Segundo trailer de INTERSTELLAR la nueva película de Christopher Nolan, un visitante ya habitual en esta casa.
Se estrena en noviembre.
Pero quiero verla lo antes posible. Lo necesito.
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
Archivos Mensuales: julio 2014
sólo quería ser un mariachi
Con una carrera más bien dedicada a los secundarios y a los videojuegos, no es de extrañar que la muerte del actor Peter Marquardt haya pasado desapercibida para muchos, excepto para aquellos que hace poco más de dos décadas quedamos pegados cuando descubrimos una película hecha con el vuelto del pan: El Mariachi, del entonces debutante Robert Rodríguez, en la que Marquardt encarna a Moco, el villano principal de la historia, cinta que se puede apreciar tanto como objeto de culto como de clásico del cine independiente que afloró durante los ’90, y que vale la pena repasar de vez en cuando.
Esta era la historia de un Mariachi, sin nombre (Carlos Gallardo) que llegaba a un pueblo del norte de México, cerca de la frontera, sin más equipaje que su guitarra, buscando trabajo como músico en algún bar de la ciudad.
Sin embargo, los problemas comenzarán cuando sea confundido con Azul (Reinol Martínez), un narcotraficante recién fugado de prisión, quien llega a la ciudad asesinando uno por uno a los hombres de Mauricio, o Moco (Marquardt), el jefe que lo traicionó en el pasado, enviándolo a la cárcel y robándole su parte en un cuantioso botín.
Y todo porque Azul viste del mismo color del Mariachi, y porta un estuche de guitarra, repleto de toda clase de armas blancas y de fuego.
La precariedad de El Mariachi se nota a kilómetros, principalmente por sus evidentes falencias técnicas, actorales y hasta narrativas (algunas secuencias rayan derechamente en lo ridículo e inverosímil), pero tiene unas cuantas cosas a su favor.
En su defensa podemos decir que no hay que olvidar que se trata de un filme debut, y sobre todo, entretenido y atractivo para el espectador. Si efectivamente hubiese sido tan mala, como suele ser el promedio de los filmes de bajo presupuesto orientados más a impactar al espectador (sobre todo por sus falencias evidentes) uno no logra entender por qué entonces los organizadores del festival Sundance, así como Columbia Pictures que pagó una millonada en dólares por los derechos de distribución de la película, quedaron K.O.
La historia en sí es interesante (el cuento del pobre diablo metido en un forro de proporciones sólo por haber estado en el momento y lugar equivocados es viejo, pero nada de obsoleto) y Rodríguez, trazando ya las líneas del estilo al que sería fiel incluso luego de tener la industria en sus manos, maneja adecuadamente su desarrollo para que la narración fluya naturalmente y a sus ritmos.
Pero en definitiva, el gran mérito de El Mariachi, es reflejar el gigantesco amor que su director profesa por el cine. Por la acción, las aventuras y el suspenso, principalmente. Amor por el cine y fe en el cuento que está contando.
Algún tiempo después de haber triunfado con El Mariachi, Rodríguez publicó el libro Rebelde Sin Pasta, en el cual narraba dos asuntos fundamentales. Por un lado, su formación semiacadémica y semi autodidacta como realizador (al igual que sus amigos Quentin Tarantino, Kevin Smith y Eli Roth, Rodríguez se formó fundamentalmente viendo muchas y muchas películas) y por otro, las mil pellejerías que atravesó para reunir capital y filmar El Mariachi. Préstamos, favores personales, trabajos en doble turno, hasta servir como conejillo de indias humano para medicamentos.
El resto de la historia es conocida. Rodríguez se convirtió en parte de la camada de niños mimados de Hollywood de mediados de los ’90 (junto a Tarantino, Smith, Roth) y le abrió la puerta a otro puñado de realizadores sudamericanos (Del Toro, López) y armó una respetable carrera donde intercala, muchas veces exitosamente, filmes de acción o terror (Del Crepúsculo Al Amanecer, Desperado, The Faculty, Planet Terror, Sin City I y su secuela próxima a estrenarse, Machete) con otros más familiares (Spy Kids), producidos por su empresa Troublemaker y de la mano de su ex esposa Elizabeth Avellán, siempre maximizando los recursos, consiguiendo buenos elencos y, en definitiva, pasándola muy bien al filmar.
La cantidad de amigos que ha ganado entre actores, guionistas y realizadores así lo demuestra.
El Mariachi no pudo ser sino el mejor punto desde donde empezar.
***
EL MARIACHI
Director: Robert Rodriguez
Interpretes: Carlos Gallardo; Peter Marquardt; Consuelo Gomez; Reinol Martínez; Jaime De Hoyos
Acción
1992
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
un robot en su camino
En el año 2028, tras convertir al Ejército de EEUU en el más poderoso del mundo gracias a sus robots militares, la empresa Omnicorp está a un paso de consolidarse como la mayor de su rubro cuando ponga en actividad policías robots, de no ser porque la opinión pública teme que la inhumanidad de estos autómatas resulte más peligrosa que las amenazas que persigue.
Como solución, su director Raymond Sellars (Michael Keaton) propone la creación de policías robots armados a partir de seres humanos, encomendando su gestación a Dennet Norton (Gary Oldman), su principal ingeniero, seleccionando policías malheridos o mutilados en servicio como conejillos de indias para el prototipo.
Norton encuentra al sujeto perfecto cuando el teniente de la policía de Detroit, Alex Murphy (Joel Kinnaman), un policía idealista, valiente e incorruptible, quien persiguiendo a una organización de tráfico de armas sufre un atentado explosivo que le cuesta tres cuartas partes de su cuerpo…
Deberíamos inaugurar una sección que se llame “A donde que era tan mala?”
Cierto, cuando uno escucha Robocop inmediatamente piensa en uno de los clásicos de la ciencia ficción y acción ochentera, dirigida por Paul Veerhoven (director irregular, pero que cuando lo hace bien, lo hace realmente bien). Así, el prejuicio contra este remake (o reboot o lo que sea) dirigido por José Padilha era fuerte y difícil de superar.
Pero sale bien parada del reto.
Es cierto que no contrapesa de manera alguna a la recordada película de 1988, y claramente es una versión más light de la misma (de hecho, Robocop es para muchos, la película más violenta salida de Hollywood en su historia, o al menos en la que han corrido más balas), y claramente Joel Kinnaman no tiene la misma presencia que Peter Weller en el papel (este Robocop 2014, más estilizado y longilíneo parece no convencer del todo a no pocos). Así como tampoco convenció a muchos la existencia de una familia Murphy.
Pero incluso, con todo eso, que podría ser defectos insalvables para la película, al final no resultan tan determinantes y Robocop es una película que se deja ver. Entretiene y a ratos hasta entusiasma. La historia está bien planteada, la premisa es lo suficientemente inteligente como para marcar distancias con otros filmes del género, y las actuaciones de Michael Keaton (raro verlo haciendo de malo) y Gary Oldman (ni tan raro, pero si poco frecuente, verlo de bueno), además de la química evidente entre ambos se anotan varios de los mejores diálogos de la película, incluso sin ninguna bala disparándose por ahí.
Sin pretender cambiar la historia (ni creo que dé para tanto en todo caso) Robocop no generará un culto en torno a este remake, pero deja el nombre de la franquicia bien parado, resulta bastante digna a su respecto y deja una buena sensación en el espectador. Como entretención lisa y llana, cumple. Incluso más de lo que se le espera.
***
ROBOCOP
Director: José Padilha
Intérpretes: Joel Ninnaman; Gary Oldman; Michael Keaton; Abbie Cornish; Jackie Earl Haley; Jay Baruchuel; Jennifer Elhe; Samuel L. Jackson
Acción
2014
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
Batman Day
En la víspera de la ComiCon de San Diego, se instituyó este día para conmemorar los 75 años de Batman, coronando así las actividades relacionadas con los tres cuartos de siglo del Hombre Murciélago, incluso en este blog..al respecto sólo puedo decir
FELICES 75, VIEJO AMIGO
BONUS TRACK: Foto subida hoy por Zack Snyder a su cuenta en Twitter:
I BELIEVE IN BATFLECK
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
la supervivencia de las especies
Un crédito especial para los colegas de Hijos del Atomo, cuyo aporte en la elaboración de esta columna ha sido invaluable para el aquí firmante.
Diez años después de que un virus artificialmente desarrollado arrasara con la población mundial, los escasos sobrevivientes se agrupan en pequeñas comunidades a lo largo y ancho del planeta. Una de ellas, liderada por Dreyfus (Gary Oldman) se ha instalado en las ruinas de lo que solía ser San Francisco.
No muy lejos de allí, en los bosques de secuoya vecinos, una comunidad de primates inteligentes, encabezada por Caesar (Andy Serkis) se ha consolidado como una sociedad estable y en armonía, ignorantes de lo que sucedió con la especie humana. O así era, al menos, hasta que son visitados por Malcom (Jason Clarke) un explorador que pretende mediar entre simios y humanos, a fin de poder introducirse en el bosque y reactivar una represa abandonada, necesaria para que la comunidad vecina cuente con energía eléctrica.
Aunque Caesar deja su posición muy clara desde un principio, le da un par de vueltas al asunto, después de considerar las garantías que Malcom ofrece, y porque en rigor no tiene mayor problema con los hombres, mientras no intervengan con su comunidad. Pero su brazo derecho, Koba (Toby Kebell), que guarda un gran desprecio por los humanos luego de años de servir como animal de laboratorio, desconfía no sólo de los invasores humanos, sino del criterio de su propio líder…
Este año 2014, el vilipendiado Hollywood ha dado un puñado de producciones que le han tapado la boca a los pseudointelectuales que aman el cine de autor. Películas como Capitan America, Como Entrenar a tu Dragón 2, Godzilla, X Men DOFP, no sólo comparte el ser producciones cien por ciento comerciales, sino además una recepción crítica a la par de sus cifras en taquilla. Y El Planeta de los Simios: Confrontación, segunda entrega de esta reiniciada franquicia sigue no sólo esta tendencia, sino además, mantiene el gran nivel de su antecesora de 2011.
¿Y que otra cosa se puede decir de una película que en ningún momento baja su intensidad?
Me explico. Confrontación hay que dividirla en tres partes: una primera, sin diálogos (hablados, porque gestuales tiene muchos) que se entiende clarito, permitiendo al espectador entender sin lugar a dudas por donde va la cosa.
Una segunda parte de más diálogos, que sigue la misma senda: si los primeros minutos eran para establecer los cimientos de la historia, aquí conocemos el cuerpo y las ramificaciones de la misma. Entendemos el conflicto principal desde los distintos puntos de vista (humanos y simios parecen querer una coexistencia respetuosa, solidaria y pacífica, aunque en ambos bandos existen elementos que sí quieren el conflicto) y las ramificaciones del mismo.
Y una tercera parte y final donde el conflicto estalla irremediablemente y sin vuelta atrás, abundante en logradas escenas de acción, batalla y un final muy lejos de ser esperanzador.
El punto es que pese a la diversidad de registros que se presentan a lo largo de la estructura del filme, éste en ningún momento le quita atractivo. Matt Reeves, que algo sabe de filmes de catástrofes (Cloverfield, una de las mejores cintas recientes del género) tiene claro que no puede tirar todo a la olla de un solo viaje, sino que sabiendo dar a cada cosa, a cada movimiento, su lugar dentro de la cinta, lo que le da la fluidez necesaria para contar y dar a entender su cuento.
La estructura y orden que Reeves da a la película le da toda la consistencia necesaria y es funcional para el buen desarrollo del relato, haciendo que todas las piezas involucradas funcionen de manera adecuada.
¿Es mejor que la primera película? No sabríamos decirlo, porque aunque narrativamente son el mismo cuento, obedecen a estructuras distintas y objetivos distintos. La primera buscaba el doble objetivo de hacer resurgir una franquicia que hacía aguas por todos lados, y reordenar la historia que estaba contando, mientras que ésta secuela la tiene más fácil: funciona sobre una construcción de base sólida, para seguir construyendo con solidez y estabilidad. Ambas logran sus objetivos, hay que decirlo.
Y si bien estamos ante un director que arma cada pieza de su rompecabezas dándoles el lugar preciso a cada una de ellas, hay algunas de estas piezas que brillan con luces propias, sin desmerecer la obra a la que pertenecen (por el contrario, la hacen más grande aún). Es el caso de Andy Serkis, interpretando a Caesar. Es cierto, es un disfraz digital sobre un actor vistiendo un traje lleno de sensores hasta en la cara, pero que sin las virtudes actorales de Serkis, sería un CGI vacío y sin alma. Serkis da a Caesar toda la vitalidad, la consciencia y el espíritu que necesita para que lo apreciemos como el gran protagonista de la saga. Sin decir muchas palabras y recurriendo a una amplia gama de gestos captamos las distintas fases de Caesar, como el líder imponente seguro de si mismo del principio, hasta el individuo que ve, dolido, como lo que creía haber construido con solidez, se desmorona. La actuación de Serkis emociona, impresiona y descoloca. Lo mismo pasa con Toby Kebell, en el rol de Koba, a quien basta una mirada para delatar el odio que lo mantiene vivo, y Nick Thurston, en el rol de Blue Eyes, hijo de Caesar, debatiéndose entre la lealtad a su padre y la admiración por Koba.
Fiel a la tradición instaurada por la novela de Pierre Boulle y la película de 1968 protagonizada por Charlton Heston, Confrontación también trae un lote de observaciones sociopolíticas implícitas dentro de su argumento, como para ponerse a reflexionar a su respecto (y con el conflicto entre israelíes y palestinos, así como la guerra civil de Ucrania en pleno apogeo a esta misma fecha) sin caer en el panfleto y la denuncia sin editar. Lo que se agradece y sólo contribuye a subir los bonos de esta película, que a su vez le sube los bonos a un año 2014 que, fílmicamente hablando, ha sacado cuentas más que alegres.
****3/4
DAWN OF THE PLANET OF THE APES
Director: Matt Reeves
Intérpretes: Andy Serkis; Jason Clarcke; Gary Oldman; Keri Russell; Kodi Smith-McPhee; Toby Kebell; Nicj Thurston.
Ciencia Ficción
2014
PD: Si la prumera fue Revolución y ésta Confrontación, la tercera es…¿Conquista? Porque la tercera viene sí o sí.
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
un buen chico llamado Tom
Quizás por su enorme ego que a veces le juega malas pasadas, o su exagerada devoción a la cientología, además de tener un pasado de chico guapo que hacía películas taquilleras, a Tom Cruise se le crucifica y se le sentencia más allá de lo razonable. Es cierto que Cruise tiene sus defectos, pero no creo que eso lo vuelva un ser tan repudiable como para echarle tierra encima a una interesante carrera como actor.
Con altibajos, vale, pero no por eso menospreciable, y no cualquiera es capaz de mantener una carrera que lo tiene en las primeras planas por tres décadas seguidas. ¿No lo cree? Veamos algunos de estos puntos altos.
Top Gun (1986)
Cruise ya llevaba algunos años de carrera en el cuerpo y había trabajado en filmes de cierta recepción como Risky Business, The Outsiders (esa pequeña y casi olvidada cinta de Francis Ford Coppola, suerte de secuela de La Ley de la Calle, del mismo autor, S.E. Hinton) y la cinta fantástica Legend, pero fue con este filme dirigido por Tony Scott que su nombre empezó a convertirse en sinónimo de taquilla.
Encarnando al cadete de aviación Pete “Maverick” Mitchell, quien entra a la Fuerza Aérea buscando limpiar su apellido luego de que su padre, también piloto de guerra, muriese en Vietnam en extrañas circunstancias. Ansioso por inscribir su nombre en la historia de la aviación de combate, su carácter a veces impulsivo y otras extremadamente cauto se vuelve su principal obstáculo a vencer.
El Color del Dinero (1986)
Paralelamente a la anterior, Cruise fue reclutado por Martin Scorsese, quien apostó muchas fichas en este novel talento para encarnar a Vincent Lauria, un joven jugador de billar que quiere hacerse un nombre en el mundo del profesionalismo. Para ello recurre a Fast Eddie Felson (Paul Newman) un semiretirado ex campeón de billar que ve en Vincent la posibilidad de redimirse con su pasado, retirarse con dignidad de las mesas…o volver a lo grande a las andadas.
Hemos comentado antes lo grande que es esta película, uno de los puntos más altos en la carrera del tío Marty, y hay que decir que su apuesta por Cruise, actor taquillero en rol que exige más carácter que buena pinta, fue ganada con intereses, como veremos a continuación.
Cocktail (1988)
Encarnando al estudiante Brian Flanagan, Cruise confirmó que su sola presencia en un elenco aseguraba una taquilla respetable, y su sueldo empezaba a subir como la espuma.
Es la clásica historia del chico que llega a la ciudad buscando triunfar. Necesitado de dinero para entrar a la escuela de negocios, Brian consigue trabajo de bartender en un popular club neoyorkino. Y aunque al principio es un desastre, su jefe, Doug (Bryan Brown) le toma aprecio y le enseña todos sus secretos. Pronto Brian se convierte en el barman mejor pagado de la ciudad, pero el éxito empieza a nublarle un poco la visión de las cosas.
Cuestión de Honor (1992)
Los años siguientes, Cruise comenzó a dar muestras de que era un tipo talentoso más allá de la taquilla. Filmes como Rain Man, Nacido el Cuatro de Julio (que podría ser una tremenda película si Oliver Stone no fuese tan panfletero), Días de Trueno y un Horizonte Lejano, servían para darle a Tom el empujón necesario para convertirse en un nombre de relevancia, y conseguir sus primeras nominaciones y reconocimientos. Todo lo cual se ratificó con este filme de Rob Reiner basado en la obra de teatro de Aron Sorkin.
Cruise encarna a Daniel Kaffee, abogado de la marina que en menos de dos años de carrera nunca ha perdido un caso, se ve enfrentado al primer juicio en su vida que no podrá arreglar llegando a un acuerdo: dos infantes han sido acusados de homicidio de un compañero de armas y todo indica que son culpables, incluso su propia confesión. Y Kaffee deberá recurrir a toda su astucia para salvarlos de ir a la cárcel. Esta debe ser la primera actuación gigantesca de Cruise. Esos quince minutos finales junto a Jack Nicholson disipan toda duda al respecto.
Entrevista con el Vampiro (1994)
Este filme de Neil Jordan sobre la novela de Anne Rice bien pudo haber sido un relevo, pues Cruise aquí comparte escenas con el que bien puede ser considerado su sucesor más legítimo, Brad Pitt. Pitt encarna a Louis de Pounte du Lac, un vampiro de más de dos siglos de edad que cuenta un periodista su encuentro con Lestat de Lioncourt, el insaciable vampiro que lo convirtió en tal, salvándole la vida, y a quien ha pasado todos estos años tratando de evitar…ver esta película, luego ver Twilight y uno piensa ¿Qué pasó, vampiros? Antes eran chévere!
Misión: Imposible (1996, 2000, 2006, 2012)
No es fácil mantener una franquicia cuando entre cada capítulo transcurre más tiempo del aconsejable, y sus episodios han sido dirigidos por directores tan distintos entre sí (Brian De Palma, John Woo, J.J. Abrams y Brad Bird, respectivamente). Es aquí donde el talento de sus protagonistas cobra relevancia. Y Cruise, en la piel del agente secreto Ethan Hunt ha sabido ser el vínculo entre estas cuatro películas, armando una saga que se sostiene firme, no obstante los largos intervalos entre filmes y las diferencias entre realizadores.
Minority Report: Sentencia Previa (2002)
Cierto es que para este filme, Tom Cruise ya llevaba en el cuerpo otros cuantos intentos por ser considerado un actor talentoso, algunos con buenos resultados (Jerry Maguire, Magnolia) otros no tanto (la sobrevalorada Eyes Wide Shut y la intrascendente Vanilla Sky) pero para que andamos con cosas. Nos gusta ver a Tom en este otro tipo de películas, esta vez, de la mano de Steven Speilberg, sobre un cuento de Philip K. Dick. Cruise encarna al capitán John Anderton, jefe de la brigada de precrimen de la policía de Washington DC, cuerpo especializado en sancionar los crímenes antes de su comisión, gracias a unos personajes superdotados llamados pre-cogs. El drama comienza cuando éstos advierten de un crimen a pocos días de cometerse…con Anderton como culpable.
El Último Samurai (2003)
Confieso que esta tuve que darle hace poco una repasada para apreciarla mejor, la primera vez no estaba con todos los sentidos puestos en ella. Aquí, Cruise es Nathan Algren, un retirado capitán de la caballería estadounidense, tan ágil como militar como tan amargado como persona, víctima de los fantasmas de la guerra y de la culpa. Necesitado de dinero, acepta la propuesta del gobierno japonés por enseñar técnicas de guerra occidentales y así enfrentar a los pocos pero influyentes samuráis que van quedando y que impiden afianzarse al imperio nipón.
Durante una escaramuza, Algren es tomado prisionero y llevado a la aldea liderada por Katsumoto (Ken Watanabe), samurái y ex consejero del Imperio, caído en desgracia tras oponerse a las aspiraciones modernistas del emperador. Con el tiempo, la relación entre Algren y Katsumoto se convierte en una sólida amistad y aprendizaje recíproco, encabezando la última gran rebelión contra el imperio del sol naciente. Si algún mérito tiene la película es principalmente por las actuaciones de Cruise y Watanabe.
Colateral: Lugar y Tiempo Equivocados (2004)
Dirigido por Michael Mann, esta debe ser por lejos la mejor actuación de Cruise en su vida, encarnando a Vincent, un frío y eficaz asesino a sueldo que contrata a Max(Jamie Foxx) un taxista común que se ve obligado a recorrer Los Angeles llevando a Vincent de una diligencia a otra, tratando de salir vivo de esta situación (testigo, rehén y cómplice de Vincent muy a su pesar) con la policía pisándole los talones. Canoso y avejentado, Cruise da una clara demostración del increíble talento de que es dueño.
La Era del Rock (2012)
Mucho rato pasó entre la película anterior y ésta. Entre medio se mandó un pequeño pero increíble e irreconocible papel en la comedia Tropic Thunder y un par de títulos que sólo inflaron su ego, pero no su prestigio (Knight and Day, Walkirye). Hasta Rock of Ages, donde se pone en la piel de Stace Jaxx, un rockstar con todas las de la ley: venerado por sus fans, resistido por los grupos conservadores y amante de cuanto exceso se le cruce por delante, en lo poco que Cruise figura en el filme queda claro que, cuando el ego y el narcisismo quedan atrás, el bueno de Tom es capaz de mandarse actuaciones tremendas.
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
el encantador de dragones
Han pasado cinco años desde que la aldea vikinga de Berk se convirtiera en el primer poblado del mundo en donde humanos y dragones conviven en armonía.
El jefe de la aldea, Estoico el Basto, ha considerado que ya es hora de retirarse y ha pensado en nombrar como su sucesor a su hijo, Hipo, precisamente el gestor, junto a su dragón de raza furia nocturna, Chimuelo, de la unidad entre las especies.
Pero Hipo, ahora un veinteañero, sigue más interesado en la investigación, la exploración y el desarrollo de nuevos inventos, que de regir un pueblo. Así, mientras pasea junto a Chimuelo y a su novia Astrid por el océano, descubre la existencia de Drago Manodura, un malvado conquistador que caza dragones para usarlos como la principal arma de su ejército de conquistadores…
Dicen que cuando el gato está dormido, los ratones hacen fiesta. No quiero decir que los estudios Dreamworks sean ratones, pero en una época en que el gigante de la animación actual, Pixar, anda de capa caída (este año no tendrán película que estrenar y sus últimos filmes –Cars 2, Valiente, Monsters University- no han tenido la grandeza a que nos tiene acostumbrados) el trono vacío será para el estudio que más méritos haga. Y tras las notables El Origen de los Guardianes, Los Croods y la reciente Como Entrenar a tu Dragón 2, Dreamworks es la que se está probando la corona.
Secuela de la tremenda película que en 2010 no llegó más alto sólo porque estaba Toy Story 3 (la última gran película gran de Pixar), basada en los cuentos de Cressida Crowell y que superó incluso a las más optimistas expectativas por una historia simple de entender, completamente disfrutable y no exenta de momentos emocionantes y emotivos a la vez. Tal fue el efecto de Como Entrenar a Tu Dragón, que Dreamworks estiró el chicle lo más que pudo, con un par de mediometrajes para televisión y una serie (Raiders of Berk, por Cartoon Network) que, a diferencia de otros casos que han fracasado miserablemente, sólo contribuyeron a hacer más potente a la franquicia.
Así es como llegamos a esta secuela que no sólo mantiene el buen nivel en general de la primera película, sino que lo mejora en más de un aspecto. Y con la virtud de mostrar la madurez, no sólo física de sus personajes, a la par de sus espectadores más objetivos (por eso, quizás no sea del todo recomendable para niños muy chicos, difícilmente se identifiquen a la primera con la historia y sus protagonistas).
Hablo de madurez porque en el fondo de eso se trata. Si el drama de Hipo en la primera película iba por el lado de hacer las paces consigo mismo (ninguneado por todos por su nula capacidad para cazar dragones, termina por ser fiel a sus propias convicciones, convirtiéndose en el héroe, consiguiendo besar a la chica, hermanar dos especies en conflicto y recuperar el respeto perdido) en esta ocasión, Hipo aprende a entender y aceptar la madera de la que está hecho, sin renunciar a sus propias convicciones, ni dejar de ser lo que es. Y por el camino conoce a dos personajes que le ayudarán a llegar a dicha meta. Uno para bien, otro para mal.
Siempre acompañado de Chimuelo, el fiero pero adorable dragón furia nocturna con quien Hipo tiene más de una cosa en común, acaso uno de los animales más queribles del cine.
El trabajo del director Dean De Bloise una vez más alcanza niveles superlativos para la animación actual, manteniendo la historia sin puntos muertos y llevándola con ritmo. Para reír con ganas, y hasta a carcajadas cuando corresponde, en las escenas cómicas, alucinar con las buenísimas escenas de acción y emocionarse de manera honesta cuando es el caso, procurando que todos sus personajes aporten algo al desarrollo de la historia, en forma equitativa.
Todo ello hace que Como Entrenar a Tu Dragón 2 sea otra excepción a la regla que las segundas partes nunca son buenas y que, a ratos incluso pueden superar a su película matriz. Estrenos como éste sólo pueden ser bienvenidos, pues motivan a sus similares a superarse a si mismos y al público a ponerse más exigente. Al igual que Hipo y Chimuelo, con este tipo de desafíos, todos ganamos. Por lejos, lo mejor que he visto en el espectro animado en mucho tiempo, y quizás por cuanto más.
****
HOW TO TRAIN YOUR DRAGON 2
Director: Dean De Bloise
Voces: Jay Baruchuel; America Ferreira; Gerard Butler; Cate Blanchett; Jonah Hill; Cristopher Minz-Plisse; Djimon Honsou
Animación
2014
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
terrorista a bordo
Bill Marks (Liam Neeson), alguacil de seguridad aeronáutica, toma un vuelo desde Nueva York a Londres como parte de su trabajo.
Desmotivado con su propia existencia, lo que en un principio es un viaje rutinario toma otro color cuando, desde el mismo avión, un desconocido exige a Marks el pago de una suma exorbitante, o matará a un pasajero al azar cada 20 minutos.
Con el tiempo y con todo en contra, Marks deberá encontrar a este individuo antes que el viaje se convierta en una masacre en el aire…
A estas alturas, Liam Neeson es el emblema del héroe de acción categoría senior. Desde que este concepto fuera concebido por el propio Neeson en Búsqueda Implacable(2008), la carrera de este actorazo inglés ha corrido principalmente por este sentido y hasta ha hecho escuela. Es cosa de ver, por ejemplo, a Kevin Constner en la reciente Tres Días Para Matar.
En Non Stop: Sin Escalas, nueva colaboración entre el español Jaume Collet-Serra, y Neeson, éste vuelve a ponerse en el papel de tipo duro, enojado con su propia vida, y sin mucha motivación para levantarse otro día, cargando con culpas de años, que se ve obligado a convertirse en héroe, muy a su pesar. Si, si, lo sé, lo mismo que vimos antes en otras películas de Neeson, pero ahora en un avión. Quizás no sea nada que no se haya visto antes, pero eso no le quita la gracia. Por el contrario, estrechar el espacio donde se practica este juego de gato y ratón, donde por un buen rato no sabemos quien es en verdad el ratón. Y para hacérsela más difícil a nuestro héroe, enfrenta a un enemigo que va varios pasos más adelante, en un medio distinto al que conoce (frente al centenar de pasajeros del vuelo) y haciéndolo ver ante todo el resto como si él fuese el villano.
La película, para que lo vamos a negar, tiene sus ripios, sus lagunas, sus vacíos. Se farrea, por ejemplo, a actrices de la talla de Julianne Moore o Lupita N’Yongo, reciente ganadora de un Oscar, en papeles intrascendentes, y está repleta de lugares comunes. Pero para qué andamos con cosas, este tipo de películas jamás nos han gustado por su profundidad o por qué tanto cambiarán nuestras vidas, sino que por la cantidad de balazos, puñetazos y momentos para decir WTF!? Que tengan. Y en sus cien y algo minutos, Non-Stop tiene sus buenos cuantos.
Lo único que se espera de este tipo de filmes es precisamente que entretenga, nos sacuda del asiento y nos haga sacarle la madre a quien vaya pasando de cuando en cuando. Así que cumple. Funciona. Y Neeson se rehabilita de ese par de guatazos que fueron The Grey y la floja segunda parte de Búsqueda Implacable, recuperando una grandeza que, en rigor, nunca ha perdido, sino que, a lo más, mandó a descansar un rato. No en vano, pese al abundante elenco, una vez más el peso del filme recae sobre sus hombros.
Y vaya que se la puede.
***
NON-STOP
Director: Jaume Collet-Serra
Intérpretes: Liam Neeson; Julianne Moore; Lupita N’Yongo; Scott McNairy; Linus Roache
Acción
2014
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
que nochecita aquella!
Que año este 2014. Lleno de aniversarios relevantes. De plata, de oro, cincuentenarios, tres cuartos de siglo, en fin. Ello, más la relevancia histórica de los Beatles para la cultura occidental del siglo XX, que hace que cada cosa que hicieron sea digna de celebración, nos sirven para darnos cuenta que, los 50 años que esta semana se cumplieron del estreno de A Hard Day’s Night (La Noche de Un Día Agitado), la primera incursión de los cuatro de Liverpool en la gran pantalla.
Estrenada en el Reino Unido el 6 de julio de 1964, A Hard Day’s Night fue, como solía hacerse en esa época, una forma de hacer extensivo el fenómeno de los Beatles desde la música al cine, en plena Beatlemanía. Desde ese punto de vista, uno tiene todo el derecho a sospechar que esta película no sea más que una mera sucursal de la cual seguir exprimiendo. Las horrorosas experiencias recientes de Jonas. Bieber y Katy Perry justifican esa sospecha, pero en el caso de A Hard Day’s Night no es así. No en vano, son los Beatles.
Dirigida por Richard Lester, la premisa de esta película consiste en un día en la vida de John, Paul, George y Ringo, mientras permanecen en Londres eludiendo a sus fans, realizando actividades promocionales y de relaciones públicas, ensayos y coronándose con una presentación en un popular show televisivo londinense. Todo ello matizado con las bromas que los chicos de Liverpool se hacen entre ellos y para con sus managers, un ocasional altercado con productores y auspiciadores, más los disparates que el abuelo de Paul, John McCartney (Wilfrid Brambell) causa cuando acompaña en el viaje a su nieto, a quien, claramente, pillaron volando bajo.
El argumento de la película es una mera anécdota para justificar la presencia de los Beatles en pantalla y toquen sus canciones. Eso no se puede negar, pero tampoco eso da el derecho a considerar la experiencia como una pérdida de tiempo. Richard Lester podría haber armado un simple collage de grandes momentos (para eso hay documentales), prefiere optar por la aventura, la comedia y explotar el lado lúdico de los Fab Four, lo cual, dados los resultados del filme, terminó por ser una fórmula acertada.
La historia es bastante simple, fácil de procesar y disfrutar. El talento y la simpatía innatos de Lennon, McCartney, Harrison y Starr para las bromas, que no tienen nada que envidiarle a los Hermanos Marx o a los Tres Chiflados, contribuye a que la cinta mantenga un ritmo constante, más allá de las secuencias estrictamente musicales.
La cosa pudo haber sido mucho más simplona, después de todo lleva el sello Beatle y eso la convertía por sí sola en un objeto de culto. Y de hecho, así fue, con un éxito de taquilla en todos los países en que se exhibió en salas, alta rotación de sus canciones y el LP publicado con las canciones del filme (me jacto de tener una versión del vinilo de edición nacional entre mis tesoros) un fenómeno. Pero no se quedó en eso, sino que Richard Lester y los Beatles apostaron por una obra que quedara en la retina y en el inconsciente colectivo de sus seguidores. Y lo lograron.
Si vamos a conquistar el mundo, que sea con las mejores armas, pareciera que pensaron.
Sobra decir que lo lograron. Y no hay que ser fan de los Beatles para pasársela bien con esta noche de un día difícil.
Reestrenada en 2001 en una versión restaurada a cargo de Miramax Films, fue lanzada en dvd a los pocos meses, pero aún no hay una edición oficial en bluray (hasta donde sé, apenas hay una versión canadiense y otra mexicana que no aportan mucho en realidad, así como una edición Criterion Collection que está disponible en Amazon) lo cual es una lástima, no poder disfrutar esta obra en un formato que merezca la pena. Habrá que conformarse con lo que hay y tener paciencia. Después de todo, más de cuatro décadas después de su separación, los Beatles siempre tienen algo nuevo que ofrecernos.
(ojo, Beatlemaníacos, a ver si reconocen a Patty Boyd, la futura mujer de George Harrison y luego Eric Clapton)
***1/2
A HARD DAY’S NIGHT
Director: Richard Lester
Intérpretes: John Lennon, Paul McCartney; George Harrison; Ringo Starr; Wilfrid Brambell; Norman Rossington; John Junkin: Victor Spinetti
Comedia/Musical
1964
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
la historia desde el punto de vista canino
Mr.Peabody es un personaje muy especial. Es el perro más inteligente del mundo.
Dueño de un coeficiente intelectual envidiable y un currículum extraordinario, es el orgulloso padre de Sherman, su hijo humano adoptivo, y creador de la única y más avanzada máquina del tiempo del mundo, con la que va de un momento a otro de la historia, presenciando los grandes hitos y personajes en vivo y en directo.
Así, hasta el día en que Sherman va por primera vez al colegio. Algo inquieto e impulsivo,, Sherman no tardará en meterse en problemas con Penny, la mejor alumna de su curso, hasta ese día, y con ello causar algunos descalabros de históricas proporciones…
Otro gallo le habría cantado a Jay Ward si hubiera tenido los auspicios de otros animadores. Creador de George de la Selva, Rocky y Bullwinkle y Mr.Peabody y Sherman, de haber corrido mejor suerte, bien pudo haberse parado de igual a igual frente a Walt Disney, Hannah-Barbera o Chuck Jones. Eso ha hecho que si bien la mayoría de personajes de Ward sean bien populares en EEUU, pero fuera de país del norte, apenas sean conocidos como para ser reconocidos si son parodiados en Los Simpsons, por ejemplo, pero no más que eso.
Ello pudo haber contribuido a que Las Aventuras de Mr.Peabody y Sherman, sin ser un fracaso de taquilla tampoco hubiese sido el éxito que Dreamworks esperaba, aun cuando sus utilidades fueron más que respetables. No es de extrañar, en consecuencia, que tampoco haya hecho mucho tanto en otras latitudes.
Lo que es una pena, porque, para ser sinceros, estaba bien divertida la cosa.
Si bien no es la gran cosa (Dreamworks ha tenido cosas mucho mejores, como Los Croods, Como Entrenar a tu Dragón, Shrek o El Origen de los Guardianes), esta película, dirigida por Rob Minkoff, uno de los cerebros tras esa obra maestra que es El Rey León (pero también de bazofias como La Mansión Embrujada, con Eddie Murphy) cumple con hacer pasar un buen rato y resulta muy respetuosa de su fuente, aunque dejando el factor educativo un poco de lado. Así como en Chile Themo Lobos hizo que Mampato llegara a los más diversos momentos y rincones de la historia, siempre con un afán pedagógico (sin caer en la mera lectura de libros de cátedra), el objetivo de Peabody y Sherman era inculcar la historia de la humanidad en sus espectadores. Este motivo, si bien está presente en la película, no es el factor preponderante, lo cual, en todo caso, no es obstáculo para el buen desempeño del filme. De hecho, varios de los mejores chistes de la película vienen de parte de los cameos de personajes y eventos históricos, desde el Caballo de Troya, pasando por la Revolución Francesa hasta nuestros días.
Otro buen soporte de la película está en sus personajes principales. Un canino superdotado, meticuloso, metódico y preocupado del más mínimo detalle, junto a un niño algo ansioso, inquieto y no siempre cuidadoso, pero de buenas intenciones. La cosa funcionó durante años y aquí no es la excepción. La inclusión de un tercero, en este caso, una niña que viene a desequilibrar la balanza, que podría desajustar el panorama, no lo hace, sino que termina reforzando la buena relación entre padre/perro e hijo.
Diversión sin altibajos, ideal para pasar una tarde en familia. Ojo, si usted es fanático de Modern Family, véala en inglés: reconocerá las voces de Ty Burrell (Phil) y Ariel Winter (Alex), prestando sus voces a Mr. Peabody y Penny, respectivamente.
***
MR. PEABODY AND SHERMAN
Director: Rob Minkoff
Animación
2014
fretamalt@hotmail.com @panchocinepata
l o b o C i n e p a t a 