emocionantes, y que constituyen parte de lo mejor que hemos visto este año en este ámbito.

La introducción de Simon Pegg, uno de los comediantes ingleses más populares de la última década, y que aquí interpreta al ingeniero Montgomery Scott..Scotty para los amigos, al cuerpo de guionistas también resulta acertada, ya que explora un campo en que las Star Trek,si bien mantenían, lo hacían en un plano bastante rezagado: el humor. Aquí hay abundante, en el momento preciso, en el contexto debido y en la proporción correcta, lo que le ayuda bastante a la cinta.

Y hasta se despacha un par de momentos emotivos, al recordar a Leonard Nimoy, el Spock original, y Anton Yelchin (Chekov en esta versión), fallecidos entre el capítulo anterior y éste. E introduce nuevos personajes, buenos y malos, que ayudan a llevar al Enterprise a buen puerto.

El trabajo de Lin resulta una bocanada de aire fresco para una franquicia que ya cumplió el medio siglo. Saga que, si bien nunca ha dado señales de fatiga de material (aun cuando sus protagonistas, Spock y Kirk parezca sufrirlo, según se da a entender en el primer acto de la película) nunca le viene mal un salpicón de agua fría no sólo para no decaer, sino más bien para seguir caminando a paso firme. La buena salud de Star Trek no sólo es una buena señal para la saga, sino además para un cine blockbuster que, en lo que va de esta temporada, ha tenido más tiros al aire que aciertos.

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STAR TREK BEYOND

Director: Justin Lin

Intérpretes: Chris Pine; Zachary Quinto; Zoe Saldanha; Karl Urban; Anton Yelchin; John Cho; Idris Belba; Sofia Boutella

Ciencia Ficción, 2016

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

CURTIS HANSON 1945-2016

Aunque venía desempeñándose como guionista desde principios de los ’70, Curtis Hanson tuvo un tímido inicio como director durante los ’80, destapándose a principios de la siguiente década con thrillers como Malas Influencias (1990), La Mano Que Mece La Cuna (1992) y Río Salvaje (1994). Aunque su mejor momento llegaría en 1997 con el estreno de Los Angeles Al Desnudo (1997).

Esta adaptación de la novela noir de James Ellroy, con Russell Crowe, Guy Pearce, Kevin Spacey y Kim Basinger en los roles principales, lo puso en la primera línea de realizadores estadounidenses de su época, que de no haber sido por Titanic, filme con el que tuvo que competir en varias premiaciones, habría arrasado con éstas (aunque igual se llevó un Oscar como mejor guión adaptado, y otro como mejor actriz secundaria para Basinger).

Su buena racha siguió con la imprescindible Wonder Boys: Fin de Semana de Locos (2000), adaptación de la novela homónima de Michael Chabon, con Michael Douglas en el rol de un escritor en crisis, junto a Frances McDormand, Katie Holmes, Tobey Maguire y un Robert Downey Jr que así iniciaba su regreso a las grandes ligas tras un período de oscuridad. La película se adjudicó un Oscar a la mejor canción original por Things Have Changed, de Bob Dylan.

Luego entraría en un período algo más bajo en presencia, pero no en calidad, con filmes como 8 Mile (2002), con Eminem y una vez más con Kim Basinger, En Tus Zapatos (2007), con Toni Colette y Cameron Díaz, Lucky You (2007) con Eric Bana y Drew Barrymore, y el mockumental Too Big To Fail (2011), acerca de la trastienda de la crisis económica de 2008, cerrando su producción en 2012 en el filme Chasing Mavericks, hecho a medias con su colega Michael Apted.

Hanson falleció anoche, a los 71, por causas naturales, en su casa de Hollywood Hills, engrosando la lista en un año 2016 que, para colmo, aún no piensa terminar.

Quedémonos con el legado de Hanson. Wonder Boys fue estrenada el mismo año y pegadita con Alta Fidelidad y Casi Famosos, y además las vi con muy poca diferencia, y ciertamente fueron tres filmes que me hicieron redefinir muchas cosas importantes de la vida. Con ese me quedo yo.

QEPD

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su fracaso es imposible

Uno de los grandes hitos de la televisión, que este año también cumplió el medio siglo desde su estreno es Misión: Imposible. Creada por Bruce Geller en 1966, y con esa inolvidable partitura de Lalo Schifrin, durante siete años nos presentó las peripecias del equipo de inteligencia MIF (Mission: Impossible Force), encabezado por Jim Phelps (Peter Graves), dedicado a la investigación de las más complicadas intrigas internacionales.

Un hito dentro del género del espionaje, que comenzaba siempre con Phelps recibiendo una grabación informándole de sus objetivos, indicaciones para conseguirlo, y culminando inevitablemente con el clásico “si usted o un integrante de su equipo es detenido, el gobierno negará conocimiento de sus acciones…este mensaje se autodestruirá en cinco segundos” y la consiguiente destrucción de la grabación. Hecho, Phelps reunía un equipo de agentes especializados en diversas áreas, para dar cumplimiento a la tarea.

Lo cierto es que, como una tendencia que ya venía siendo desde los ’90, Misión Imposible fue llevada al cine en 1996, de la mano de Brian De Palma. No era un desafío menor, no olvidemos que en esa época la guerra fría ya había pasado y no era fácil encontrar nuevos enemigos que enfrentar pero, tal como pasó con James Bond, sus creadores fueron lo bastante listos para reenfocar la historia y darle una motivación.

Y hay que decirlo, es una de las pocas veces, si no la única, en que el traspaso de formato ha funcionado. De hecho, logró cuatro secuelas (2000, 2006, 2011 y 2015) y viene en camino una sexta. Y si bien no todas son igualmente buenas, no podemos tampoco decir que alguna de ellas sea mala.

Repasemos, entonces, la que comenzó todo, la que nos convoca.

Un grupo de MIF, encabezado por Jim Phelps (Jon Voight) en Praga, República Checa, es reclutado para recuperar una serie de archivos relacionados con las identidades de agentes de la fuerza robados y que habrían sido entregados en esta ciudad. Sin embargo, la operación es saboteada, varios agentes pierden la vida y sólo se salva Ethan Hunt (Tom Cruise) un promisorio agente de la organización reclutado por Phelps para esta operación.

Al informar del sabotaje, los directores de MIF sospechan de Hunt y consideran que actúa como doble agente, viéndose éste último obligado a escapar y organizar su propio equipo para encontrar al saboteador, limpiar su nombre y restablecer los archivos de la entidad.

La película es totalmente respetuosa de su original. En cuanto a temática, estructura y composición. La serie tenía intriga, emoción, tensión, romance, acción, humor..y la película respeta todo eso. Si a ello le agregamos el oficio de Brian De Palma (en quizás su última gran película antes de caer en un estado de confusión del que todavía no sale) tenemos una película que cumple con todos los códigos que han hecho del cine de espionaje uno de los más populares de todos.

De Palma construye un filme que desde el minuto 00:01 nos tiene enganchados y no nos suelta hasta que empiezan a correr los créditos finales. En todas las escenas de la película pasa algo, y no son pocas las que terminamos agarrados del asiento y a punto de caernos de él de agarrados que nos tiene. Piensen en la escena de Tom Cruise colgando dentro de una bóveda, una de las secuencias más populares e imitadas de la película.

Y si bien muchos les puede causar desagrado ipso facto el hecho de que sea Tom Cruise el protagonista, y a la larga el gran promotor de esta saga (su productora ostenta los derechos de la serie para sus adaptaciones). Todos sabemos que el ego del buen Tom es un poco excesivo y suele jugarle malas pasadas, pero también sabemos, y en esto hemos insistido en este blog, que cuando Cruise se pone las pilas con una historia, se las pone en serio.

Cierto que Cruise está detrás de películas como las de esta saga para su lucimiento personal, pero es consciente de que el espectador quiere ser tomado en serio. Uno no paga una entrada, un disco o un servicio determinado para ver un loco mirándose al espejo dos horas. Cruise lo sabe y por eso, la gran mayoría de sus películas, más que autocelebrarse nos quiere convencer de por qué lo hace y por qué deberíamos adorarlo también, y le funciona. Nos convence, lo celebramos y le encontramos la razón. Vale, Cruise se agranda con estas películas, pero en la medida en que el crecimiento es mutuo, Cruise se agranda en la medida que la película lo haga.

Por algo esta saga ha resistido por dos décadas, en cinco películas que en ningún momento se desinfla. La calidad de las películas de MI se ha mantenido estable con el tiempo y no parece que se fuera a extinguir.

Y es que con la partida que tuvo con este muy buen primer capítulo, hubiera sido una pena que MI hubiera caído en el mismo saco que muchas sagas que al segundo o tercer capítulo se desinflan. Nada de eso, por suerte, Misión: Imposible se ha consolidado y constituido una necesaria y sana excepción a la regla.

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MISSION: IMPOSSIBLE

Director: Brian De Palma

Intérpretes: Tom Cruise; Jon Voight; Emanuelle Beart; Jean Reno; Ving Rhames; Kristin Scott-Thomas; Vanessa Redgrave

Espionaje

1996

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

 

un gran momento

1986 fue un año clave para el movimiento denominado Rock Latino, que surgió en el Cono Sur durante los ’80. Era el año en que muchas bandas daban el salto y lanzaban sus primeros trabajos, amparados en la alta rotación que ya habían logrado a nivel radial y dentro del circuito de los conciertos, y otros que ya habían sorteado, con éxito, la barrera del primer disco se la jugaban ya por el segundo,  o el tercero en ciertos casos.

Era el año en que debutaban discográficamente bandas como Electrodomésticos, Aparato Rato, Viena, a este lado de la cordillera, o Los Fabulosos Cadillacs (aunque su primer disco fue de 1985 fue en 1986 que este empezó a rotar fuerte), Mguel Mateos o G.I.T., ya en el tercero (y es lógico, el movimiento empezó en Argentina mucho antes que aquí).

Sin embargo, la mayor atención estaba puesta en dos bandas en particular, una a cada lado de Los Andes, y cada una como nave insignia del movimiento en sus respectivos países.

Los Prisioneros, por el lado chileno, y Soda Stereo, por el argentino.

Los Prisioneros ya llevaban un par de años sonando con La Voz de los ’80, lanzado inicialmente en forma independiente y relanzado poco después bajo el auspicio de la multinacional EMI, y ya se habían recorrido casi todo Chile y empezado a viajar por los alrededores, incluso en un medio donde la censura previa y la represión estaba a la orden del día. Soda Stereo, en cambio, ya era número puesto en las carteleras con dos álbumes superventas y, ciertamente, hartos singles rotando casi todo el día por radio y programas de videoclips (claro que con el apoyo mediático e industrial abierto que sus pares chilenos no tuvieron en su momento).

Ambos, como decían, eran el rostro emblemático de la escena rock en sus países, y muchas veces se habló de una rivalidad tipo Beatles/Stones entre ellos y que los propios músicos alimentaban a través de los medios (aunque años después tanto Jorge González como Gustavo Cerati se manifestarían el mayor de los respetos, y que entonces sólo seguían el juego de los medios). Por eso, que lanzaran sus nuevos trabajos casi al mismo tiempo no era un hecho menor.

Pateando Piedras (EMI, 1986) fue registrado en junio de 1986, compuesto en su totalidad por Jorge González, producido y grabado por Alejandro Lyon, y ostenta algunas diferencias marcadas con su antecesor, La Voz de los ’80. Las más evidentes dicen relación con la sonoridad y arreglos musicales del trabajo. Tras el lanzamiento de su disco debut, y mientras componía este disco, González había descubierto bandas como Pet Shop Boys, Depeche Mode y Kraftwerk, entre otras, y quedó tan enganchado con su sonido, que quiso replicarlo.

Aprovechando las interesantes ganancias que dejó el disco debut, así como su gira promocional, decidió reinvertirlas adquiriendo sintetizadores, baterías electrónicas y samplers y tras aprender a usarlos, los aplicó casi en su totalidad, en desmedro del sonido más crudo y guitarrero que venían haciendo hasta ahora.

La segunda diferencia es menos marcada, pero se nota igual, en cuanto el contenido sociopolítico del disco es innegable.  Cierto, hay canciones de amor, despecho y desolación como Por Favor, Estar Solo, y otras algo más lúdicas como Una Mujer Que No Llame La Atención, pero los temas de contingencia son los que gobiernan la parte lírica. Repasemos: Muevan Las Industrias (acerca de la recesión) Por Qué No Se Van (una ácida lectura respecto de los círculos intelectuales en los que ellos como banda no eran muy bien vistos); El Baile de Los Que Sobran (la cesantía, la falta de oportunidades, en el que es por lejos la canción más importante de Los Prisioneros); Quieren Dinero (el vil dinero como motor de la actividad del hombre…el diálogo entre González y su entonces manager Carlos Fonseca, al medio del tema es inolvidable); Por Qué Los Ricos; Independencia Cultural; Exijo Ser Un Héroe.

Pero más allá de las diferencias estilísticas, Los Prisioneros seguían siendo Los Prisioneros. Y la grandeza que ya venían anunciando en La Voz de los 80, aquí la ratificaron con intereses. Fue un éxito de ventas rápidamente (cinco mil copias en pocos días desde su lanzamiento) lo que demostraba que estábamos ante una banda tan grande que no había censura que valiera ni represión que pudiera detenerlos.

Como la gran mayoría de sus canciones, las de Pateando Piedras se siguen manteniendo vigentes, lo que es bueno por ellos, pero triste a la vez en cierto modo (porque quiere decir que como país no hemos cambiado mucho en estas tres décadas).

Allende Los Andes, Soda ya venía de dos discos de éxito (el debut de 1984 y el exitoso Nada Personal), y con un subcontinente a sus pies (ya para entonces habían conquistado Sudamérica y daban sus primeros pasos en el difícil medio mexicano, la prueba de fuego para la internacionalización de cualquier carrera), y sin perder tiempo de despacharon Signos, su tercer trabajo que, al igual que en el caso de Los Prisioneros, tuvo ciertos detalles que lo diferenciaban de sus discos anteriores.

Si, mantenían la sonoridad post punk y new wave de sus primeros trabajos, pero en este caso, también irrumpieron los instrumentos electrónicos como parte de la orquesta. por otro lado, comenzaron a aparecer canciones más elaboradas en sus arreglos, como en sus letras, lo que se notaba en el hecho de que algunas de ellas sobrepasaban los cinco minutos y medio de duración, algo que no siempre se da en el pop con buenos resultados.

Era el caso de El Rito, Prófugos, Signos o Final Caja Negra, que junto a otros temas como Sin Sobresaltos, No Existes y Persiana Americana demostraban que se podían dar composiciones más complejas, letras más profundas sin dejar de sonar bien dentro del pop. es decir, este nivel de composición no es privativo del prog-rock o del heavy metal si se sabe hacer.

Grabado en California, Signos fue lanzado en noviembre de 1986 y fue seguido de una gira continental que afianzó a Soda Stereo como el grupo más importante de su generación (gira que los trajo a dar dos memorables shows en el Festival de Viña de 1987, y que fue registrada en el siguiente trabajo Ruido Blanco) pero más allá de eso, sentó las bases definitivas del sonido de Soda, que tendría su máxima expresión cuatro años después en el fundamental Canción Animal.

Para el que estuvo en ese preciso momento y lugar, de encontrarse con ambos trabajos en el momento en que fueron lanzados, debe haber sido glorioso. Yo entonces apenas tenía diez años, pero algo empezaba a saber de música y definir mis gustos musicales. Y creo que estos dos trabajos fueron un buen punto para empezar.

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

 

50 años de recorrer las estrellas

No voy a desconocer que el aniversario 50 de Star Trek, sea un hecho digno de celebrar. No en vano, estamos hablando de una de las series fundamentales dentro de la ciencia ficción y aquella en virtud de la cual se acuñó el concepto de fandom. Pero me cuesta un poco hablar de ella.

No me tomen a mal, le tengo un gran respeto a Star Trek, me parece una buena saga, sus películas, sobre todo las últimas realmente las he disfrutado mucho, pero nunca me voló realmente la cabeza como si lo hizo la eterna rival de esta saga, es decir, Star Wars.

Pero como esto no es religión (bueno, en cierto modo sí) ni fútbol, uno puede tener dentro de su fanatismo a ambas sagas sin sentirse culpable. Mi devoción a la franquicia de George Lucas es absoluta e inquebrantable (si me banqué las precuelas…), nada me impide tenerle respeto a una saga que, encima, apareció y venía rompiéndola mucho antes.

Star Trek (aquí conocida como Viaje a las Estrellas..que aquí transmitió el ex Canal 11 hoy CHV a principios de los ’80) fue creada por Gene Rodenberry, productor y director de televisión, que se desempeñaba como tal en una época dorada para la televisión abierta estadounidense. Mucho antes de HBO, de Netflix u otros formatos, en EEUU sólo había tres grandes cadenas que se repartían el público: Abc, Nbc, Cbs. La pelea por un espacio en dichas señales era dura y la serie que conseguía un espacio en dichos medios, tenía que defenderlo con garras.

Ese fue el escenario, en que además la ciencia ficción y lo fantástico vivía un gran momento (gracias a series como Twilight Zone, Tierra de Gigantes, Viaje Fantástico, en fin), Rodenberry puso en marcha su proyecto, que narraba los viajes y aventuras de la tripulación de la nave interestelar Enterprise. Transcurriendo en el Siglo XXIII, la misión de esta nave es descubrir nuevos mundos, conocer nuevas formas de vida y “llegar donde ningún hombre ha llegado jamás”, según rezaba su prólogo.

La serie se instalaba en un escenario en que la humanidad había conseguido superar sus diferencias, y conformaba una sola gran nación planetaria, por lo que su tripulación, en lo que fue su primer gran hito, no era de extrañar que fuera multirracial: James T. Kirk, capitán (estadounidense), el médico Leonard “Bones” McCoy (estadounidense), el ingeniero Montgomery “Scotty” Scott (inglés), el teniente Hikari Sulu (japonés), la oficial de comunicaciones Nyota Uhura (afroamericana), el alférez Pavel Chekov(ruso..si, en plena guerra fría!!) y el primer oficial Spock, del planeta Vulcano, quien se convirtió en el personaje más icónico de la serie, encarnado por el recordado Leonard Nimoy.

Star Trek consiguió mantenerse al aire entre 1966 y 1970, pero su audiencia fue bajando, hasta su cancelación, y fue ese hecho precisamente el que dio pie a su mito.

Es cierto que no tenía una audiencia que justificara su mantención pero, luego de ser cancelada, se descubrió que existía un contingente no menor de seguidores de la serie. Gente de todas las edades dispuesta a reunirse en torno a la serie, conversar de ella, elaborar sus propias historias, disfrazarse de sus personajes…y que un buen día comenzaron a hacer ruido, logrando la reposición de la serie. No una vez, sino que varias veces. Inicialmente a unos horarios de pacotilla, pero que luego se fueron programando en momentos más decentes. Quizás no era un rating impresionante, pero era un rating leal.

Así fue como nació el fandom.

Si, para entonces existían seguidores de otras series o géneros. Pero por lo general eran personas que se entusiasmaban con un concepto un tiempo determinado y luego, cual moda, se dejaba. No más. Desde Star Trek apareció el fan militante, recalcitrante, organizado, capaz de gritar con orgullo su devoción por un tema determinado, hacer respetar su fetiche y reclamar por ello si fuera el caso, hasta lograrlo (háganse un favor y vean el documental Trekkies, para entender este fenómeno).

Eso permitió que Star Trek se mantuviera al aire incluso varios años después de cancelarse, obteniendo un revival a mediados de los ’70 con una serie animada de corta duración y, luego del boom de la sci-fi a fines de esa década gracias a Spielberg y Lucas, las películas estrenadas a partir de la serie, la primera de ellas en 1979, que no sólo mantuvieron viva la mitología, sino que ingresaron nuevos conceptos a la misma (¿¿como olvidar el grito de Kirk al final de la segunda película, La Ira De Khan??)

El mundo necesitaba más Star Trek, sin duda, y eso vino a fines de los ’80, con el regreso de la serie a la televisión, pero con una pequeña diferencia: misma nave, misma misión…nuevas caras. En un golpe de timón muy interesante, la nueva serie transcurría largo tiempo después de la original, y protagonizada por una nueva tripulación, encabezada por el capitán Jean Luc Picard (Patrick Stewart)..ustedes podrían pensar que este cambio radical en el casting podía perjudicar el desempeño de la serie (si la miramos pensando en el fanboy-niño rata que se ofende cada vez que le atacan su serie favorita) pero todo lo contrario, la devoción trekker creció. Al punto que durante los ’90 hubo nuevas películas y dos spin-offs: Star Trek Voyager y Star Trek Depp Space Nine.

Y si bien Star Trek nunca perdió su status de serie de culto, durante los 2000 se le perdió de vista. Hubo intentos por retomarla, muchos, pero ninguno llegó a buen pie, hasta que llegó a las manos de J.J. Abrams, quien a través de dos películas (2009 y 2013) volvió a poner al Enterprise en la cresta de la ola, de la cual su tercera película se estrenó hace unos días –con algo de desfase, digámoslo- de la mano de Justin Lin, y hasta ahora sólo ha recibido comentarios positivos.

El viaje de cinco años del Enterprise ya ha quintuplicado su duración, merecidamente por cierto. Uno puede no ser fan de la obra, pero Star Trek ha trascendido generaciones y públicos, de manera que desconocer su valor dentro de la cultura popular y de lo fantástico, es ser simplemente ignorante.

Vida larga y próspera para ustedes.

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