algo para no olvidar

Un año después de haber ayudado al pez Marlin a reencontrarse con su hijo Nemo, la desmemoriada pez Dory mantiene su mente ocupada como asistente del profesor a cuyas clases asiste el pequeño.

Sin embargo, durante una de estas clases, Dory sufre un pequeño accidente que la deja un momento inconsciente. Mientras se encuentra en ese estado, una visión le recuerda a sus padres, a quienes dejó de ver siendo muy niña.

Buscando respuestas sobre su pasado, Dory se va en búsqueda de sus padres. Y sabiendo que su falta de memoria a corto plazo puede traerle más problemas que respuestas, Marlin y Nemo se unen en su recorrido…

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A estas alturas podemos agrupar las películas de Pixar del siguiente modo:

1-Las imprescindibles. Esas que trascendieron el mero espectro del cine animado y ponen en vergüenza a cualquier otro filme de cualquier otro género y formato. Esas son las tres Toy Story, Los Increíbles, Ratatouille, Wall-E, Up e Intensamente.

2-Las muy buenas. Quizás no cambiarán la historia del cine como el primer grupo, pero tienen méritos de sobra para quedar en el inconsciente colectivo: Bichos, Monsters Inc, Buscando a Nemo, Valiente.

3-Las que quizás no sean tan buenas pero igual tienen con que resistir: Cars, Monsters University, Un Gran Dinosaurio.

4-Cars 2.

Así las cosas ¿en qué grupo cabe dejar Buscando a Dory, su estreno 2016 con que al fin me puse al corriente? Yo diría que en el grupo 2. Y por razones bastante simples. Es un filme entretenido y atractivo para chicos y grandes, con abundante humor y emociones fuertes y que está por sobre varios peldaños a otros filmes de la especialidad durante este año.

Quizás no tenga ese factor tan propio de las grandes obras de Pixar (grupo 1) que nos pega fuerte, nos sacude de nuestra zona de confort y nos deja pensando por qué uno no ve más seguido películas como éstas. No lo tiene..y a decir verdad, no lo necesita. Con sus personajes, con su historia, con lo que ya tiene, se basta a sí misma.

Es una falta de pretensiones que le ayuda a salir bien parada del reto, de mantener el buen nivel tanto de sus realizadores, como de su precedesora. No estoy diciendo que basta con poner el nombre de Pixar y repetir los personajes y ya. Si algo tiene la mayoría de secuelas que ha hecho este estudio (salvo, por supuesto, el caso de Cars 2) es que su realización no obedece al mero hecho de decir “hagámosla, total para eso son nuestros personajes”. Muchas secuelas que no nos hacen falta han salido con ese pensamiento, y poner a Dory en el mismo saco que la mayoría de secuelas que no obedecen a otro principio que el de vender más cajitas felices es injusto.

Porque a diferencia de estos especímenes, Dory tiene una historia válida que contar. Así de simple.

A lo que voy es que con Buscando a Dory Pixar no está buscando cambiar la historia del cine, sea éste animado o no, sino contar una historia buena. Dentro de las cosas que tiene Pixar es, ante todo, cariño. Por sus historias, por sus personajes y por su público. Por eso no va a darnos un producto prescindible y perecible. Quizás no todas sus películas sean hitos que reinventarán el séptimo arte, pero si con el suficiente valor agregado para destacar entre sus equivalentes, sobresalir y ganar un merecido reconocimiento.

Sin llegar a la perfección, Dory es un filme que funciona en todas sus líneas. Personajes atractivos, una narración ágil y abordable por cualquier espectador y visualmente espectacular. Y es que a veces buscando la perfección, las cosas puede que no salgan bien, mientras que de cuando en cuando, buscando hacer las cosas dentro de lo correcto, salen mejor de lo que esperábamos.

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***1/2

FINDING DORY

Director: Andrew Stanton

Animación

2016

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la muerte viajaba sobre rieles

Parecía un día normal en Seúl, Corea del Sur, y Seok Woo (Yoo Gong), un próspero administrador de fondos previsionales, trata de reconstruir su cada vez más distante relación con su hija Soo-An (Soo An Kim), llevándola a casa de su madre en el distrito de Busan, en el tren rápido que recorre el país.

Sin embargo, un peligroso virus ha sido liberado desde una planta nuclear cercana, infectando rápidamente a miles de ciudadanos convirtiéndolos en bestias sedientas de sangre, y a cada minuto caen más víctimas, poniendo a las principales ciudades en estado de alerta máxima.

Basta que uno sólo de estos infectados aborde el tren a Busan, para convertir este viaje, en principio breve y sin sobresaltos, en una pesadilla de la cual escapar será imposible…

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Hay veces en que te sorprendes, aun cuando estés en frente de una historia que ya has visto muchas veces. Sabes de qué se trata, intuyes lo que va a pasar, hasta planteas tus hipótesis sobre el final…pero igual te sorprendes. Lo disfrutas y hasta lo celebras.

Es el caso de Train To Busan, a.k.a. Estación Zombie filme surcoreano que este año tuvo un destacado paso por el Festival de Cannes, fuera de competencia, y se adjudicó dos premios en el último Festival de Sitges, en las categorías de Efectos Especiales y Director.

Dirigida por Yang Sang-Ho, Train nos plantea un tema recurrente de un género recurrente los últimos años dentro del terror: el apocalipsis zombie, idea que se ha repetido la última década, gracias a películas como la insuperable 28 Days Later, la saga Resident Evil, la notable comedia de 2009 Zombieland, decepciones como Guerra Mundial Z y el fenómeno de The Walking Dead.

Historia y género recurrentes he dicho: accidente industrial que libera un virus que no tarda en reproducirse, poniendo a una cantidad cada vez menor de sobrevivientes contra la espada y la pared, simbolizando además un viaje del héroe para un personaje que se ve forzado a convertirse en eso.

La idea está repetida, los elementos también, hasta los estereotipos involucrados se han visto antes. ¿Qué es lo que hace tan grande a Train To Busan? En términos bien simples, la buena mano de su director, para armar una historia ágil, intensa, cuyo ritmo no decrece en ningún momento. Incluso en los momentos de relativa calma la tensión es patente. Esta habilidad queda en claro incluso al apreciar que la base de la historia, el planteamiento y la introducción de sus personajes principales no nos toma diez o quince minutos iniciales, si es que, pasados los cuales la acción arranca sin más trámite. Y sin parar.

Emociones fuertes, ya sea por el ataque de los zombies, ya sea por la situación cada vez más desvalida de los sobrevivientes y las difíciles relaciones que surgen entre todos estos desconocidos a raíz de la crisis (y los sentimientos de empatía..y también de desprecio…que nos generan estos personajes), por esa sensación de que no te puedes fiar de nada, ni siquiera de los momentos de calma, pues la idea de que todo se puede ir todavía más al carajo.

Más la novedad de trasladar la historia desde campos abiertos donde éstas suelen transcurrir, a un espacio reducido, cerrado, sin mucho espacio, y además, trasladándose con relativa rapidez de un punto a otro (con el riesgo evidente de seguir expandiendo el virus causante de todo), sumado a una muy buena caracterización de los zombies que pueblan la pantalla.

Eso hace de Train To Busan una de las grandes películas del género y, además, una de las imprescindibles de este 2016.

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***3/4

Busanheng

Director: Sang Ho Yeon

Intérpretes: Yoo Gong; So-Ann Kim; Yu-Mi Yeong; Dong-Seok Ma; Eu-Sung Kim; Woo-Sik Choi

Terror/Zombies

2016

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La Reina y Yo

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Pensar que todo comenzó a principios de los ’80, una tarde en que veía a Los Bochincheros..¿o era Ultraman?..en el otrora Teleonce, hoy Chilevisión. Durante una pausa, unos tipos muy distintos a lo que yo conocía como música entonces aparecían sobre un escenario haciendo una canción que no se parecía en nada a las de Julio iglesias o Raphael o Adamo que le gustaban a mi papá, o al Elvis Presley y a los Beatles con las que mi mamá rayaba, o a la Onda Disco que ambos disfrutaban y que, pese a que en el mundo ya se daba por sepultada, aquí todavía era grito y plata.

De pronto, la voz del locutor institucional del canal y unos créditos en pantalla anunciaban “Este domingo, no te pierdas, un increíble especial musical con Queen en concierto!! En transmisión conjunta con Radio Galaxia…” o algo así. Como dije, no había visto nada parecido hasta entonces. Por aquellos días no conocía a Pink Floyd, ni a David Bowie..en realidad no conocía a casi nadie. Por eso, inevitable fue quedar impactado viendo este corto de..¿dos minutos? Era una señal, la primera de varias.

La segunda fue al poco tiempo, cuando escuchaba por la radio el coro de Radio Gaga…o el de Flash. o cuando en una publicidad de una empresa petrolera al término del comercial sonaba I Want To Break Free (aunque años después descubriría un error, ya que en la publicidad, la modelo escogía un cassette donde esta canción no venía…cosas inútiles de las que se da cuenta uno no más). Yo, no cachando nada todavía.

La señal definitiva fue cuando en un programa de videoclips (por alguna razón en particular, antes de los diez años no me perdía Magnetoscopio Musical o Más Música o Videotop) nuevamente hablan de Queen..con un recuerdo y su canción Rapsodia Bohemia. Obvio, me quedé pegado mirando. Y cuando llegamos a la mitad de la canción, con solamente las caras de los integrantes de la banda en un fondo negro, que en algún momento del clip se multiplicaban hasta el infinito, algo me hizo clic. Y ese clic me dijo que Queen tenía que ser una de las bandas de mi vida.

Ya en los ’90, a través de muchas canciones grabadas de la radio o de cassettes prestados por conocidos, e información proveniente principalmente del diario (la vida pre internet era dura), Queen comenzaba a ser parte integrante e inamovible de mi soundtrack. Tanto, que cuando mis papás por fin compraron un equipo de música con reproductor de CD, el segundo compact que me compré, a fines del lejano 1992, fue el inmortal Greatest Hits de 1981.

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Para entonces, ya había pasado un año desde que el SIDA le costara la vida a Freddie Mercury, el 24 de noviembre de 1991. Cosa que sabía. Y que lamenté aun cuando todavía no definía muy bien mi fanatismo por su banda, pero si tenía claro que Queen iba a ser parte integrante de mi soundtrack personal. Por eso, enterarme de la sorpresiva muerte de Freddie me dolió. Del tipo de dolor que sientes cuando conoces a alguien con quien te caes bien, te diste cuenta que pudieron haber llegado a ser muy buenos amigos. Que apenas conociste, pero algo te hace sentirte en deuda con ellos.

Eso cuando estás formando tus gustos musicales es fuerte.

Queen fue una banda que supo trascender y pasar a la historia. Fue capaz de hacer pop el rock sin que este perdiera ese espíritu que hace que amemos el rock como lo amamos. Pero también supo despeinar el pop, hacerlo más ruidoso sin por ello perder su naturaleza de masiva. Convirtió el rock en arte sin hacerlo complejo (para eso estaba Pink Floyd, Genesis o Yes) y sin restarle virtuosismo en pos de la masividad.

Una banda que fue capaz de pasear desde el prog-rock al pop, pasando por el heavy metal de sus primeros años, por el rock’n roll, hasta por la onda disco, sin desvirtuar su espíritu sino que, solamente, haciéndolo más grande.

Todo esto se me viene a la mente cuando veo el calendario y recuerdo que hoy se cumplen 25 años desde la muerte de Freddie Mercury. Es cierto que la banda se ha mantenido vigente gracias a los constantes relanzamientos de su discografía, constantes revisiones, covers y homenajes y a la gestión de dos de los tres integrantes restantes, Brian May y Roger Taylor, por las razones que sean, incluyendo un par de giras con Paul Rodgers o Adam Lambert ocupando el lugar de Mercury, ello no invalida que Queen se encuentre en el lugar que se merece: en el de la inmortalidad.

Dios Salve a la Reina.

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el pequeño guerrero

En el interior de una caverna, cercana a un pequeño pueblito japonés durante el medioevo, vive un niño llamado Kubo, junto a su madre. Con habilidades para la magia, Kubo se gana la vida narrando historias de samuráis en plazas públicas, acompañado de las figuritas de papel que controla conforme va cantando.

Cierto día, al visitar la tumba de su padre, es sorprendido por dos espíritus que afirman ser parientes suyos y lo atacan, invocando una antigua venganza contra éste, en vida un reputado samurái. Y aunque su salvación cuesta la vida de su madre, Kubo, acompañado por un simio mágicamente salido a la vida y un escarabajo gigante, saldrá en búsqueda de la antigua armadura de su padre, para así enfrentar a estos inesperados atacantes…

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El 2016 ha sido un buen año para la animación. Ha tenido sus guatazos (La Era del Hielo 5), sus aciertos (Zootopia), y las no pocas películas que sin ser extraordinarias se desempeñan con dignidad (Angry Birds, La Vida Secreta de las Mascotas, Cigüeñas). Pero me faltaba esa película con la que hacer pasar la cosecha de este año de buena a muy buena a sobresaliente.

No, aún no he visto Buscando a Dory, pero si vi Kubo y la Búsqueda Samurai, cuarto filme de un estudio que, sin grandes aspavientos, hace poco menos de una década que viene haciéndose notar.

Especializados en stop-motion, Laika viene dando cuenta de sus logros desde su primer gran largometraje, Coraline y la Puerta Secreta, de 2009, y siguió a paso firme con Paranorman (2012) y Los Boxtrolls (2014), a una marcha que, si bien aún los mantiene lejos de santos griales como Pixar, Ghibli, Disney o Aardman, lo cierto es que se ha hecho notar, y con poco igual ha llegado a pisarle los talones a sus similares, repitiendo una fórmula muy parecida a la de los demás estudios, es decir, cuentos visualmente atractivos y sobriamente armados, que sirven de escenario para historias inteligentemente armadas, disfrutables por grandes y chicos (aunque algunos personajes pueden resultar algo impresionantes para los espectadores más pequeños) y con un alto grado de emotividad.

Ello, en un escenario donde la animación cuadro a cuadro ocupa el lugar de la tradicional o de la digital. Ello le ha valido a Laika pararse de igual a igual con los gigantes de la animación, en sus propios términos, y salir bien parado.

Kubo, un interesante viaje del héroe que rescata la fantasía y épica nipona desde el punto de vista occidental, no es la excepción. Es un filme que se pasea por distintos matices y lo hace en la justa medida. Kubo contiene emociones fuertes, aventuras y chistes, pero sin convertirla en un sinsentido. Kubo además contiene momentos muy dramáticos sin convertirla en teleserie venezolana, y otros muy emotivos, sin que esto parezca un grupo de apoyo.

Kubo además destaca por cuanto trata algunos temas bastante complejos, más allá del viaje del héroe en que se ve inmerso nuestro protagonista. Es una historia acerca de la pérdida, la muerte, la venganza, el perdón y el hecho de cerrar etapas y seguir adelante. Esto es fabuloso de que se trate en una película familiar estos temas, pero además ha sido un arma de doble filo para Laika, en cuanto al ser tramas más complejas que cualquier otro filme animado, ha hecho que la taquilla se les vuelva esquiva. Kubo.. anduvo más o menos no más en salas estadounidenses y, de rebote, aquí se estrenó en pocas salas y en unos horarios de pacotilla.

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Esto, claro, no es culpa de Laika o de la película, sino de un público cómodo y acostumbrado a cintas de fácil digestión. Por el contrario, uno agradece que aparezcan estudios como éste, que no tienen miedo de arriesgarse, de salirse de los estándares y contar historias más intensas y complejas que películas de animalitos chistosos que cantan y bailan.

Esa actitud nos ha dado grandes cosas. Kubo .. es una de ellas, y ciertamente una de las grandes cintas animadas del último tiempo.

***3/4

KUBO AND THE TWO STRINGS

Director: Travis Knight

Animación

2016

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75 años de Maravilla

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Lo que son las cosas. 2016 será recordado como el año en que la lucha por la igualdad de géneros fue más fuerte que nunca (#NiUnaMenos, movimiento al que aquí adherimos cien por ciento), mismo año en que uno de los más grandes baluartes del movimiento, inmerso dentro de la cultura pop, Wonder Woman, la Mujer Maravilla, cumple 75 años desde su creación.

Puntal del Universo DC junto a Superman y Batman, y pieza basal del concepto superheroico junto a los anteriores, no podemos dejar pasar este hito, por lo que aprovechamos este espacio para repasar algunos datos interesantes en la historia de esta princesa guerrera.

1-Fue creada por William Moulton Marston. Luego de publicar para la revista Family Circle, en octubre de 1940, acerca de las posibilidades del cómic para influir en la educación de las personas. Marston, quien ya había desarrollado un sistema para calcular la presión sanguínea que luego sería la base del detector de mentiras o polígrafo, fue convocado entonces por la All American Publications (futura DC Comics) para aplicar en algún personaje sus conceptos.

Con ayuda de su esposa Elizabeth –y de su amante Olivia Byrne con quien los Marston mantenían una relación triangular muy abierta- concibieron este personaje, que debutó en diciembre de 1941: Wonder Woman.

WW fue diseñada como una mujer autosuficiente, tan fuerte y valiente como Superman, pero sin perder femineidad y encanto, que se integra al mundo para defender valores fundamentales como la paz, la justicia y la libertad.

2-La aparición de Wonder Woman no pudo ser más oportuna, en plena Segunda Guerra Mundial, Diana, Princesa de Temyscira (a.k.a. WW) vio la luz en momentos en que la mujer ganó un papel preponderante en la sociedad occidental al engrosar la fuerza de trabajo e influir en la toma de decisiones. Con todo el contingente masculino en el frente, fue la mujer la que sostuvo el desarrollo de las sociedades durante aquellos años. Y eso hizo que el personaje ganara protagonismo e influencia incluso fuera del papel.

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3-Como todo personaje de DC Comics, su historia se ha visto sacudida por los constantes cambios y reinicios que el Universo DC ha sufrido a lo largo de los años, pero mantiene una misma raíz.

En la aislada isla de Temyscira, hogar de guerreras de ascendencia griega llamadas las Amazonas, la reina Hipólita, cierto día, construye una escultura de una bebé en barro. Contemplando su obra señala que le gustaría tener una hija. Esa noche, Zeus, que escuchó los pensamientos de Hipólita y dio vida a la imagen, la cual fue adoptada por Hipólita y la llamó Diana.

Ya adulta, Diana conoce al piloto Steve Trevor, piloto estadounidense, caído en acción. Diana salva su vida, descubriendo de paso que existe un mundo más allá de Temyscira.

Con el tiempo, Diana se convertiría en embajadora de buena voluntad ante su raza, pero por muy de buena voluntad que sea, eso no quiere decir que no tome las armas de vez en cuando, si es preciso para defender la justicia, la libertad y el entendimiento entre las personas.

Con el tiempo se haría de grandes enemigos, tanto terrenales como extradimensionales: Cheetah, Circe, Nubia, Silver Swann, Phobos, Deimos y hasta el mismísimo Ares, Dios de la Guerra, pero también de grandes aliados, llegando a formar parte de la Sociedad de la Justicia, así como de la Liga de la Justicia, según sus diferentes encarnaciones.

4-El enfoque respecto de Wonder Woman cambiaría durante los 50 y 60.Fenómenos como el baby-boom mandaron a las mujeres de vuelta a la casa, a la cocina y a la crianza, retrocediendo de un plumazo lo que el feminismo había logrado durante la guerra. El auge de la guerra fría, del macarthysmo y de instituciones como el Comic Conde Authority puso muchas trabas a la creatividad…y Wonder Woman no fue la excepción. Su concepción abiertamente igualitaria entre hombre y mujer fue muy restringida, pasando a ser un elemento más decorativo, reduciendo su influencia en los distintos entes sociales.

5-Cuando EEUU volvió a sumirse en el pesimismo durante los ’70 obligó a la industria del entretenimiento a crear universos que devolvieran la esperanza en la humanidad. Fue el caldo de cultivo para creaciones con esos propósitos, como Superman (1978) o Star Wars (1977). Wonder Woman recuperó su status de símbolo feminista y su popularidad, sobre todo gracias a la clásica serie de televisión que debutara en 1975, en la que fue encarnada por Lynda Carter, a la postre la imagen más reconocible de Diana fuera del cómic.

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6-El revival de Wonder Woman definitivo vino luego de la publicación de Crisis On Infinite Earths (1985), reinvención del Universo DC que dio la posibilidad de reescribir el origen y desarrollo de los personajes. George Pérez, uno de los principales dibujantes y guionistas de su época, se hizo cargo de WW, construyendo un mundo tan potente para este personaje, que treinta años después, y con todas las modificaciones que el universo DC ha experimentado, las bases establecidas por Pérez se mantienen intactas.

El paso de otros autores como Phil Jimenez, Greg Rucka, Brian Azzarello y Gail Simone terminaron por engrandecer a Wonder Woman hasta niveles que nunca hubo llegado jamás.

7-Pese a su popularidad tanto en el cómic como en series animadas (desde los clásicos Superfriends de Hannah Barbera hasta los actuales largometrajes animados que de cuando en cuando lanza Warner Brothers, pasando por la Justice League lanzada por Bruce Timm y Paul Dini durante los 2000), WW no ha vuelto a ser retomada en el formato live-action. Hubo un piloto protagonizado por Adrienne Palicki pero que no pasó de los primeros focus group, lo que sepultó la posibilidad de ver a Wonder Woman en carne y hueso, hasta…

…que en 2014 se confirmó a Gal Gadot para encarnar a Wonder Woman en Batman vs Superman, y vio finalmente la luz este año como parte de este filme. para muchos fue lo mejor de la película y ciertamente nos dejó a todos con ganas de más..ganas que veremos saciadas el próximo año, cuando se estrene Wonder Woman, nuevamente con Gal Gadot en el rol principal, junto a Chris Pine, Connie Nielsen y Robin Wright, bajo la dirección de Patty Jenkins..y sin olvidar que también la veremos en Justice League, también en 2017. Nuestras expectativas están por las nubes.

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8-Para cerrar, hablando del impacto de Wonder Woman en la cultura occidental, como símbolo de la lucha por la igualdad de género y el respeto entre las personas, que en octubre pasado, la ONU nombró Embajadora de Buena Voluntad al personaje, en octubre pasado. Y hace pocos días, una encuesta de la revista Rolling Stone la escogió como la más importante de los superhéroes en la actualidad, en cuanto a popularidad, influencia y relevancia fuera de su elemento basal.

Felices 75, Diana!

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

Scorsese por siete

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74 años cumplió don Martin Scorsese. Considerado uno de los directores más influyentes del cine mundial del último medio siglo, y por mucho que digan que ya no filma como antes, me di cuenta que hace rato que no escribía nada suyo. Así, aquí va una pequeña reseña con aquellos de sus filmes que están entre mis favoritos.

(Lo sé, tiene hartas más..y puede que hasta mejores que éstas, pero las aquí elegidas obedecen total y absolutamente a mi propio gusto)

Taxi driver (1976)

A poco de retirarse de la Marina, de la que salió y no en las mejores condiciones, Travis Bickle (Robert De Niro), aquejado de un extraño caso de insomnio, acepta un turno nocturno como taxista en Nueva York. en estas circunstancias, Travis se ve expuesto, en primera persona, a lo más sórdido de la sociedad de su tiempo: la delincuencia, la prostitución, la infidelidad y en general lo más decadente de la condición humana. Tras un fallido romance con la secretaria de un político, y conocer a una adolescente inmersa en la prostitución, Travis considera que ya fue suficiente.

Fue la quinta película de Scorsese, quien ya venía haciendo ruido con su filmografía, pero con este filme, que se adjudicó la palma de oro en el festival de Cannes de ese año, ya no había vuelta atrás. Para muchos es su gran clásico, calificación que comparte/disputa con…

Toro salvaje (1980)

Es la historia del auge y caída de Jake La Motta (Robert De Niro), un boxeador ítalo-americano, por años luchando para ascender hasta ser campeón de los pesos medios. Pero los excesos, la soberbia y sus contactos con la mafia hacen que su caída sea más rápida que su ascenso.

Coptoragonizada por Joe Pesci y Cathy Moriarty, implicó el segundo Oscar para Robert De Niro, quien subió más de veinte kilos de peso para convertirse en La Motta, en sus distintas etapas de auge y decadencia, además del Oscar al Mejor Montaje para Thelma Shooemaker, habitual colaboradora de Marty.

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El color del dinero (1986)

Otrora un gran jugador de billar, Fast Eddie Felson (Paul Newman) descubre a un joven y promisorio jugador, Vincent Lauria (Tom Cruise). Viéndose reflejado en el muchacho, Eddie decide que ya ha sido mucho tiempo de retiro y toma como su aprendiz a Vincent, pero pronto recupera la fe en si mismo, y decide volver al ruedo.

Paul Newman revivió al personaje que interpretó en el filme The Hustle (1961) en un filme sobre hacer las paces con el pasado y con uno mismo, que le valió un Oscar como mejor actor.

Buenos muchachos (1990)

Desde niño, Henry Hill quiso ser gangster. Por eso, cuando tiene la edad suficiente para abandonar la escuela, Henry (Ray Liotta) se pone al servicio de Paul “Paulie” Cicero (Paul Sorvino), quedando al amparo de sus asociados Jimmy Conway (Robert De Niro) y el irascible Tommy De Vitto (Joe Pesci). La historia cuenta el ascenso y descenso de Henry dentro de la familia Cicero, así como el auge y caída de la misma.

No sé si sea la mejor película de Scorsese, pero si la que más me ha gustado, junto a El Color del Dinero. Le valió una nueva nominación al Oscar como mejor director y película, sin lograrlo, aunque si se adjudicó el Bafta en las mismas categorías. Si se fue con las manos llenas Joe Pesci, ganador del Oscar como Mejor Actor Secundario por este filme.

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Cabo de Miedo (1991)

Remake del filme de 1962, del mismo nombre. Max Cady (Robert De Niro) acaba de salir de una condena de 14 años de cárcel por violar a una adolescente. Su abogado, Sam Bowden (Nick Nolte) espantado con la brutalidad del crimen, decide no defenderlo adecuadamente, facilitando su condena.

Durante estos catorce años, consciente de que Bowden no hizo bien su trabajo arbitrariamente, Cady cumple su condena planificando su venganza con lujo de detalles, para convertirse luego en la peor pesadilla de su ex abogado.

No es la película más reconocida o nominada a algo que haya hecho Scorsese pero no por eso es un tremendo filme. Y no podemos no mencionar, a propósito, que inspiró uno de los mejores capítulos de Los Simpson ever: Cabo de Miedosos.

Los infiltrados (2006)

El filme que por fin le dio el Oscar a Scorsese. adaptación de la cinta japonesa Infernal Affairs, nos cuenta dos historias: la del policía Billy Costigan (Leonardo Di Caprio) quien viene de una familia ligada al crimen organizado, y la de Colin Sullivan (Matt Damon) protegido de Frank Costello (Jack Nicholson), uno de los más influyentes líderes criminales de Boston.

Mientras Sullivan se vuelve policía para mantener informado a Costello de los movimientos policiales en su contra, Costigan es obligado a infiltrarse en la pandilla del mismo Costello para informar a sus superiores de las operaciones del mafioso.

Con las actuaciones de Martin Sheen, Alec Baldwin, Mark Whalberg y Vera Farmiga, Los Infiltrados se adjudicó el Oscar a Mejor Película y Director, pagando esa vieja de la Academia para con el tío Marty.

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El Lobo de Wall Street (2013)

La última película de Scorsese, nos cuenta la historia de Jordan Belfort (Leonardo Di Caprio) quien con poco más de 20 años se hizo un nombre como corredor de bolsa en Wall Street. Tras la quiebra de la firma para la que se desmpeñaba, tras la crisis de la bolsa en 1987, decide abrir su propia oficina bursátil.

Capaz de vender helados a los esquimales, pronto Belfort convierte su pequeña oficina en un gigante del negocio, principalmente sobre la base de la especulación, el fraude y otros negocios de dudosa naturaleza, lo que lo pone en la mira del FBI, salvando más de una vez, a duras penas, de los agentes federales.

Historia de un personaje sin moral como la mayoría de los personajes scorseseianos, nuevamente le fue esquivo el Oscar a la película, a su director y a su protagonista, aunque Di Caprio se adjudicó el Golden Globe y el Critic’s Choice Award. Es lo último de Scorsese hasta ahora, y cuando la vi tuve que cambiar mi top ten del 2013. No porque la Academia lo niegue, yo tengo que caer igual de bajo, no?

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

entender a otros para entenderse uno mismo

Cierto día, una docena de naves espaciales han llegado a la Tierra y se han establecido en diversos puntos del planeta. Para desconcierto de las autoridades mundiales, éstas naves no portan armas ni se han mostrado hostiles, sino que simplemente se han estacionado en estos lugares.

Contrariando a sus similares chinas y rusas, las fuerzas armadas estadounidenses optan por buscar una explicación al fenómeno, reclutando a la profesora de lingüística Louise Banks (Amy Adams) y la trasladan a una base secreta en Montana, a fin de desarrollar algún sistema de comunicación que les permita relacionarse con estos seres.

De la mano del astrofísico Ian Donnelly (Jeremy Renner), Louise desarrolla una forma de comunicarse con estos seres y lo hace contra el tiempo, antes de la inminente reacción armada contra los visitantes..

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Se ha vuelto tendencia. Los últimos años, más o menos para esta época, se han venido estrenando filmes de ciencia ficción que, aunque hayan derivado en resultados dispares, ninguna puede decirse que no fue al menos interesante de ver. Así, desde el 2013 hemos tenido la impecable Gravedad, luego Interstellar (interesante, a la cual hay que darle una segunda mirada para absorberla mejor), The Martian (no una obra perfecta, pero de todos modos fue divertida) y este año le tocó el turno a Arrival: La Llegada.

Nueva incursión cinematográfica del franco-canadiense Denis Villeneuve, director que los últimos años sin hacer mucho ruido se ha despachado algunas de las mejores películas del último tiempo (Prisoners, el 2013, y Sicario, el año pasado), Arrival no sólo no es la excepción, sino que bien podría ser la mejor película del año.

Adaptación de la novela de Ted Chaning Story of your Life, Arrival enfoca el tema de las invasiones alienígenas desde un punto de vista poco frecuente, como es preguntarse ¿qué pasaría si nos visitaran extraterrestres, pero éstos no vengan con deseos de conquistarnos o destruirnos, sino a ayudarnos?¿Que no vengan en plan de arrasar con todo, sino a darnos la posibilidad de salvarnos?

Los invasores aparecen en nuestro mundo con un ánimo conciliador, de colaboración recíproca y, a diferencia de la mayoría de invasores de otras películas, nos tienen fe. Tal vez nos vean como poca cosa como todos los demás aliens, pero ven también nuestra posibilidad de evolucionar y ser mejores. Nos ven como seres capaces de conocer y aprender nuestras debilidades y superarlas.

Estrenar un filme así, el mismo año que se estrenó su antítesis más obvia (la secuela de Independence Day) o en épocas en que el tema de la presencia alienígena obedece a conspiraciones entre poderes fácticos (si, Salfate, Giorgios A. Tsoukalos, a ustedes les hablo!!) no deja de ser fuerte. Lo mismo saber que, en tiempos de Brexit y en que Donald Trump es electo por gente que fue en masa a votar por él, aún somos dignos de ser apreciados..o al menos no ser destruidos.

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Eso ya es un tremendo punto a favor de Arrival, y Villeneuve es lo suficientemente hábil e inteligente para armar un relato inteligente (pero sin caer en los excesos que le pasaron la cuenta a Interstellar) pero a la vez emotivo (sin caer en el discurso new age), decorado dentro de un marco sobrio, que nos pone en el fantástico escenario en que se encuentran sus protagonistas. No es necesario ser astrónomo ni doctor en filosofía para entenderla.

El relato, además, es lo bastante entretenido, cuenta con una notable puesta en escena, gracias a la impecable fotografía de Bradford Young y la notable partitura de Johann Johannsson (a ratos me recordó al Brian Eno o al David Bowie de su etapa alemana de fines de los ’70), para acompañar un relato acertadamente narrado desde el punto de vista de su protagonista, un personaje que a través del proceso que debe desenvolver para cumplir su cometido, termina aprendiendo mucho de sí misma, descubriéndose lo suficientemente fuerte como para creer y defender sus convicciones .

En ese marco, la actuación de Amy Adams es fundamental y, nuevamente, sigue la tendencia de esta ciencia ficción, de tener una protagonista femenina potente, capaz de sostener sobre sí el mayor peso de la historia, siendo además perfectamente capaz de conducirla. Sandra Bullock en Gravedad, Anne Hathaway y Jessica Chastain en Interstellar y la misma Jessica en The Martian. Amy se une a este exclusivo club y además ya suena fuerte ad portas de la temporada de premios.

Visualmente atractiva, Arrival es un gran relato sobre divulgación científica, pero además una verdadera oda a la esperanza. Es un filme que ayuda a recuperar la fe en la humanidad y en nuestra capacidad para hacer el bien. Pero también, ayuda a muchos a reencontrarse con el cine en tiempos dominados por las franquicias y recordar que el cine comercial puede ser caldo de cultivo para experiencias sobrecogedoras como ésta. Hay que repetírsela.

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ARRIVAL

Director: Dennis Villeneuve

Intérpretes: Amy Adams; Forest Whitaker; Jeremy Renner; Michael Sthulbarg; Tzi Ma

Ciencia Ficción

2016

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