una leve mejoría

Cuatro años después de la batalla de Chicago, que costó miles de pérdidas humanas, el gobierno ha roto todas sus alianzas con la raza robot llamada autobots, quienes junto a sus enemigos, los decepticons, ambas procedentes del planeta Cybertron, han sido sindicados como causantes de semejante tragedia.

Sin distinguir de bando, los servicios de inteligencia han iniciado la caza de los cybetronianos que aun no se han exiliado, entregado voluntariamente o pasado a la clandestinidad, ayudados por un cazarecompensas renegado, proveniente del mismo planeta, llamado Lockdown.

Paralelamente, en Texas, un mecánico peligrosamente adicto a la tecnología, Cade Yeager (Mark Whalberg) repara un oxidado camión que compró como chatarra, activando nada menos que a Optimus Prime, líder de los autobots. Cuando la unidad a cargo detecta la existencia del líder robot, Prime salva a Yeager y a su hija Tessa (Nicola Peltz) de morir a manos de este equipo. Tras una fugaz huida que involucra al novio de la chica, Shane (Jack Reynor), cosa que no le agrada del todo a Cade, Prime se reúne con los pocos autobots que han evitado ser cazados.

Luego de investigar, junto a Cade, que tras esta cacería se encuentra una gigantesca empresa decidida a crear su propio ejército de robots, un Optimus Prime que ha dejado de creer en la especie humana, dirige a los suyos en su búsqueda…

Algo debe haber pasado en estos tres años.

Lo cierto es que el desafío ante una nueva entrega cinematográfica de Transformers era, por un lado fácil: mejorar el horrendo desempeño de la igualmente lamentable tercera película, Dark Of The Moon (2011), pero por otro complicado: como reencantar al público con una franquicia que, en cine al menos, era incapaz de igualar los logros que sus similares animados (las series Transformers Animated -2008- y Transformers Prime -2011- funcionaban harto mejor que dos de las hasta entonces tres películas de la serie).

En medio de este lapso, además, sus realizadores debieron haber visto otras cintas sobre robots gigantes y similares, como Gigantes de Acero -2011- y Titanes del Pacífico -2013- y debieron haber pensado “estaremos haciendo algo mal?”

Lo cierto es que aún encontrándose muy por debajo de los grandes estrenos del 2014, Transformers: La Era De La Extinción se desempeña bastante mejor que sus predecesoras de 2011 y 2013.

No digamos que es una maravilla. Si la ponemos en la misma balanza que otros títulos recientes como X Men, Planeta de los Simios o Guardianes de la Galaxia, claramente la cuarta entrega de la saga de robots que se transforman en autos o aviones para no llamar la atención, queda muy al debe. Sobre todo si consideramos que su director sigue siendo Michael Bay, un tipo muy eficaz a la hora de provocar explosiones en pantalla pero de pocas luces para narrar una historia. Esta no es la excepción: Transformers AOE presenta ripios en su narración y puesta en escena que son habituales en el trabajo de Bay, increíblemente, esta vez estos ripios, estas lagunas no son tan evidentes y permite que la narración transcurra con cierta fluidez, sin vacíos o recovecos magnitud que podrían afectarle.

La historia se deja ver y se disfruta, sin alcanzar niveles de grandeza pero, providencialmente tampoco como para sacarla del dispositivo que la esté exhibiendo, y con eso basta. Y aunque la duración del filme podría hacer temer lo peor (2 horas y tres cuartos, de los cuales esta vez no sobran tantos como en las anteriores películas) ésta no se resiente tanto: la película, tanto en lo que es narración como en las escenas de acción –algunas más logras que otras y unas cuantas que rozan en lo épico- transcurre con la fluidez que sus dos predecesoras no tuvieron.

Si hasta los protagonistas humanos cambiaron. Claramente el combo Mark Whalberg-Nicola Peltz-Jack Reynor formando un trío de padre protector, chica sexy y rebelde y novio de la ídem involucrado circunstancialmente en la aventura, cae bien y no provoca ganas de esperar que los asesinen como pasaba con Shia Le Beouf y su familia a quienes, honestamente, nadie echa de menos. Por otro lado, si bien es uno de los antagonistas, al menos al principio, Stanley Tucci resulta un complemento mucho mejor que un John Turturro que caía cada vez más en la caricatura. Kelsey Grammer, encarnando a Attinger, el jefe de inteligencia a cargo de cazar y exterminar Transformers, convence.

En el lado de los robots, aparte de Optimus Prime y Bumblebee, las nuevas incorporaciones (Hound, Drift y Crosshair, por el lado autobot) resultan buenos complementos y no molestos personajes “graciosos” como solía pasar hasta ahora (tendrá algo que ver el aporte de John Goodman, Ken Watanabe y John Di Maggio en sus voces? Yo creo que si) mientras que Lockdown sorprende, al convertirse en un antagonista algo mejor construido que Megatron en los tres filmes anteriores, personaje este último que aparece demasiado postergado en esta entrega, no obstante ser el enemigo natural de los autobots.

(y aunque parezca raro en una película de Bay, no hay tanta presencia de la U.S. Army, y si la hay, el lamido de botas de su parte a los uniformados no es tan evidente. De hecho, si lo analizamos fríamente, las fuerzas de defensa estadounidenses esta vez son los malos de la historia).

En síntesis Transformers: La Era de la Extinción está lejos de ser una gran película, pero sirve para limpiar la vapuleada imagen de los autobots en la gran pantalla, y devolviendo las esperanzas en que esta saga tendrá un futuro mejor de lo que hemos visto ahora. Al menos fue más entretenida de ver que las anteriores. Esperemos que la inevitable quinta parte de la saga en un par de años más siga este rumbo…y Michael Bay no se acuerde por un buen rato de quién es Michael Bay.

***

TRANSFORMERS: AGE OF EXTINCTION

Dir: Michael Bay

Intérpretes: Mark Whalberg; Nicola Peltz; Jack Reynor; Stanley Tucci; Kesley Grammer

Ciencia Ficción

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

la otra versión del cuento

Hubo una vez, apartado del mundo de los hombres, un reino de criaturas fantásticas llamado el Páramo, regido con justicia y sabiduría por el hada conocida como Maléfica (Isobelle Molloy).

Cierto día, es llevado ante Maléfica un niño humano llamado Stephan, acusado de robo. Maléfica, viendo que es sólo un niño, le perdona la vida y pronto se hacen amigos. Amistad que no duraría mucho tiempo, pues con los años Stephan se vería más involucrado en los intereses de los hombres antes que en la amistad.

Ya en la adultez, Maléfica (Angelina Jolie) ha convertido el Páramo en un mundo impenetrable para los hombres, al punto que un moribundo rey ha ofrecido su corona a quien pueda someter al hada. Stephan (Sharlto Copley), mediante engaños, seduce a Maléfica y corta sus alas, gracias a lo cual se convierte en nuevo rey.

Cuando descubre la traición, Maléfica jura venganza, la que se concreta algún tiempo después cuando lanza una maldición inquebrantable sobre Aurora, la recién nacida princesa, hija de Stephan…

 

El reinventar los cuentos de hadas e historias fantásticas se ha vuelto una tendencia en Hollywood, que se inició con la controvertida versión de Tim Burton para Alicia en el País de las Maravillas, siguió luego con las regulares Blancanieves y el Cazador, La Chica de la Capucha Roja y la lamentable Espejito Espejito, además de la entretenida Hansel y Gretel Cazadores de Brujas. Pero claro, faltaba la visión Disney del fenómeno. No en vano, estamos hablando del estudio que cimentó gran parte de su grandeza sobre la base de los cuentos de hadas.

Lo hace con Maléfica, cinta que nos da vuelta la tortilla para contarnos el mito de la Bella Durmiente, relatado hace medio siglo por los mismos Disney en uno de sus clásicos animados de siempre, para hacerlo esta vez desde el punto de vista de la villana principal de dicho cuento, la hechicera que da nombre al filme.

Y lo hace de manera bastante ágil, eficaz y convincente. Entretenida de principio a fin, Maléfica nos permite conocer los motivos y hechos que llevaron a un hada normal a convertirse en un terrorífico ser capaz de condenar al sueño eterno a una inocente. Es cierto, en ningún caso vamos a justificar sus barbaridades, pero nos sirve para entender que nada de lo que hizo fue por casualidad o mero capricho, y que por bruja que sea, tiene sentimientos.

Es cosa de ver la relación que cultiva con su víctima, Aurora, cuando ésta va haciéndose mayor (Elle Fanning) y acercándose al día en que esta maldición se cumplirá. ¿Síndrome de Estocolmo? Para nada. De hecho, la misma Aurora desconoce la existencia de este maleficio. Por eso, el cariño, el aprecio que surge entre ambas es legítimo. Y eso hace que el hada caída en desgracia se replantee algunas cosas.

Y viceversa. Ni el padre de Aurora es tan noble como nos hicieran creer Charles Perrault o los Hermanos Grimm al escribir el cuento (transcribir más bien un relato oral anónimo), ni las hadas protectoras tan eficientes como nos las vendieron (ni el príncipe tan ganador…quizás el único príncipe de los clásicos animados de Disney que hacía otra cosa aparte de fumar, o al menos así era hasta ahora).

Maléfica marca el regreso de Angelina Jolie a la gran pantalla tras una especie de retiro de casi cinco años, y lo hace en una superproducción más que respetable y en un papel que pareciera hecho a su medida. Su sola presencia se devora casi la totalidad del filme. Lo mismo Elle Fanning y Sharlto Copley, guardando las proporciones, claro. Y aunque a simple vista su presencia parece estar de más, las hadas interpretadas por Imelda Stuanton, Juno Temple y Leslie Manville resultan claves para entender el desarrollo de la historia, y la evolución de Maléfica. De adorno resulta eso sí el príncipe interpretado por Brenton Thwaites, mientras que el secuaz de la protagonista, Diaval, encarnado por Sam Riley, convence y hasta dan ganas de haberle dado más minutos.

Vuelta de tuerca de principio a fin, Maléfica nos deja algunas cuantas lecciones valiosas: toda historia tiene dos versiones; todos los seres merecen una nueva oportunidad, y no hay hechicera tan malvada ni monarca tan noble. Las apariencias engañan, y un filme que podría parecer simplón y uno más de muchos, terminó teniendo mucha más sustancia que otros mejor auspiciados. Otro título más que nos confirma que 2014 será el año de los grandes blockbusters.

***1/2

MALEFICIENT

Director: Robert Stomberg

Intérpretes: Angelina Jolie; Sharlto Copley; Elle Fanning; Sam Riley; Imelda Stuanton; Juno Temple; Leslie Manville

Fantasía

2014

fretamalt@hotmail.com  tw: @panchocinepata

con las buenas intenciones no siempre alcanza

Debido a la baja afluencia de público, Murray (Woody Allen) debe cerrar su tienda de libros raros. Durante la mudanza, comenta a su ex empleado y amigo Fioravante (John Turturro) que su dermatóloga (Sharon Stone) le ha contado que, junto a su mejor amiga Selma (Sofia Vergara) han buscado un hombre lo bastante capacitado sexualmente para hacer un trio, sin encontrarlo.

Tras mirar de pies a cabeza a Fioravante, Murray le propone ofrecerse como gigoló para la ocasión, a lo que su antiguo empleado se resiste. Sin embargo, los números rojos en las finanzas de ambos obligan al más joven de ellos a repensar la situación, y como la necesidad tiene cara de hereje, accede a formar parte de una insólita y rentable sociedad..

Si algo bueno tiene Fading Gigolo es devolvernos al John Turturro que conocimos en Barton Fink, Quiz Show o similares, que se había perdido tras años de colaborar en las cuestionables comedias de Adam Sandler o como secundario lamentable en la saga Transformers.

Película de trámite rápido, sin mayores sobresaltos, disfrutable en su justa medida, en la que se nota el respeto y admiración de Turturro por su coprotagonista en el filme, Woody Allen, y por gran parte de su filmografía.

Y aquí empieza el problema.

Es tal la influencia de Allen en el trabajo de Turturro, más la presencia del mismo a lo largo de casi toda la cinta (en el primer trabajo de Allen como actor desde la divertida Scoop, de 2006), que uno no puede concluir si estamos ante una película de Turturro con Allen de protagonista, o simplemente un filme más de Allen…y no precisamente de los mejores.

Desde la, reitero, insistente presencia de Allen en la historia, que ésta transcurra en Nueva York, que su personaje provenga del entorno cultural, las no pocas alusiones al judaísmo –de hecho, transcurre en un barrio judío de la gran manzana y varios de sus protagonistas profesan dicha fe-, el uso del jazz y sus derivados como soundtrack, hasta las tonalidades empleadas en la fotografía del filme. Los créditos finales, incluso, en una primera parte parecieran sacados de un filme alleniano. La mano de tío Woody se deja ver, a ratos evidentísima, incluso en el diseño del afiche de rigor.

Lo que no hace necesariamente mala la película. Tiene sus momentos, algunos realmente divertidos, y sus virtudes, pero si bien no son precisamente para darse cabezazos contra el techo, pero cumple con hacer pasar el rato. Nada más y nada menos.

Y no, que Sharon Stone o Sofia Vergara paguen por llevarse a John Turturro a la cama, no me parece que sea un defecto. Es una situación inverosímil, vale, pero…es una comedia, por amor de Dios!! ¿Qué pretendían?

Comedia con un toque dramático proporcionado por esa trágica y reprimida viuda judía encarnada por Vanessa Paradis, que por un buen rato no sabemos como encaja en la historia, pero que va tomando vuelo hasta poco antes del final, en que se desinfla todo lo que se había construido en torno a este personaje, mal aprovechado y que claramente podría haber dado más, justificando por qué se le da la relevancia que tiene. Lo mismo ese policía judío encarnado por Liv Schreiber. De ambos personajes se espera que exploten o tengan algo relevante que aportar, pero queda la sensación que se quedaron en el camino y a nadie se le ocurrió como generar la situación para que dejen la grande.

Misma sensación que queda luego de terminar la película. La sensación de estar ante una obra bien intencionada, con sus virtudes que destacar, pero que se queda en eso. Funciona a ratos, pero con ese funcionamiento a ratos no se logra hacer una película entera de buena. Por mucho que sea más corta de lo normal.

Pero bueno, no falta tanto para la próxima película del buen Woody. El original siempre será el mejor.

**1/2

FADING GIGOLO

Director: John Turturro

Intérpretes: John Turturro; Woody Allen; Vanessa Paradis; Sharon Stone; Liv Schreiber; Sofia Vergara

Comedia

2013

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

más humano que los humanos

Durante una eternidad, el que alguna vez fuera el centro del universo, la Tierra, es ahora un desolado y seco territorio, que sirve de hogar a W.A.L.L-E, un pequeño robot compactador de basura que, sin más compañía que un simpático saltamontes, ha pasado una eternidad recolectando desechos, compactándolos y apilándolos, pero procurando rescatar aquellas cosas que le llamen su atención.

Sin más distracción que ver viejas comedias musicales, cierto día llega a la tierra E.V.A., una avanzada robot sonda enviado a analizar la situación terrestre, con quien Wall-E intenta trabar amistad, mostrando sus reliquias, enseñando a bailar y regalándole una pequeña planta que el robot conserva plantada en una bota, ignorante de que esta planta es la última esperanza de salvación para la humanidad.

Daniel Villalobos dijo sabiamente en una columna hace unos años, que los mejores filmes de Pixar funcionan sobre la base del temor o la pérdida, y analizándolas, uno le encuentra la razón. En las tres Toy Story, Woody teme ser postergado por su dueño Andy, sea por otro juguete (en la primera) o por el inevitable paso del tiempo (se insinúa en la segunda y ese es el punto de partida para la tercera). Buscando a Nemo parte del temor de un padre por perder lo que le queda de familia, pero es su excesivo proteccionismo el que causa la debacle. Los Increíbles y Up tratan de personajes que pierden el mundo que conocieron, para terminar viviendo de la añoranza uno y de la resignación el otro. Y Ratatouille nos refiere a un personaje que teme perder la oportunidad de ser algo único y especial en la vida antes de convertirse en uno más del montón.

Wall-E parte de una premisa un tanto más siniestra. Lo que se ha perdido es la fe en la humanidad. Y no es un personaje el que la pierde, sino el espectador. No queda otra que pensar así cuando la historia empieza a transcurrir: 700 años después de que la vida en la tierra se ha vuelto inviable, la humanidad…o lo que queda de ella, se ha trasladado a vivir en colonias espaciales, totalmente automatizadas, donde las máquinas lo hacen todo, desde alimentar y movilizar a la gente hasta programar sus agendas (como si estuviesen muy ocupados), el clima y la duración de los días.

Esto ha convertido a las personas en unos bultos hiperobesos, alimentados a base de carbohidratos y azúcar, sin mucho razocinio ni capacidad de discernir o discrepar. La persona, según este futuro, es un ser flojo, hedonista, incapaz de ver más allá de las pantallas que tienen frente a sus caras. Y aunque crean que están hiperconectados, lo cierto es que estos humanos están totalmente incomunicados y antisociales entre sí. Pueden hablar con otros por pantallas, pero si se ven cara a cara son incapaces de articular palabra…oh wait!

Que el que aparezca como líder del mundo en este universo sea, por un lado, el C.E.O. de una gran multinacional y no un líder político, y por otro una Inteligencia Artificial que se ha asegurado de mantener al rebaño bien comido y atendido para que no se le subleve, tampoco resulta precisamente esperanzador.

Y es ahí donde entra en juego nuestro pequeño héroe. El azar termina convirtiendo a Wall-E en la esperanza. Cuando Eva y la plantita son llevadas al Axioma, la nave insignia de las colonias terrícolas en el espacio para evaluar si es posible repoblar el planeta, Wall-E se las arregla para seguirla, pues no está dispuesto a perder (aquí vamos de nuevo) el primer vínculo que ha podido forjar en su larga existencia. Por ello, aun consistiendo en un montón de fierros envejecidos y oxidados, este pequeño robot no dudará en enfrentarse incluso a la inteligencia artificial que mantiene a la humanidad sometida y haciéndola creer que vive en el “paraíso”.

Empujado nada más que por el deseo de no seguir viviendo en soledad, Wall-E resulta reunir en su pequeña estructura toda la humanidad, el corazón, la inocencia y el deseo de vivir que el homo sapiens había perdido, lo que queda claro con una pareja de humanos que se conoce poco después de encontrarse con este robotito, descubriendo que hay vida más allá de la pantalla, así como con el capitán del Axioma, descubriendo que la vida va trasciende el mero ejercicio de apretar teclas en sillas flotantes, marcando el principio del fin de una era en la historia de la humanidad y el comienzo de otra, que por nueva y desconocida que resulte, les ha devuelto la capacidad de asombro y las ganas de arriesgarse.

Pixar lo hizo, se arriesgó con una película a primera vista difícil para su público objetivo, según el departamento de marketing, claro, por estructura (los primeros 40 minutos carecen de diálogo, lo que la hace uno de los mejores ejercicios cinematográficos de los últimos años) como por temática (a la larga, Wall-E es una visión un tanto pesimista respecto de hacia donde va la humanidad con la automatización, el consumismo, y un errado concepto acerca de lo que es calidad de vida) pero que funciona, principalmente por el inteligente manejo del director Andrew Stanton y por el tremendo carisma de sus personajes (desde la pareja protagónica de Wall-E y Eva hasta la pareja de humanos que comienza a experimentar las cosas fuera de lo previamente programado, pasando por ese simpático robotito de aseo). Para ser un robot oxidado y animado, Wall-E resulta transmitir una inocencia, una bonhomía que hace mucho no se veía en el cine, y que transmite más humanidad, emotividad y empatía que todos aquellos “actores” o “directores” que apelan a los mismos factores (Roberto Benigni, por ejemplo), en quien la “voz” aportada por Ben Burtt (mismo responsable de dar voz a otro robot entrañable, R2-D2 en la saga Star Wars) sólo hace más grande. Chaplin, Keaton y Cantinflas lo mirarían con orgullo.

Más humano que la humanidad. Y no sólo este protagonista, sino también toda la película, una verdadera oda al cine. Ojo con la secuencia de baile entre los robots protagonistas y los créditos finales musicalizados por Peter Gabriel, todo un plus.

****1/2

WALL-E

Director: Andrew Stanton

Animación

2008

PD: Es cierto, ya había reseñado Wall-E a la época de su estreno, pero entonces no escribía como lo hago ahora, lo hice comentando a medias otra película y no había visto tantas veces Wall-E como para apreciarla en su justa dimensión. Bendito blu-ray.

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

 

gran disparate de títeres en Europa

Tras su exitosa reunión, los miembros principales de los Muppets (Kermit, Piggy, Fozzy, Gonzo, Rowlf y Walter) deciden aprovechar su resurgimiento y preparar su próximo proyecto. Y a sugerencia del productor Dominic Badguy (Ricky Gervais), sin pensarlo dos veces se embarcan en una gira por Europa, partiendo en Berlin.

Lo que los Muppets ignoran es que Badguy es el secuaz de Konstantin, la rana más peligrosa del mundo, asombrosamente parecido a Kermit, y aprovechándose de ello, y de lo enceguecidos que están los integrantes del grupo ante este tour, ambos traman una seguidilla de atracos, en busca de las joyas de la corona británicas.

Así, los Muppets se convierten sin saberlo, en sospechosos de distintos robos en varios países, mientras son buscados por Napoleón, un torpe detective francés (Ty Burrell), y Kermit es enviado a la prisión del Gulag, en Siberia, bajo la vigilancia de la estricta agente Nadya (Tina Fey)…

Los Muppets Más Buscados, la segunda incursión de los personajes creados por Jim Henson bajo el alero de Disney cumple con lo que pide: divertir.

Es cierto, su argumento es bastante simple, cliché y hasta predecible, pero eso en una historia de los Muppets da lo mismo. O sea, estamos hablando de una franquicia basada en un programa de títeres que montaban un estelar de televisión con invitados famosos, donde lo importante no eran tanto los números sino lo que pasaba en la trastienda de dicho espectáculo. Esa siempre ha sido el quid del asunto Muppet, lo que los hizo queridos, idolatrados, imitados y hasta convertirse en influencia. El que quiera otra cosa, vayase a un cine arte. O al psicoanalista.

Además, que sea un argumento simple (villano aprovechándose de otros para causar sus fechorías) no quiere decir que necesariamente sea idiota. Para lo básico de su trama, lo cierto es que se desarrolla lo bastante bien para que el filme sea atractivo hasta el final, lo que marca una distancia considerable entre los dos filmes de la marca bajo la firma del estudio del tío Walt, respecto de las no precisamente inolvidables películas previas.

Y si bien no tiene las cotas de grandeza, emotividad del “reinicio” de 2011 (y aunque tiene sus virtudes, Tina Fey no es Amy Adams), este segundo filme se la juega por la diversión lisa y llana, con abundantes chistes y situaciones absurdas, por lo que la poco más de hora y media que dura, corra con agilidad y fluidez. Los muñecos siguen tan graciosos como de costumbre, y los humanos del filme, Ricky Gervais, Ty Burrell y Tina Fey, todos conocidos actores de comedia, responden a lo que se espera de ellos.

Y claro, los infaltables cameos y actores invitados tan propios del universo Muppet. Da para ponerse a jugar quien reconoce a más de ellos (ojo con el Chuck Norris mexicano, Danny Trejo, alias Machete).

La taquilla no fue todo lo generosa que debía serlo. Si bien recuperó sus costos y está lejos de considerarse un fracaso, no fue el hitazo que marcó la primera película, lo que lleva a concluir que si bien los fans de siempre siguen fieles a una franquicia que les sigue cumpliendo, todavía no se ve por donde las generaciones actuales enganchen con estos títeres. “Es que son muy anticuados” dirán. Si es por eso, no me explico como aquí, lo más lejos que se puede de Hollywood, 31 Minutos se convirtió en un fenómeno más allá de la pantalla. Así, el desafío para una eventual tercera entrega Muppet no es menor: como enganchar con la generación del Smartphone, de las selfies y del mp3, sin perder eso que ha hecho de los Muppets la franquicia que muchos seguimos queriendo.

Con todo, estamos ante uno de los filmes más divertidos del año, en un año donde los filmes mainstream han marcado pauta (pero en que el cine familiar ha ido quedando un poco atrás).

***

MUPPETS MOST WANTED

Director: James Bobin

Intérpretes: Ricky Gervais; Ty Burrell; Tina Fey…y demasiados invitados como para resumirlos aquí. xD

Comedia

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

GUSTAVO CERATI 1959-2014

A cuatro años de haber sufrido un accidente cerebro vascular que lo dejara en coma, Gustavo Adrián Cerati Clark, a los 55 años, ha dejado de existir esta mañana.

Líder de Soda Stereo, la banda más importante del rock argentino de las últimas décadas, y poseedor de una de las carreras musicales más interesantes del continente, ya fuera con su banda y en solitario, la partida de Cerati pone fin no sólo a una trayectoria llena de grandes momentos, especialmente entre 1986 y 1995, cuando Soda Stereo se convirtió en el último y gran sobreviviente de un movimiento musical a nivel continental, firmando de corrido cinco discos infaltables en la discografía del rock del cono sur: Signos, Doble Vida, Canción Animal, Dynamo y Sueño Stereo, sin contar sus trabajos solistas Colores Santos, junto a Daniel Melero, y Amor Amarillo, junto a su entonces pareja y madre de sus hijos, Cecilia Amenábar.

Músico influyente por donde se le mire, uno como fan no deja de pensar que con su muerte se cierra, o comienza a cerrarse al menos, un capítulo no menor de nuestras vidas. Para los que rondamos las cuatro décadas, o que fuimos preadolescentes o adolescentes en los 80, Cerati junto a su banda, y a la par de Los Prisioneros, estaban ahí. Eran parte de nuestra vida. Ya no. Y eso es fuerte.

Queda el consuelo de que ya no seguirá sufriendo, y la esperanza de que, por fin, podrá descansar en paz.

Gracias por los buenos momentos, Gustavo. Sólo me queda decirte…

GRACIAS..TOTALES!!!!

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locos entran…más locos salen

Cuando su equipo de elite está a punto de detener al Acertijo, operación que es desbaratada por Batman, deteniendo al villano y enviándolo al Asilo Arkham, la experta en inteligencia Amanda Waller decide reactivar el llamado Escuadrón Suicida, ofreciendo a un grupo de villanos, entre los cuales se cuenta Deadshot, Harley Quinn, Capitán Boomerang, Black Spider, Killer Frost y King Shark, la posibilidad de reducir sus condenas a cambio de introducirse, en la manera más discreta posible, a Arkham, capturar al Acertijo, llevarlo ante Waller, y así recuperar cierta información valiosa para la inteligencia, robada por el individuo de verde.

Pero ni Waller ni el Escuadrón Suicida contaban con la aparición de un inesperado factor que alterará sus planes: un interno en Arkham que tiene algunas cosas pendientes con Harley… su antiguo jefe y amante, el Joker.

A estas alturas, Jay Oliva se ha convertido en el director de cabecera de Warner/DC. Casi todos los proyectos animados basados en personajes de la DC Comics llevan su firma, aun cuando los equipos realizadores varíen entre sí lo que permite cierta uniformidad en cuanto a los criterios, habida cuenta de la intención de DC de armar, además de su universo comiquero y su incipiente símil cinematográfico, un universo propio en el campo animado.

Ahora, que sea argumentalmente uniforme, no necesariamente significa que su calidad también lo sea, y buena parte de sus realizaciones no han sido del todo bien recibidas en el medio. En tal escenario, su más reciente lanzamiento, Batman: Assault On Arkham, si bien no está a la altura de otros de sus trabajos como The Dark Knight Returns I y II, o incluso de otros realizadores como Batman Año Uno y la también reciente Son Of Batman, de todos modos tiene cosas a su favor.

Y aunque se creía que sería una adaptación del videojuego Akham Asylum, acaso uno de los juegos más aplaudidos de la última década, lo cierto es que sólo recoge de éste algunas premisas y detalles, construyendo una historia independiente, bastante entretenida donde se saca especial partido a Deadshot, personaje casi del montón durante años, reivindicado tras New 52, quien a la larga se alza como el gran protagonista de la historia, no obstante el título alude a un Batman que aparece casi circunstancialmente (para que andamos con cosas, la historia se refiere esencialmente a personajes ligados al entorno batmaniano y, en definitiva, Batman es una marca más reconocible y rentable que Suicide Squad, asumámoslo).

Otro personaje que tiene relevancia en la historia es Harley Quinn, quien durante los últimos años ha ganado protagonismo dentro del Universo DC, independiente de Batman y del Joker, ligada precisamente al Squad. Este protagonismo puede que no sea del todo gusto para un sector de la gran masa de fans de la ex psiquiatra de Arkham, principalmente por la progresiva hipersexualización que ha sufrido el personaje en los últimos años, dejando su carácter más lúdico, ingenuo y hasta adolescente como un bonito recuerdo. Hay fans a los que esto les ha molestado mucho, y hay una escena puntual dentro de la primera parte de este filme que podría condicionar su opinión respecto de la historia total. No discutimos que Harley sea un personaje influyente, ni negamos su aporte en esta historia, pero muchos echamos de menos a otra Harley que, por suerte, se deja ver de cuando en cuando en la historia.

Assault on Arkham es una historia que se disfruta con dignidad, y sin culpa, aunque difícilmente marque un hito en la relación de DC y sus personajes con la animación. Es un buen filme que no pretende iniciar ninguna revolución, y ahí está su gran gracia. Por mucho que no esté a la altura del videojuego que pretende adaptar (si es que podemos considerarlo una adaptación) y pese a algunos detalles puntuales, nadie podrá decir que no va a quedar conforme con la historia.

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BATMAN: ASSAULT ON ARKHAM

Director: Jay Oliva

Animación

2014

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