sangre nueva, con sabor a original

Una noche, en medio de un bosque, una joven atada a un árbol es quemada viva, para luego ser rematada a balazos por su propio padre.

Algún tiempo después, un grupo de universitarios llega a una cabaña ubicada en un rincón aislado del bosque, donde pretenden aplicar a una de ellas, Mia (Jane Levy) terapia para que de una vez por todas deje las drogas.

Al poco rato de entrar, la cabaña emite un olor muy desagradable, y al registrar el interior del inmueble, los muchachos encuentran cadáveres de animales momificados y otras señales de que en el lugar se ha practicado brujería, entre ellas un antiguo libro de conjuros que uno de los visitantes imprudentemente lee en voz alta…

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La manía de la industria por los remakes de clásicos del cine, se cobra una nueva víctima.

Aunque en este caso, lo de “víctima” es un decir…porque este filme de 2013, Posesión Infernal (Evil Dead) resulta mucho mejor de lo que uno podría esperar, considerando que ninguno de los ítems en que lo podemos encasillar goza precisamente de buena salud (en el caso de cine de terror hecho en Hollywood, que por cada buena idea aparecen 50 malas y de esas la mitad es secuela de otra…así como en el mundo de los remakes, palabra que de por sí viene con una fuerte carga negativa asociada).

Rehaciendo un clásico del cine de terror/gore/de culto, estrenado en 1981 y dirigido por Sam Raimi, Posesión Infernal es una reconstrucción más que respetuosa de una de las obras fundamentales del cine fantástico. Si bien es cierto la trama de la película no es la misma, el núcleo fundamental de su argumento se ha mantenido intacto: jóvenes que imprudentemente han jugado con lo prohibido, en este caso, la brujería y el satanismo, dejando escapar fuerzas que se les salen de control, a no ser que terminen pagando un precio altísimo.

Como remake tiene este gran punto a su favor: en lugar de ser un mero recocido (y mal hecho) de algo que se hizo antes, Evil Dead modelo 2013 construye una historia que puede sostenerse y defenderse por sí misma, con dignidad. Más allá de salir bien parada a la hora de las comparaciones con su original, lo cierto es que se le puede parar frente a frente a su original, y ganarse su respeto. E incluso su bendición.

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Y como película de terror tiene sus virtudes también: fácil de entender, de trámite rápido y sobre todo: asusta y estremece. En una época en que el cine de terror hollywoodense se ha limitado a repetir varias veces el mismo chiste en películas que impactan más por lo ridículas que terminan viéndose que por su capacidad para dejar sin aire al espectador, incluso obviando el hecho que se trata de un remake, Evil Dead, aplicando los mismos ingredientes (mutilaciones, presencias malignas, muertes horribles y dolorosas) consigue un resultado mucho mejor.

No creo que sea casualidad: los mejores filmes de terror del último tiempo han sido obra de directores no estadounidenses, principalmente españoles, argentinos y uruguayos, como es el caso de Fede Alvarez, realizador de esta actualización. ¿Será que todos estos realizadores conocerán mejor los códigos del género que los asalariados a los que Hollywood encarga sus productos? ¿O es que están menos expuestos a las porquerías que la industria nos quiere hacer creer que deberíamos asustarnos? Teorías van, teorías vienen al respecto. Lo cierto es que todos estos realizadores implican una bocanada de aire fresco en un género que llevaba su buen tiempo haciendo aguas. Y en el caso de Evil Dead, tenemos que concluir que no sólo es un buen ejemplo de como hacer bien el cine de terror (que no va por un tema presupuestario, sino que de ideas), sino además una película que no podremos dejar de contar en los balances del año.

***3/4

EVIL DEAD

Director: Fede Alvarez

Intérpretes: Jane Levy, Siloh Fernández; Lou Taylor Pucci; Jessica Lucas; Elizabeth Blackmore

Terror

2013

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PD: Busquen el easter-egg con la aparición de Bruce Campbell, el actor fetiche de Sam Raimi y protagonista de la película original.

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universidad para todos

Empieza un nuevo año de clases y como es tradición, los alumnos nuevos de las universidades son recibidos por sus antecesores con el clásico mechoneo.

El problema para Miguel (Fabrizio Copano), Dallas (Sergio Freire), Dakota (Pedro Ruminot) y Guata (Rodrigo Salinas) es que sin ser alumnos nuevos son año a año humillados y ni siquiera por sus compañeros del humilde Instituto Michael J. Fox, sino que por los adinerados estudiantes de la vecina, y carísima, Universidad Superior.

Escapando de sus agresores, Miguel, acaso el único con algo de sentido común del grupo, va a parar al Campus de la mencionada Universidad, donde le ocurrirán dos cosas que cambiarán su vida para siempre: por un lado, conoce a Isidora (Juanita Ringeling), alumna e hija de uno de los directores de la casa de estudios, de quien se enamora en el acto, y descubre un concurso llamado Un Robot Para Chile, cuyo premio, un viaje a Silicon Valley, lo que le permitiría, junto a sus amigos, salir de una vez por todas de la miseria.

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Lo que son las cosas, la misma semana que el cada vez más repelente Yerko Puchento hace noticia por otra de sus homo/xeno/loqueseafóbicas y aburridas rutinas (poniendo a su canal contra la pared), parte de El Club de la Comedia estrena su primer largometraje, Barrio Universitario. Y considerando la buena taquilla lograda en estos primeros días de exhibición, reconforta saber que hay más gente de la que uno cree interesada en reírse de otras cosas que no sean trapear el piso con el prójimo.

¿Eso hace de Barrio Universitario la gran comedia que el cine chileno está esperando? Ciertamente no, pues esa cinta todavía no se filma. Y si bien su humor puede verse de buenas a primeras bastante simple, no cae en ningún momento en lo simplón y obvio. El humor de Barrio… está varios peldaños más arriba que el de otros “humoristas” o “comediantes” nacionales, que han hecho carrera sobre la base de reírse hasta la humillación de personajes de otras nacionalidades, razas o géneros. Siempre he dicho que el chileno se ríe fácil con burlarse del minoritario, de los temas de la cintura para abajo y de lo que sucede en la intimidad, y sobre esos temas muchos han contado diez mil veces el mismo chiste. El caso de Barrio, por suerte, está lejos y muy por encima de esto. Y si bien tiene sus falencias, se agradece que evite los clichés y los lugares comunes del humor nacional. Y si lo hace, lo hace con gracia (hay chistes de homosexuales, por ejemplo, pero ninguno es del estilo de Tony Esbelt, gracias a Dios).

Así, tenemos un cuarteto protagónico que si bien no ha caído a la indigencia y de vivir de la caridad, está aún más lejos de tener al menos un buen pasar, enfrentado a un mundo proveniente de un estrato social y económico muy superior. Y es curiosamente respecto de estos últimos en quienes vemos quizás la única caricatura de la que “abusa” la película: el joven de clase acomodada chileno, bien vestido, bien alimentado, que se jacta de su conciencia social porque va a misa todos los domingos y una vez al año va a trabajos voluntarios, pero que a la hora de la verdad, humilla y maltrata de lo lindo a los mismos que dice ayudar. Pongo la palabra “abusa” entre comillas porque, para que andamos con cosas, en este estereotipo, la caricatura y el personaje real se parecen demasiado.

(Si, se ve poco eso de burlarse del más fuerte en vez de hacerlo con el más débil, no?)

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Lo que lleva al otro punto a favor de Barrio Universitario. Leí en alguna parte que una de las grandes virtudes del humor es poner en el tapete los grandes temas sociales. Coco Legrand en sus rutinas lo hace seguido. Roberto Arigoitía quiso hacerla (sin éxito) en la fallida Paseo de Oficina. Y Barrio Universitario lo hace con varios temas de relevancia nacional: el problema de la educación superior, las abismantes diferencias sociales las y  desigualdades gigantescas que existen en la comunidad nacional. Esta película, con todos sus defectos, en 90 minutos pone estos temas en la palestra y consigue generar más consciencia de ellos en la colectividad que tres años de manifestaciones.

Sumando, si bien tiene sus falencias (mejorables, en todo caso, no olvidemos que en buenas cuentas es un filme debut)Barrio Universitario tiene mucho a su favor, y pone su grano de arena al buen momento del cine nacional, en tiempos en que nuestra pequeña industria goza de buena crítica, nominaciones a premios importantes y una nada despreciable taquilla, que nos lleva a pensar que por fin se está dando la identidad entre el cine local y sus espectadores. Es un aporte, pequeño quizás si pensamos en macro, pero mucho mayor que los no pocos pelmazos que por las redes sociales han lloriqueado por que “no usan la misma plata para cosas más útiles”, pero que son incapaces de responder cuando les dicen “como cuales?”.

***1/2

BARRIO UNIVERSITARIO

Director: Esteban Vidal

Intérpretes: Fabrizio Copano; Sergio Freire; Pedro Ruminot; Rodrigo Salinas; Juanita Ringeling; Luis Dubó; Felipe Avello; Marcial Tagle; Ingrid Cruz; Antonia Zegers

2013

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PD: No porque la película sea del equipo de Club de la Comedia quiere decir que aparezcan los mismos personajes.  Asi que olvídese que aquí va a encontrarse a la Rosa Espinoza, al Ratoncito o al Hombre Ardiente. No haga el loco!

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el tamaño no importa, el fondo si

Son los años que mediaron entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Internado en una clínica de rehabilitación del alcoholismo, el ejecutivo Nick Carroway (Tobey Maguire) recuerda cuando en 1922 llegó a Nueva York para trabajar en la venta de bonos, donde se reencuentra con su prima Daisy (Carey Mulligan) y su marido Tom Buchanan (Joel Edgerton) y rápidamente se hace parte del elegante y hedonista ambiente en que ha llegado.

Algunas semanas después, conoce a Jay Gatsby (Leonardo Di Caprio), su vecino, un hombre de muchos recursos, acostumbrado a las celebraciones y a la buena vida, quien pronto toma a Nick como amigo. Y es en ese contexto que Nick se entera que antes de la guerra, Gatsby y Daisy tuvieron una relación, y a pedido de su amigo Nick intenta reunirlos, ignorante de las devastadoras consecuencias que traerá esta reunión…

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Nada que hacer con algunos directores. De nada sirve tener elencos de lujo, abundantes recursos y escenarios o locaciones armadas casi a la perfección si todo eso lo tiran al suelo con algunas mañas personales. Baz Lurhamm es uno de ellos.

Porque desde su filme debut, Romeo + Juliet (1997) nos ha mostrado más o menos lo mismo: historias de romances trágicos, con ambientación y soundtrack a medio camino entre la nostalgia y la modernidad. Quizás le habrá resultado en este filme debut que supo adaptar la historia de los sufridos amantes de Shakespeare desde la Verona renacentista a las playas de California actuales, convirtiendo el conflicto Montesco-Capuleto de una pugna familiar en un conflicto entre pandillas (digamos que resultó. No le quedó del todo bien, pero la película se puede ver hasta el final, sin sentirse culpable). Igualmente, la aplicación de un soundtrack moderno a un filme de época como su segundo (y mejor) trabajo, Moulin Rouge (2001) funcionó.

Sin embargo, su filme de 2008, Australia (2008), buscó ser un drama romántico mezclado con cine de aventuras que no calentó a nadie, y en su más reciente trabajo, Gatsby, basado en la novela de F. Scott Fitzgerald, la cosa está muy lejos de salir bien.

Luhrmann insiste en aplicar la fórmula Tarantino en sus películas (historias de época con elementos actuales) pero sin los resultados que el ítaloamericano genera. Poner en un filme ambientado (correctamente, hay que decirlo) en esa época llamada Los Años Locos (el período posterior a la Primera Guerra Mundial, cuando todos creían que por fin el mundo giraba en paz) y llenarlo con canciones sacadas de MTV (del actual MTV encima) y hacer pasar las reuniones sociales como verdaderas fiestas rave (era una época de reventón, pero no tanto) descoloca y el resultado es, más bien, molesto.

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La estética de videoclip que Luhrmann aplica hasta el cansancio en sus películas ha pasado a ser de su marca de fábrica originalmente a una constante molestia y que sólo contribuye a restarle atractivo a una historia que siempre ha gozado de tremendo potencial. Cierto que la ambientación y el diseño en general de la historia sobrepasan con creces el promedio de estas producciones y el excelente trío protagónico (Di Caprio, Mulligan y Maguire) pone de su parte para evitar el naufragio. Sin embargo, para cuando estas piezas empiezan a funcionar, la pobre capacidad narrativa de Baz Luhrmann ya ha hecho de las suyas y la historia se pierde, y no importa toda la grandilocuencia que este quiera imprimir, la atención ya se perdió.

La cosa hubiera terminado un poco mejor si con Gatsby, Luhrmann hubiese hecho lo mismo que con Romeo… pero eso es sólo un supuesto. Si lo que pretende es acercar los clásicos de la literatura a las nuevas generaciones, mejor que done libros a bibliotecas. Porque para videoclips de reventones, con MTV ya tenemos suficiente, y duran sólo cuatro minutos, por suerte.

**

THE GREAT GATSBY

Director: Baz Luhrmann

Intérpretes: Leonardo Di Caprio; Tobey Maguire; Carey Mulligan; Joel Edgerton; Isla Fischer.

Drama

2013

Great Gatsby

*aun así, no he dejado de acordarme de ese chiste que aparecía en Back To School (1986) donde se le preguntaba a Thorton Melon (Rodney Dangerfield) un millonario pobremente educado que entra junto a su hijo a un bachillerato para tener algo que poner en su lamentable currículum, sobre la novela El Gran Gatsby…y éste responde, nervioso, “El Gran Gatsby…era….grande!!”

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la gran paradoja

Una noche de tantas en Central City, suponemos. Con ayuda de la Liga de la Justicia, Flash ha detenido a su antítesis, el Profesor Zoom, alias Reverse-Flash, quien ha encabezado un plan que reúne a varios de sus enemigos tradicionales. Sin embargo, Zoom le advierte que esto es sólo una parte de su plan, y Flash corre a gran velocidad buscando evitar su concreción.

Acto seguido, Barry Allen, científico policial, y alter-ego de Flash, despierta en su escritorio, y nadie parece saber nada de ninguna situación con héroes y villanos. Salvo la inminente guerra entre Temiscira, con Wonder Woman como líder, y las fuerzas de Atlantis comandadas por Aquaman. Y mientras sale de su oficina, Barry tropieza tratando de tomar velocidad, que no tiene, para luego encontrarse con su madre (a la que vio morir cuando niño) y a su novia Iris…casada y con un hijo.

Buscando respuestas a esta inédita situación, Barry llega hasta la mansión Wayne, la que se encuentra en muy mala conservación, y baja hasta la cueva, donde es sorprendido por Batman…pero un Batman muy distinto del que conoce.

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Jamás he ocultado mi desdén por el concepto New 52, ese concepto que rige actualmente la línea editorial de DC Comics desde hace dos años, que se inició con la publicación de la macrosaga Flashpoint y que redundó en el reinicio de todo el universo de personajes de esta editorial desde cero.

No soy enemigo de hacer ajustes con las historias que se publican. Después de todo, han transcurrido tres cuartos de siglo desde la aparición de Superman y el tiempo no pasa en vano ni siquiera para los personajes de ficción. Mi desdén va por el lado ¿era necesario empezar tooodooo de nuevooo? ¿No bastaba pegar una actualización de mayores o menores proporciones y ya?

Como fuera, lo que mejor hace actualmente la DC con sus personajes, son las adaptaciones, y su rama DC Animated hace rato que se viene mandando un acierto tras otro. Y a menos de tres días de su gran anuncio en la materia, el estreno en live-action de Superman/Batman World’s Finest en 2015, su más reciente estreno, Justice League: The Flashpoint Paradox recoge gran parte del argumento de la citada saga de 2011.

Y es que precisamente ahí viene la gran paradoja: muchas de las historias narradas a partir de los New 52 son bastante buenas, que hacen justicia a sus personajes y han reivindicado otros cuantos, para un amplio sector pierden toda validez al momento de mirar en perspectiva y pensar que obedecen a un principio que lleva a pasarse por allá abajo toda una vida de narraciones anteriores.

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(Bueno, cuando supe que todo esto del New 52 implicaba borrar de un plumazo lo sucedido en joyas como Batman Año Uno, La Broma Asesina o El Largo Halloween, o que implica retomar el concepto del multiverso que llevó a la misma DC Comics al caos algunas décadas atrás…me pegó, y me dolió, ¿Qué quieren que sienta?)

En fin, la hipótesis que plantea The Flashpoint Paradox es tan antigua como los mismos superhéroes: ¿Qué pasaría si…? Y que fue la que llevó al colapso al DC Universe durante décadas. Pero no por repetida, una idea necesariamente tiene que ser mala, y en este caso, el trabajo encabezado por Jay Oliva (The Dark Knight Returns parte 1 y 2) hace de una historia que corría el riesgo de resultar demasiado complicada para el espectador no lector de cómics, evitando alargar la historia más allá de lo necesario, haciéndola lo más compacta y precisa posible. Después de todo, hablamos de una saga de más de cinco episodios y que tuvo extensiones y efectos a todo un universo de personajes, y cualquiera que no haya tomado un cómic en su vida, no tiene la culpa de ahogarse en semejante océano (con el riesgo que tanto ahogado haga de la cinta un fracaso desde todo sentido).

Lo que son las cosas, mientras más se esfuerza DC en ordenar su universo en el papel (entre 1985 y 2011 ha publicado cinco sagas intentando ordenar su cronología, dejando siempre lagunas que terminan afectando al resto) en su división animada, a lo largo de películas y series como la más que rescatable Young Justice ha sabido armar un entorno digno, ordenado y de resultados más que satisfactorios. The Flashpoint Paradox no es sino otro ejemplo de que la DC hace rato está haciendo mejor sus funciones secundarias (animaciones) que la principal (los cómics).

Debe ser por eso que ahora la razón social es DC Entertainment y no Comics.

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***1/2

JUSTICE LEAGUE: THE FLASHPOINT PARADOX

Director: Jay Oliva

Animación

2013.

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monstruoso mechoneo

Desde su más tierna infancia, el monstruo Mike Wazowski ha deseado ser asustador. Por eso, se prepara hasta el cansancio para lograr entrar en Monsters University, la más prestigiosa escuela de asustadores del mundo.

Pero el camino al éxito no será fácil. Por un lado, aunque ha leído de tapa a tapa cada libro escrito sobre el tema, el físico de Mike no ayuda mucho en sus intenciones de asustar. Por otro, la llegada al campus de James “Sully” Sullivan, el más joven y arrogante integrante de una legendaria familia de asustadores, quien llega precedido de su prestigio familiar y rápidamente se convierte en un rival duro de roer…
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Al igual que con Toy Story y Cars, Pixar nuevamente reincide en recurrir a sus personajes ya establecidos para contar una historia nueva. Esta vez, Sully y Mike, los monstruos de una dimensión paralela, son los protagonistas de esta precuela llamada Monsters University, que nos presenta los primeros años de esta pareja, mucho antes que fueran amigos.

Ahora, la gran pregunta es ¿reincidirá en su capacidad para producir películas imprescindibles para la animación?

Es que Pixar nos malacostumbró a filmes de una genialidad insuperable dentro de su género, o incluso más, creando obras animadas que superaron con mucho a sus pares live-action. Monsters Inc., Buscando a Nemo, Los Increíbles, Ratatouille, Wall-E, Up y toda la trilogía Toy Story son obras superiores dentro de la animación. Y no es que las últimas películas del estudio, Cars 2 y Valiente sean malas películas. Dentro de su género son filmes dignos, pero comparados con todas las otras antes mencionadas, están bastante al debe.

(sobre todo si pensamos que, además, todos los demás estudios de animación el último par de años mejoró notablemente su producción).

¿Dónde se ubica Monsters University?
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No en el lado de las joyas de la corona, claramente, pero no está muy debajo de ellas. Y claramente, está sus buenos peldaños arriba de sus sucesoras más cercanas. Divertida, jocosa, a ratos hilarante y por momentos emotiva y emocionante, MU consigue sobresaltar incluso a los que no siguieron la primera película, no tienen idea de que se trata este submundo (aunque puede que queden colgados con algunos chistes que hacen referencia a la primera película), construyendo un filme bien autosuficiente y capaz de sostenerse por sí mismo con dignidad.

Y es que da la impresión que Pixar tomó nota de los errores que hicieron de Cars 2 y Valiente películas buenas pero no precisamente llamadas a la trascendencia. Por un lado, retoma estos personajes (e introduce otros nuevos realmente notables) en una historia con sustancia (a diferencia de lo que pasó en Cars 2, cuyo argumento no era sino una excusa para que Mate hiciera gala de su estupidez, rayando en lo desagradable). He ahí otra diferencia a favor de MU: donde la pelotudez de Mate llega a caer mal, ni Sully ni Mike caen así de bajo y consiguen momentos hilarantes sin pasar a llevar su propia dignidad.

Por otra parte, y a diferencia de lo ocurrido con Valiente, donde la ansiedad de Pixar por construir un filme épico terminó jugándole en contra, da la sensación que el estudio optó por algo simple: contar una historia entretenida, con personajes entrañables y momentos memorables, que terminen fácilmente retenidos por los espectadores. Y a veces, eso resulta mejor, en todos los sentidos, que perseguir obras maestras.

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Parafraseando a otro personaje pixariano, que decía que cualquiera puede cocinar, podemos decir que una historia digna de ser contada, puede provenir de cualquier parte. La gracia está en saberla contar. Y con todo lo que le falta a Monsters University para ponerse a la altura de los imprescindibles pixarianos, lo cierto es que con muchas menos pretensiones, ha terminado por engendrar un resultado muy superior a lo que había venido haciendo últimamente.

Y no deja de ser significativo que eso suceda en un filme que se trata de, precisamente, aprender a reconocer las virtudes propias.

***1/2

MONSTERS UNIVERSITY

Director: Dan Scanlon

Voces: Billy Crystal; John Goodman; Steve Buscemi; Alfred Molina; Helen Mirren

Animación

2013.

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a obras mayores, palabras mayores

Estamos a dos años del futuro según Marty McFly ya no fue así. Providencialmente, estamos a seis del futuro según Philip K. Dick y tampoco pareciera que así llegará a ser, aunque la distancia es mayor y aún hay tiempo de que así sea. No se puede cantar victoria todavía.

¿A qué viene esta reflexión? A que llegó a mis manos la versión en BR de Blade Runner, filme de 1982, dirigido por Ridley Scott, basado en una novela del citado K. Dick, ¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas? Y, aunque la he visto varias veces (esta ya debe ser la tercera o la cuarta que la veo) y he tratado de escribir sobre ella igual cantidad de ocasiones, lo cierto es que no es fácil, y por lo general me he visto sobrepasado. Así que más que una reseña, este es un intento de reseñar una obra compleja, y mayor dentro de la sci-fi.

Sean Young in Blade Runner

La historia parte en el año 2019. Aunque en un principio la existencia de máquinas humanoides llamadas replicantes, copias casi idénticas de seres humanos, era aceptada por la comunidad, su sobreproducción forzó a exiliarlos a las colonias terrícolas fuera del planeta, y todo aquel que no haga caso a dicha norma, será retirado por agentes especializados, o “blade runners”.

Ese año 2019, la empresa Tyrrell, principal productor de replicantes en el mundo, ha lanzado un nuevo modelo de robots, los Nexus 6, casi idénticos al ser humano, pero más fuertes, resistentes y ágiles. Un grupo de ellos, encabezado por Roy (Rugter Hauer) ha tomado consciencia de su limitada existencia (a los cuatro años se apagan para siempre) y ha llegado a la Tierra, desafiando las leyes vigentes a su respecto, para luchar por su inmortalidad.

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Un investigador privado, Deckard (Harrison Ford), ex blade runner, es convocado por la policía, por ser el único que tiene las habilidades precisas para encontrar a estos replicantes.

Partamos por entender que tipo de cine es este filme de Ridley Scott. Es ciencia-ficción, desde luego, estrenado en una época en que la ciencia ficción, Lucas y Speilberg mediante, reverdecía laureles como género y fuente de ingresos para los grandes estudios. Pero donde Speilberg eran historias casi de cuentos de hadas y magia, y Lucas un gestor de narraciones épicas y repletas de aventuras, Scott se la juega por un filme difícil para su momento: oscuro, pesimista. Blade Runner nos muestra un mundo hiperindustrializado, hiperconectado altamente desarrollado tecnológicamente, pero sin muchos recursos naturales y deshumanizado (oh wait!). Por otra parte, se desmarca también del standart sci-.fi de su tiempo en cuanto está más cerca del film noir de mediados del siglo XX que de las épicas batallas con lásers entre rebeldes e imperio, lo que lleva necesariamente a apreciarla de otra forma.

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Acaso no se nota? De haber sido filmada treinta o cuarenta años antes, Deckard bien puede haber sido interpretado por Humphrey Bogart, pues representa el estereotipo del investigador privado propio del cine negro: solitario, melancólico, parco, muy amigo de sus pocos amigos, pero al final del día, invariablemente solo. Y metiéndose en un caso que parece algo rutinario, que al principio se niega a investigar, pero que una vez metido en el asunto, será casi imposible alejarlo de éste (de hecho, la versión original de Blade Runner contaba con una narración en off, a cargo del propio Deckard, lo que hacía aún más noir la experiencia. Cabe decir que este relato fue eliminado por Scott en la reedición estrenada en 1992).

El resultado es, como anticipaba, una obra compleja, que nos pone frente a un héroe –o antihéroe- expuesto a circunstancias que están muy por encima de su alcance, pero a la vez con un villano que, si lo analizamos definitivamente, no tiene malas intenciones, sólo vivir, sentir y experimentar emociones. El problema son sus métodos. Así se entiende el drama de Roy y sus replicantes. Así lo entiende también Rick Deckard, pero que no por eso dejará de lado el factor principal en su relación: representan bandos opuestos de la justicia.

Con el tiempo Ridley Scott presentaría una carrera irregular, con grandes aciertos como Lluvia Negra, Thelma & Louise, Hannibal, Gladiador, Prometeo…pero también con esperpentos como Red de Mentiras, Gangster Americano, Cruzada o Robin Hood. Pero le bastó con este filme, que en Chile se convirtió en una suerte de objeto de culto en su momento (era constantemente repuesta en salas de cine arte y similares durante los 80 junto a otro filme del que guarda muchas diferencias, como La Ley de la Calle) le bastó para escribir una página gigante en la historia del cine estadounidense.

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Y para dejar en claro que si usted aún cree que la ciencia ficción son historias escapistas sobre peleas de naves que lanzan rayos, claramente no tiene idea de cine. Ni de nada. ¿No le da vergüenza?

****1/2

BLADE RUNNER

Director: Ridley Scott

Intérpretes: Harrison Ford; Sean Young; Rugter Hauer; Daryl Hannah; Joanna Cassidy; Edward James Olmos.

Ciencia Ficción.

1982

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fretamalt@hotmail.com    @panchocinepata