círculo vicioso

Estamos en California, es 1970 y en su “oficina”, el detective privado y heroinómano de medio tiempo Larry “Doc” Sportello (Joaquim Phoenix) es visitado por su ex amante Shasta (Katherine Waterson), quien le cuenta del complot que prepara la esposa de su actual amante, Mickey Wolfman (Eric Roberts) para hacerlo desaparecer. A los pocos días, Doc pierde todo rastro de Shasta.

Por esos mismos días, Doc es contratado por un radical afroamericano, para obtener que un ex convicto racista, hoy guardaespaldas de Wolfman, le pague una considerable deuda que mantiene, a la vez que una joven mujer (Jena Malone) le pide ayuda para encontrar a su marido (Owen Wilson) recientemente desaparecido.

Investigando estos casos, Doc visita una casa de masajes, donde es golpeado y abandonado en un estacionamiento junto al cadáver de Charlock, el guardaespaldas que buscaba. Y aunque a juicio del detective Christian “BigFoot” Bjorsen (Josh Brolin) es el principal sospechoso de este crimen, Doc empieza a desenmarañar una enorme operación de drogas que atraviesa a diversos integrantes de la comunidad…

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¿Qué tienen en común filmes como Perdida, Nightcrawler y Vicio Propio? Que son de las mejores películas que he visto el último tiempo, mejores que varias de las nominadas a más de algo en la última temporada de premios y, no obstante, no fueron nominadas a casi nada.

Tomada de una novela de Thomas Pynchon, Paul Thomas Anderson nos traslada a la ficticia zona de Gordita Beach, en California, de principios de los ’70. El hipismo y el poder de las flores nunca fueron lo que querían llegar a ser, Vietnam comenzaba a verse como una piedra en el zapato y EEUU comenzaba una de las etapas más lamentables de su historia, gobernados por un Nixon que era el único que no veía lo mal que estaba saliendo todo.

Esta es la época que sirve de caldo de cultivo para perdedores como el protagonista de esta historia, un tipo que a falta de otras aptitudes se gana la vida buscando personas e investigando misterios menores, para tener lo suficiente para pagar la renta, drogarse y algo de sexo y alcohol barato de vez en cuando. Perdedor al que el destino se encarga de poner en medio de una caótica maraña de escándalo y corrupción que podría removerle el piso a no pocos.

Vicio Propio nos remite inevitablemente a un par de clásicos de la veta más contemporánea del cine noir: El Gran Lebowski, esa cinta imprescindible en la filmografía de los hermanos Cohen, y Barrio Chino, ese entrañable thriller de 1972, protagonizado por Jack Nicholson y dirigido por Roman Polanski. Doc es un perdedor sin mucho futuro (como el Dude encarnado por Jeff Bridges), y que haciendo un trabajo de rutina, se ve enfrentado a un resumidero de corrupción que rebalsa más de lo que el es capaz de controlar, como le sucede a Jake en la cinta de Polanski.

Anderson, que nunca ha sido santo de mi devoción, resulta ser un alumno aplicado y su vicio propio no sólo es una buena adaptación, que construye de manera creíble el insólito mundo gestado por Pynchon, sino además logra armar un relato convincente y atrapante. Juega un poco en su contra esa ansiedad por contar demasiadas cosas, y no separar la paja del trigo, ya que eso confunde un poco al espectador. La película bien pudo excluir ciertos conceptos, personajes o situaciones (era necesario mostrar a Sashat como una suerte de alma en pena, como una alucinación? Que tanto inciden los personajes de Owen Wilson o Reese Witherspoon en la historia?), y se habría entendido igual.

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Pero bueno, así está hecha la cosa, y tampoco cae en los mismos errores que Christopher Nolan en Interstellar, que de tanto meter ingredientes a la sopa, la hizo intragable. Puro Vicio puede tragarse, pero hay que hacer un pequeño esfuerzo para mantener la atención en algunos pasajes.

Con todo y sumado a un muy buen trabajo actoral, partiendo por el siempre sólido Joaquim Phoenix (aunque me gustaría saber en qué minuto le vino semejante viejazo) y los respetables Josh Brolin, Reese Witherspoon (en una temporada especialmente fructífera para ella) y Benicio Del Toro, en un pequeño papel, más un Owen Wilson que sorprende verlo haciendo cine serio después de observar su desempeño en patrañas como Aprendices Fuera de Línea, uno llega a la conclusión que en vez de preguntarse donde tiene la cabeza la Academia, es mejor no saberlo. Puedo entender que hayan dejado afuera Vicio Propio, Perdida o Nightcrawler en forma individual, pero las tres en el mismo año?? Es cierto, son filmes que descolocan, pero no exageren. Háganse ver.

***3/4

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INHERENT VICE

Director: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Joaquim Phoenix; Josh Brolin; Katherine Waterson; Owen Wilson; Benicio Del Toro; Reese Witherspoon; Jena Malone; Martin Short; Eric Roberts; Maya Rudolph; Serena Scott Thomas

Thriller

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

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el mundo según Stephen

Es el año 1963, y en la universidad de Cambridge se conocen los estudiantes de literatura Jane Wilde (Felicity Jones) y de astrofísica, Stephen Hawking iniciando, al poco tiempo, una relación.

No pasa mucho tiempo antes que Stephen comienza a llamar la atención de académicos y estudiantes con sus brillantes teorías acerca del origen del universo, al mismo tiempo que comienza a desarrollar un extraño mal, que afecta todas y cada una de las funciones motoras de su cuerpo, desde caminar hasta hablar, enfermedad que avanza progresivamente, al punto de que el médico le vaticina vivir no más de dos años.

Durante las décadas siguientes, las secuelas de esta enfermedad no serán obstáculo para que Stephen continúe con sus investigaciones, al punto de convertirse en el científico más influyente del siglo XX…con Jane de su lado durante gran parte de este período…

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Aquí tenemos todos los elementos para tener una gran película: una buena base (la biografía de una influyente figura del acontecer mundial, y proveniente de muy buena fuente) un buen director, excelentes actuaciones y cada pieza funcionando en su lugar, y la duración precisa, incluso.

Sólo le faltaba la nacionalidad correcta y teníamos la que, fácilmente se pudo haber convertido en la gran ganadora de los últimos premios Oscar (bueno, eso y ser un poquito más venenosa con el personaje en cuestión…parece que a la Academia le gustan más las biografías que hacen pebre la imagen del personaje en cuestión que aquellas que la ensalzan).

Pero no, la Academia prefirió una vez más ser conservadora y premiar con comodidad a una cinta de la casa, con mucha buena publicidad de su lado (sin ser mala, sigo creyendo que Birdman triunfó más por la buena campaña electoral que por sus méritos cinematográficos, que los tiene aunque nuuunca tanto), que por una proveniente del otro lado del Atlántico como La Teoría del Todo, la lograda adaptación de las memorias de Jane Hawking Travelling To Infinity; My Life With Stephen Hawking.

El trabajo del inglés James Marsh es eficaz para narrar en dos horas y algo los cuarenta años de relación entre Hawking y Wilde, y como esta última presenció en primera fila el progresivo avance de su ex marido en el campo de la física a la par de su deterioro físico a consecuencia de la enfermedad neuromotora que lo aqueja desde joven. Y a diferencia de lo que suelen ser las biopics, Marsh evita caer tanto en la demonización (esas biografías que buscan contarnos el peor lado del homenajeado) ni en la canonización. Si, se habla de la lucha de Hawking por sobreponerse a sus dificultades, y la intención de celebrarlo es evidente, pero no lo principal. Como tampoco analizar su labor científica (para eso hay documentales).

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Aquí el motivo principal es mostrar la dimensión humana de Stephen Hawking, como un individuo que tiene aciertos y errores, como todos. Y se agradece.

(Lo agradece el mismo Hawking, conocido por su amabilidad, cercanía y buena onda. Hablamos de un personaje que no ha tenido problemas en reírse de si mismo varias veces en Los Simpsons o The Big Bang Theory…si a él le parece bien, por qué debiéramos negarlo nosotros?)

El trabajo de caracterización, diseño y arte es notable, y uno se convence completamente, sobre todo si uno observa a la pareja principal, siendo interpretados por los mismos actores desde que Stephen y Jane son menos que veinteañeros hasta su edad madura. Y aquí tenemos una de las mayores fortalezas del filme.

Decía yo antes de los Oscar de este año que Eddie Redmayne iba fijo como mejor actor por la debilidad de la Academia por las biografías. No estaba del todo equivocado, pero más allá del prejuicio, el desempeño de Redmayne le permitió correr la carrera con una ventaja inalcanzable. Prácticamente corría solo. Y es que se transforma de tal manera en Hawking que uno, cuando ha visto al verdadero en documentales u otros eventos, realmente cree que el que está en pantalla es él.

Y esto va más allá del mero maquillaje o de sentarse en tal o cual posición. Redmayne se transforma en Hawking logrando una compenetración con el personaje que resulta conmovedora. Sobrecogedora. Intimidante incluso.

Lo mismo podemos decir de su coestrella, Felicity Jones. Su desempeño y la conexión que logra con Redmayne, incluso cuando el matrimonio Hawking se rompe, suben enormemente los bonos de un filme.

Y a diferencia de otras películas nominadas a algo este año, La Teoría…no padece el mal de “sacas al actor/actriz principal y la película se va al carajo”. Es cierto, Redmayne y Jones contribuyen a aumentar los bonos de un filme que ya los tiene bien en alto. Pero si los sacamos de la ecuación, ésta no se desequilibra, sino que tiene los méritos suficientes para subsistir por si misma.

Ahh, si esta película hubiese sido gringa y no inglesa, otro gallo le habría cantado. Bueno, Hawking se ha equivocado no lo va a hacer la Academia…

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****

THE THEORY OF EVERYTHING

Director: James Marsh

Intérpretes: Eddie Redmayne; Felicity Jones; Charlie Cox; David Thewlis; Emily Watson; Maxine Peake

Drama Biográfico

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

el jodido amo (y que fue!!??)

La vida de Bryan Mills (Liam Neeson) parece por fin estar en orden.

Manteniendo una relación cordial y cercana tanto con su hija Kim (Maggie Grace) y su ex mujer Lenore (Famke Janssen), aunque consciente del mal momento que ésta atraviesa junto a su actual marido, Stuart (Dougray Scott).

Una tarde, Mills descubre el auto de Lenore fuera de su departamento, y en su interior el cuerpo, sin vida de Lenore. La policía no tarda en aparecer y establecer a Mills como el principal sospechoso del crimen.

Haciendo uso de su multiplicidad de recursos ganados tras años en el servicio secreto, Mills consigue evadir la acción policial, y organizarse para encontrar al verdadero asesino de Lenore, probar su inocencia y proteger a su hija, mientras que un inspector jefe, Dozler (Forrest Whitaker), al examinar los antecedentes de Bryan, toma este caso como un desafío personal.

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Hay películas que apreciamos por su aporte al desarrollo del cine, y otras por el buen rato que nos hace pasar. Taken, de 2008, fue una de las grandes sorpresas de esa temporada, y pertenece al primer grupo. Y Tak3n: Busqueda Implacable 3 pertenece al segundo grupo (entre medio hubo una Taken 2, pero si no la mencionamos, es como si no existiera, vale?).

Y eso aunque le pese a los sesudos usuarios de Cuevana devenidos en críticos de sitios como FilmAffinity (a veces pienso que debería hacer algo para aumentar las visitas en este blog, luego leo los comentarios en sitios como ese, y se me pasa), quienes en su mayoría vapulearon el filme.

Lo que es un absurdo. Como he dicho, hay películas que hay que valorar más que por su aporte al cine, no buscan eso, sino que por el buen rato que es capaz de hacernos pasar. Y es porque no pretende más que eso. Tak3n es de este tipo de filmes, y por mi bien que así sea, porque cumple lo que promete.

Y si que han aportado: hasta la primera aparición de Bryan Mills, ese hombre de edad mediana a madura con unas cuantas culpas y uno que otro fantasma persiguiéndolo, que vive una especie de vida tratando de lidiar con ellos y de poner en orden su existencia, y que encuentra la oportunidad de reivindicarse haciendo justicia con mano propia, el hombre de más de sesenta en el cine debía preocuparse sólo de haber producido lo suficiente para disfrutar de una vejez digna y sin sobresaltos financieros, amorosos ni familiares. Pues bien, luego de Bryan Mills surgió esta especie de héroe de la edad mediana, que en vez de pasear al perro por el parque prefiere tomar la pistola y poner las cosas en su lugar.

A estas alturas, y lo he dicho en columnas anteriores, Liam Neeson ha pasado a constituir un género en si mismo.

Es cierto que el guión de Tak3n no tiene la intensidad ni el desarrollo que su insuperable primer capítulo, pero ciertamente funciona y entretiene harto mejor que la segunda, haciendo que el rato se pase volando, fin último de películas como ésta. Pedirle profundidad es como pedirle contenido a las clásicas de Stallone o de Schwarzenegger. Es pedirle que de algo que ni siquiera le interesa tener. Y que no necesita.

Por eso es que amamos estas películas.

Y por eso, y porque está más allá del bien y del mal, soy majadero en insistir: Liam Neeson es el p*/o amo!! Lo dije…y que??

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TAK3N

Director: Oliver Megaton

Intérpretes. Liam Neeson; Maggie Grace; Famke Janssen; Dougray Scott; Forest Whitaker

Acción

2015

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

la liga de los personajes fantásticos

Un panadero y su mujer (James Corden y Emily Blunt), abrumados por su incapacidad para tener hijos, deciden aceptar la propuesta de una bruja (Meryl Streep) quien les ofrece curar esta esterilidad si le ayudan a reunir los elementos necesarios para revertir una vieja maldición.

Una joven (Anna Kendrick) sueña con dejar de ser la maltratada sirvienta de su madrastra y sus indeseables hermanastras.

Un niño (Daniel Huttlestone) quiere evitar a toda costa que su madre se deshaga de su vaca mascota, aun cuando eso los tenga muriéndose de hambre a los tres.

Y una niña (Lilla Crawford) cruza el bosque para visitar a su abuela, ignorante de que un manipulador lobo (Johnny Depp) se encuentra al acecho.

Estos cuatro mundos se encontrarán en el interior del bosque a través del cual se unen todos estos personajes y descubrirán, no de muy buen modo, que sus deseos traen consecuencias que no esperaban…

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Sigue la tendencia hollywoodense de reinventar los cuentos de hadas…aunque En El Bosque de nuevo tiene poco, pues es la adaptación cinematográfica de una popular comedia musical, creada por Stephen Sondheim, pero bastante oportuna si se quiere.

Como fuera, hasta ahora las reinvenciones de cuentos de hadas, más allá de la taquilla, no han sido del todo afortunadas. Si. Ha habido cosas como Maléfica (por lejos la mejor de la especialidad), Hansel y Gretel Cazadores de Brujas (ahí ahí, pero bastante entretenida como para quedársela viendo hasta el final), pero también cintas fallidas como Blancanieves y el Cazador, Espejito Espejito o La Chica de la Capucha Roja, que dejan al estilo con un claro 2-3 abajo. En El Bosque, dirigida por Rob Marshall (Chicago, Memorias de una Geisha, y las insatisfactorias Nine y Piratas del Caribe 4), tiene sus virtudes, de hecho es bastante mejor que las últimas tres cintas mencionadas, pero sin llegar a empatar el marcador.

Tiene sus virtudes, principalmente por el lado de las actuaciones. No vamos a descubrir la pólvora con Meryl Streep a estas alturas, demostrando su polifuncionalidad y versatilidad. La pareja principal (Corden y Blunt) tiene química y nos convence de lo suyo. Anna Kendrick justifica la presencia que ha ganado los últimos años, actuando y cantando cada vez mejor, los niños actores Lila Crawford y Daniel Huttlestone tienen harta personalidad y nos terminan cayendo bien y aunque Johnny Depp repite aquí el mismo personaje que lleva una década encarnando, al menos esta vez nos termina agradando en vez de agotando (si, Depp es uno de mis actores favoritos, pero la verdad sea dicha, lleva una década haciendo a Jack Sparrow pero con otros trajes). Tal vez a ratos todos caigan en la exageración, en la sobreactuación pero ¿que esperaban? Son cuentos de hadas donde una calabaza se convierte en carroza, un lobo primero habla y luego se disfraza de vieja y nadie se da cuenta, y un cabro chico trepa por una planta gigante.

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Por ahí va otro de sus aciertos, y a la vez, desaciertos: intentando ser lo más seria posible, busca respetar el material original de cada personaje de cuentos, olvidándose del canon impuesto por Disney en sus clásicos animados (pero como el estudio que realizó esta película es Disney, al final todo eso queda en nada, pues el equipo encabezado por Marshall no se atreve a desafiar el cedazo Disney y de la calificación PG).

El drama es el ritmo de la historia. Y que Rob Marshall se empeña en filmar algo que no le sale del todo: los musicales.

Si, una película suya ganó en 2002 como mejor película (Chicago) y director pero fue en esas ocasiones que tratando de no quedar mal con nadie, la Academia se decantó por ese filme del que nadie esperaba nada, y así no tener que escoger entre competidores más poderosos (Pandillas de Nueva York, El Pianista y El Señor de los Anillos: Las Dos Torres). La pobre recepción de Nine casi diez años después es prueba de ello.

Eso hace que la película caiga en notorios desequilibrios. En su primera hora cuenta demasiadas cosas sin tomarse el tiempo de que el espectador las pueda procesar debidamente (y entre todas estas cosas hay algunas que realmente no contribuyen mucho al desarrollo de la historia). No hay respiro entre canción y canción. Mientras que en la segunda parte, las revoluciones bajan a tal punto, que llegado el final, nuevamente hay que apretar el acelerador para que la historia alcance a contarse, dejando una vez más la sensación de que uno está viendo demasiado.

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¿Por qué en teatros esta historia ha funcionado tan bien y en pantalla no? Cierto que en vivo la necesidad de optimizar el factor tiempo para que el espectador no se aburra, no se duerma o no se vaya de la sala es la misma que en el cine, pero por la misma circunstancia de que se trata de una presentación en vivo, tiene que saber darse los tiempos para no colapsar ni a su elenco ni a su público. Por lo demás, entre un acto y otro siempre hay un intermedio para estirar las piernas. Eso no existe en la versión fílmica, así que el factor tiempo debe ser aún más optimizado…el problema es que Marshall exagera con eso. Y a la larga termina comprometiendo la obra.

Pensar que con un poco más de criterio hubiésemos estado frente a un clásico instantáneo.

** ½

INTO THE WOODS

Director: Rob Marshall

Intérpretes: Meryl Streep; Emily Blunt; James Corden; Anna Kendrick; Johnny Depp; Chris Pine; Daniel Huttlestone; Lila Crawford; Tracey Ullman; Christine Baranski

Musical/Fantasía

2014

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fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

desagravios metálicos

Más de 20 años han pasado desde que Metallica conquistara el mundo con su álbum homónimo, conocido popularmente como el Black Album (1991), probando que el trash metal podía ser de gusto masivo (cosa que prueba la gigantesca cantidad de copias vendidas del trabajo, el poner cinco singles en los rankings de todo el mundo –cosa inédita para una banda trash: Enter Sandman, Wherever I May Roam, Nothing Else Matters, Sad But True, The Unforgiven, y una exitosa gira mundial que los trajo incluso acá, en un memorable show en el Velódromo del Estadio Nacional en mayo de 1993), convirtiéndose en la banda metal más importante quizás del universo.

Mirando hacia atrás son muchos los fans que hoy miran el presente de Metallica y no pueden sino decir “Que pasó, Metallica? Antes eran chévere!”

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Y tienen todo el derecho a pensar así, si comparamos la época de oro de Metallica, entre 1983 a 1993, con los últimos diez años. No podemos medir de la misma forma clásicos como Kill’em All, Ride The Lightning o el imprescindible Master of Puppets, con trabajos como St.Anger, Death Magnetic o el impresentable Lulu junto al fallecido Lou Reed.

Es cierto que Metallica ha tomado decisiones equivocadas los últimos años: trabajos que no están a la altura de lo que se espera de ellos, experimentos que nadie ha entendido mucho en qué consisten: la guerra entre Lars Ulrich y Napster (el sistema de intercambio de música online aparecido a fines del 99, que ahora que lo vemos es un moco al lado de Spotify, Youtube, torrents y sitios de descarga directa), el documental Some Kind of Monster, el concierto en la Antártica a principios del 2014, que aún hay muchos que no entienden cual era el quid de este asunto, la película Trough The Never (A Hard Day’s Night en clave trash?) o la exitosa pero incomprendida gira Metallica By Request, del año pasado, donde los fans tuvieron la oportunidad de armar, mediante votación on line, el repertorio del tour (farréandose la posibilidad de escuchar en vivo temas que hace media vida no tocaban, optando por la comodidad de las canciones radiales de la banda), y la interminable guerra de palabras entre Metallica y Dave Mustaine, su ex integrante y fundador y hoy líder de Megadeth, acaso la banda que ha tomado su lugar en la escena metalera de los últimos tiempos.

Para no pocos, incluso, este bajón viene de incluso antes, con la publicación en 1996 y 1997 del combo Load y ReLoad. El lanzamiento de este “disco doble” (así fue pensado, intentando emular otro experimento no del todo logrado como fue Use Your Illusion, de Guns N’Roses) presentando canciones más cercanas al formato radial que al trash que los caracterizaba hasta entonces, más videoclips e iconografía encargada a artistas visuales como Samuel Bayer o Anton Corbijin, y, lo que pateó más fuerte a los fans más recalcitrantes, el haber dejado atrás los pelos largos, las poleras negras y los jeans para pasar a usar ropa de diseñador y un look más cercano a la boy-band.

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Por eso, y aunque Metallica no está en mi top 5 de bandas favoritas…quizá en el 10…voy a decir algunas cosas en defensa de este cuarteto, integrado originalmente por James Hetfield, Lars Ulrich y Kirk Hammett, y por la que han pasado el citado Mustaine, Cliff Burton (QEPD), Jason Newsted y Robert Trujillo, porque es cierto que han tenido sus bajones, pero de ahí a crucificarlos per se, hay un largo trecho. Vamos por partes:

-Load y ReLoad.

El regreso de Metallica tras tres años de silencio no estuvo exento de polémicas, como ya lo hemos visto. Es cierto que el formato de cuatro minutos, más apegado al esquema radial, con un cambio de imagen resistido hasta hoy, no tiene el power de sus antecesores y que Fuel es un mal chiste si lo comparamos con Master of Puppets o One. Load y ReLoad son buenos discos pero con algunos problemas. Principalmente, el haber descartado el disco doble por uno seguido del otro obedeció a una razón de lanzar el disco lo antes posible. Con una escena rock dominada por Pearl Jam y Soundgarden, y con nombres como Nine Inch Nails o Marylin Manson en el horizonte, Metallica perdía mucho terreno si seguía dejándose estar. Si estos discos hubiesen esperado un poco más, y en vez de hacer un “disco doble” se hubiera hecho uno solo con lo mejor del disco (Vamos, canciones como Until It Sleeps, Mama Said, Hero Of The Day, The Memory Remains o Devil’s Dance daban para mucho más. Es cosa de escucharlas en vivo).

-Garaje Inc.

Tras la agridulce experiencia de estos discos anteriores, Metallica la rompió recolectando sus canciones favoritas de su etapa más primitiva en este compilado doble, en que rinde tributo a aquellas bandas e intérpretes que fueron fundamentales en su formación musical. Black Sabbath, Misfits, Motorhead, Queen, etc, hasta sorpresas como Bob Seeger (Turn The Page) o Nick Cave. Uno de los discos contenia nuevos covers y el segundo recopilaba los clásicos Garaje Days Revisited y Garaje Days Rerevisited, y otros legendarios bootlegs, devolvían la fe. Quien creyera que Metallica se había ablandado, bastaba una audición del clásico Whiskey In The Jar para darse cuenta de que no era así.

-S & M

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El siguiente paso fue la realización de dos conciertos realizados en el Berkeley Community Theater, California, en abril de 1999, en el cual la banda unía esfuerzos con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, dirigida por Michael Kamen, otro habitual colaborador de la banda. La inédita experiencia fue publicada en un disco doble a fines de ese mismo año, y reinventaba totalmente el repertorio clásico de Metallica, dando un nuevo aire a la obra del conjunto, que por un lado limaba asperezas con su fanaticada de siempre y les abría la puerta a nuevos fanáticos, impresionados con la fuerza de las canciones de la banda que hasta entonces no habían experimentado.

-Metallica en vivo

Con todo lo que se le pueda criticar a sus discos, singles o promociones, algo que nunca perdió Metallica (o al menos hasta el Live By Request, ver más arriba, aunque tampoco es estrictamente su culpa) fue su intensidad y enorme potencia en vivo. De eso no han perdido un pelo y si algo hay que agradecer de cada disco nuevo de la banda es que queda la expectativa de verlos tocar en grandes estadios. Quedó demostrado acá mismito, en 1999, en su segunda presentación en Chile (la primera fue en 1993), aun con abundantes temas de Load y ReLoad en el repertorio, en que tocaron con tal intensidad que hasta en sectores como Providencia y Santiago Centro, zonas medianamente distantes de la pista Atlética del Estadio Nacional, lugar de los hechos, se podía escuchar el concierto.

Y aunque cancelaron su show de 2003 a pocos días de realizarse, sus presentaciones de 2010 en el Club Hípico, y 2014 en el Estadio Monumental, siempre con la clásica Ecstasy of Gold de Morricone como inicio, sirvieron para demostrar que su convocatoria no sólo estaba intacta, sino que era cada vez más poderosa.

Si usted tiene alguna duda de que Metallica sea capaz de mantener su grandeza en escena, consulte el dvd Orgullo, Pasión y Gloria, que compila lo mejor de las tres presentaciones que hizo la banda en ciudad de México, durante 2009.

-The Big 4

Si Metallica necesitaba revalidarse ante la comunidad trash metalera luego de una década en el mainstream, esto fue lo mejor que pudo haber hecho: tocar en el mismo escenario que otros baluartes del género: Megadeth (más allá de la relación de amor-odio que mantienen con su líder y ex fundador Dave Mustaine), Anthrax y Slayer, que se dio en junio de 2010, reviviendo la época en que las cuatro bandas tocaban juntas en festivales durante el auge del movimiento, en los 80.

The Big 4

Fue en este último año que se lanzó el correspondiente combo en cd y dvd, registrando la presentación en Sofia, Bulgaria, que nos confirma que Metallica, arriba de un escenario, tiene esa intensidad, poder y magnetismo intactos. Y que más allá de los cortes de pelo, estética de diseñador y estrategias de marketing, por las venas de Metallica corre del más puro rock, y si usted insiste en negar su calidad de imprescindibles del metal a nivel mundial, del cual siguen siendo uno de sus principales exponentes, es señal inequívoca de que usted es un perfecto ignorante, musicalmente hablando.

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ojo con el arte

A fines de la década de los ’50, y tras el quiebre de su primer matrimonio, la pareja formada por los pintores Walter (Christoph Waltz) y Margaret Keane (Amy Adams) comenzó a exhibir su trabajo en los pasillos de un popular restoran de San Francisco.

A poco andar, los cuadros pintados por Margaret, retratos de personas, principalmente niños, de ojos grandes, se vuelven un éxito, pero la inseguridad de ella, más la personalidad dominante y manipuladora de él, hacen que la gente piense que estas pinturas son de autoría de Walter.

Obligada por las circunstancias, Margaret accede a ceder los créditos por sus obras a Walter, cobrando gran éxito y popularidad, situación que se volverá desesperante cuando la fama y la fortuna empiecen a subírsele a la cabeza al supuesto creador de estas obras…

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Tim Burton marca algunos cuantos hitos con Big Eyes: es su segunda película del género biográfico (tras la imprescindible Ed Wood, hace 21 años). La segunda en que no colabora de manera alguna ni Johnny Depp ni Helena Bonham-Carter (la otra fue Frankenwennie, 2012, de muy buena recepción). Y la primera donde no recurre a su habitual iconografía a medio camino entre lo gótico, el cine de terror clásico, y lo emo.

Y aunque a ratos pareciera ser un filme por encargo, este filme, que más que una biografía propiamente tal, documenta la agridulce relación entre los pintores Walter y Margaret Keane, y su popular obra de mediados del siglo XX, está bastante mejor de lo que Burton ha hecho durante los últimos años.

Burton retoma uno de sus temas favoritos: el artista atormentado, y su debate entre la libertad creativa y la integridad del autor frente a sus creaciones y al mundo.

Lo que antes encarnasen Edward (el ser artificial que se hizo popular con sus arreglos de jardín, sus cortes de pelo y sus esculturas de hielo, pasando al repudio de la masa en tiempo récord cuando quiso hacer caso a su corazón y no al del resto) o Ed Wood (que pese a que no tenía un centavo y tenía menos talento que una tortuga coja siguió fiel a sus convicciones), o incluso Edward Bloom (un tipo que sacó provecho de su creatividad para hacer más llevadera la vida) es lo que encarna en esta ocasión Margaret y Walter Keane.

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El, un artista de la manipulación y la coerción. Ella, una artista propiamente tal, que se debate entre mantener la ilusión que él ha creado, primero por la necesidad, luego por costumbre, finalmente por temor ¿No es eso lo mismo que Edward, Ed y Bloom hicieron en su momento? Uno para ser aceptado, el otro para no morirse de hambre, el tercero para hacer más feliz a su familia.

A la larga, uno llega a la conclusión que el conflicto entre Margaret Keane (cuyo arte Burton conoció de chico y con el tiempo buscó seguir sus pasos) y su marido Walter va más allá de una controversia por derechos de autor, y que éste asunto sólo fue el catalizador en este choque de personalidades. Ella, una mujer que poco a poco va perdiendo la ingenuidad y apostará por el respeto más allá del currículum, él, un individuo descarado, cínico y ambicioso.

Aunque la historia ha sido armada fuera de su estilo habitual (pocos filmes han sido tan poco burtonianos como Big Eyes) lo cierto es que Burton se mueve con la comodidad que no han tenido varias de sus últimas películas, que acompañado por la impecable fotografía de Bruno Delbonnel, la música de su habitual Danny Elfman y las soberbias actuaciones de Amy Adams, superándose a sí misma y constituyéndose en lo mejor de este filme (hay estas alturas alguien en su sano juicio que dude de su increíble talento? Díganme para ir y ponerlo como camote) y de Christoph Waltz (que como siempre, consigue lo que pretende, en este caso, que lo odiemos) en los roles principales, más el buen puñado de secundarios involucrados (ojo con Terence Stamp, en el rol de un implacable crítico de arte, y con Jason Schwartzmann, transplantado desde el universo de Wes Anderson en un personaje que bien podría aparecer en sus películas).

En suma, Big Eyes está lejos de ser una obra maestra en la carrera de Burton (ya las tiene) pero es claramente un síntoma de que después de tanto insistir con cierta estética y fórmulas que terminaron agotándose y por agotar al espectador, ha optado por algo simple: preocuparse más de la historia que de la forma de contarla. Al final eso es lo único que se le pide.

bigeyes03La verdadera Margaret Keane y Amy.

(Y no, no se echa de menos ni a Johnny ni a Helena. Creo que por ahí estaba el problema)

***1/2

BIG EYES

Director: Tim Burton

Intérpretes: Amy Adams; Christoph Waltz; Danny Huston; Krysten Ritter; Jason Schwartzmann; Terence Stamp

Drama/Biográfico

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

indestructible pero no insensible

En 1945, mientras una bomba nuclear estalla en Nagasaki, Japón, un soldado japonés se oculta en un pozo dentro de un campamento militar, donde un prisionero aliado, lo protege de la radiación. Y aunque el prisionero recibe el mayor impacto de la radiación, pronto se regenera y ambos salvan con vida.

Medio siglo más tarde, y a cinco años de la batalla de San Francisco, que zanjó el futuro de la raza mutante, vive alejado del mundo en un pequeño pueblo montañés, Logan..o Wolverine..(Hugh Jackman), lidiando con los fantasmas de su pasado, encarnados en Jean/Phoenix (Famke Janssen), la mujer que debió asesinar para salvar a dos especies.

Una tarde, Logan es contactado por Yukio (Rila Fukushima), mensajera de Yashida (Haruhiko Yamanouchi), el hombre a quien salvara en Nagasaki, ahora convertido en un poderoso industrial. Yashida está a punto de morir, y pidió como última voluntad, despedirse del hombre que le salvara la vida en plena explosión nuclear. A duras penas, y aunque presiente que su resistencia no es la misma de antes, Logan accede a la invitación, embarcándose rumbo a Tokio a los pocos días..

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Si, estoy comentando una película que fue estrenada hace casi dos años, ya salió de cartelera, esta en br, en dvd hace mucho, quizás hasta en el cajón de saldos, y hasta los torrents para bajarla caducaron, seguramente. ¿Y?

Sólo diré que estoy preocupado. El día que Hugh Jackman decida retirarse, envejezca irremediablemente o fallezca, hasta ahí no más quedamos con Wolverine. Porque Jackman ES Wolverine.

Todo esto a partir de Wolverine: Inmortal, la penúltima entrega fílmica del universo X Men antes de la notable Días del Futuro Pasado, y la segunda incursión en solitario del más popular de los mutantes de Marvel. A estas alturas, Jackman y Wolverine son uno solo.

Pero Jackman no es Dios, ni Harrison Ford (que sigue aqui, no se ha ido, ni piensa hacerlo en un buen rato), ni Liam Neeson, ni Chuck Norris (los anda rondando de cerca), en el sentido que su sola presencia aun no es de las que asegura el buen resultado de cualquier película, por mala que sea.

Ya vimos lo que pasó con el primer Wolverine, de 2009, y era un misterio ésta secuela, sobre todo pensando que la Fox nuevamente apostaba por un realizador poco ligado a los superhéroes como James Mangold, director no del todo sobresaliente, pero cumplidor. Y así las cosas, sin producir un gran impacto, Wolverine: Inmortal cumple.

Partiendo de una clásica historia protagonizada por el mutante canadiense de principios de los ’80, escrita por Chris Claremont y dibujada por Frank Miller, que lo ubica en el escenario menos superheroico posible, donde nuestro querido enano se las ve con yakuzas, ninjas y abundante iconografía oriental. Si bien la película recoge parte de esos elementos, desarrollándose el relato por otra cuerda, si respeta gran parte de ese argumento, y mantiene a Wolverine lo más alejado que puede del tema de los superheroes. Pero sin perder el foco en el atormentado personaje principal, atormentado por un pasado que no lo deja en paz, tanto por lo que sabe y que ha vivido, como por lo que desconoce.

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Superando bastante a su predecesora de 2009, aunque sin volarnos la cabeza (imposible, después de X Men First Class, que otro filme de los X produzca ese efecto) Wolverine: Inmortal divierte y logra salir bien parada pese a ciertos agujeros en su última parte, debido principalmente a Jackman y su simbiosis casi perfecta con el personaje (gatillando las dudas que tenía al comienzo).

¿Hay que verla antes de seguir viendo los próximos proyectos del Universo X? No es necesario, no aporta mucho a la historia ni spoilea nada, y menos considerando los efectos de Días del Futuro Pasado, así que eso queda al criterio de cada cual. Pero por último sirve para disfrutar las aventuras de nuestro peludo favorito cuando no está con sus colegas mutantes.

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THE WOLVERINE

Director: James Mangold

Intérpretes: Hugh Jackman; Rila Fukushima; Hiroyuki Sanada; Svetlana Khodchenkova; Haruhiko Yamanouchi; Famke Janssen

Acción

2013

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fretamalt@hotmail.com @panchocinepata