40 años contra la pared

Han pasado tantas cosas, en tan poco tiempo, que me cuesta creer que desde que Chile entró en ebullición el pasado 18 de octubre aún no hayan pasado dos meses. Pero ha sido tiempo suficiente como para que la vida, individual y colectivamente, nos haya cambiado tanto.

Y a la par de las cosas que han sucedido, están aquellas que hemos dejado pasar, la mayoría de las cuales, y como dije en una columna anterior, son aquellos que nos permiten desconectarnos un poco de las cosas que han estado pasando, o que nos ayudan a hacer catarsis con eso.

Sin embargo, no se nos iba a pasar el aniversario 40 del álbum doble The Wall, de los ingleses Pink Floyd. Una, porque esta banda es tema recurrente en este blog. Dos, por la importancia musical, y extramusical, de la placa. Tres, porque perteneciendo este trabajo a la etapa “política” de PF (iniciada con Animals, en 1977, y concluida con The Final Cut, en 1983), sus canciones e iconografía han estado presentes a lo largo del movimiento social que despertó en el mes pasado.

Para recordarlo, aquí tenemos una serie de hechos relacionados con la publicación y contenido de este trabajo, que ya había sido protagonista de diversos especiales en ese lejano año 2009, cuando se cumplían treinta años desde su lanzamiento:

-The Wall fue publicado el 30 de noviembre de 1979 a través de la entonces CBS Records, aunque desde 2000 el disco pertenece al repertorio de EMI(tras adquirir esta disquera la discografía floydiana producida por la primer<) precedido del single Antoher Brick In The Wall Part II.

-Fue producido por Roger Waters, David Gilmour y Bobn Ezrin. Su grabación tuvo lugar en París, Francia, y Los Angeles California, entre abril y noviembre de 1979, por un equipo encabezado por el ingeniero James Guthrie. Entre los colaboradores estuvo el compositor Michael Kamen en arreglos orquestales.

-Comprende 26 canciones, divididos en dos discos de vinilo, dos cds y, en su momento, dos cassettes –aunque en algunas latitudes, aquí, por ejemplo, se publicó en un cassette más largo-. 22 de éstas pertenecen en exclusivo a Roger Waters, mientras que David Gilmour coescribe tres canciones (Young Lust, Comfortably Numb y Run Like Hell) y The Trial fue coescrita por Bob Ezrin.

-Siguiendo la línea de la creación floydiana, y del rock progresivo en general, The Wall es lo que se dice un disco conceptual, donde letra y composición son el soporte para tratar un tema o narración determinada, de principio a fin.

The Wall plantea la historia de Pink, un rockstar que, harto de todo, se encierra en su cuarto de hotel. Vencido por el alcohol y las drogas, su mente se ve invadida por recuerdos del pasado, como la muerte de su padre en la segunda guerra, la presencia de una madre dominante y sobreprotectora, una educación rígida y castradora, un fracaso matrimonial.

Durante la jornada, Pink sufre una sobredosis, quedando inconsciente. Durante este lapsus, se ve a sí mismo como un despiadado líder fascista, inmisericorde con las minorías, pero que se vuelve un disfraz del verdadero Pink, un individuo débil y quebradizo, oculto tras una pared que lo aísla del mundo.

-La idea se le ocurrió a Roger Waters durante la gira 77-78 de la banda, cuando descubrió en primera fila un fan moviéndose frenéticamente y totalmente enajenado al compás de la música de la banda. Waters lo odió al verlo y quiso golpearlo (sobre todo al comprender que el fulano no tenía la menor idea de lo que la banda intentaba decir en ese momento), pero sintió que había una especie de barrera invisible entre él y el público, que derivó inicialmente en un par de temas y finalmente en el disco doble publicado hace cuatro décadas.

-Pese a su éxito (The Wall es el disco más vendido de la banda después de The Dark Side of The Moon) el alto costo de su montaje en vivo, que incluía animaciones, marionetas gigantes, la réplica de un avión y una gigantesca pared que se derrumba al término del espectáculo, hizo que éste fuese montado sólo en cuatro ocasiones en Londres (lanzado en 2000 en el disco doble Is There Anybody Out There?), Los Angeles y la entonces Alemania Federal, lo que implicó un duro golpe para las finanzas de la banda.

-Fue en este show en Dortmund, Alemania, al que asistió el director Alan Parker. Poco después, se entrevisó con la banda y les propuso realizar un nuevo concierto para filmarlo y exhibirlo posteriormente en cines.En algún instante cambió el curso de los acontecimientos y esta grabación terminó por convertirse en la película del mismo nombre, estrenada en 1982, y que aún nadie sabe a ciencia cierta si es una joya o una reverenda porquería.

-Tanto el disco como el montaje y la película contaron con imágenes del ilustrador y animador Gerald Scarfe, quien corrió con toda la parte gráfica del disco, llevando al papel la demencial gráfica preboceteada por Waters. The Wall es el único disco de Pink Floyd que no es ilustrado por Storm Thorgeson y su estudio Hipgnosis.

-The Wall marca varios momentos cúlmines. En cierto modo, fue el fin de la primera gran época del rock progresivo, en cuanto las bandas insigne del movimiento en los 70 dejaron las composiciones largas, las melodías y arreglos ambiciosos y el virtuosismo para dar paso primero a canciones de cuatro minutos de fácil rotación radial, y segundo para dejar espacio a la nueva generación de bandas que tomaron la escena prog, como Marillion, Pendragon, Dream Theater.

Marca también el fin de la formación clásica de Pink Floyd. El siguiente disco The Final Cut(1983, suerte de segunda parte apócrifa de The Wall) era expresamente un trabajo de Roger Waters interpretado por PF, sin el tecladista Richard Wright. Un par de años después, sería Waters quien daría un paso al costado, iniciando un largo conflicto judicial por las regalías de la banda.

-Lo cierto es que The Wall sigue sirviendo, como puerta de entrada para quienes empiezan a conocer la obra Floydiana. Me pasó a mi, cuando con seis años vi el trailer de la película por televisión, y a los 14 vi la película un domingo de julio por TVN. Ahí empezó todo.

Y si bien The Wall podría no ser el mejor disco de Pink Floyd y sean efectivos los muchos defectos que se le achacan, es el punto a partir del cual se llega a los mejores momentos de una banda fundamental del rock. En mi caso, a mi banda favorita.

Tracklist:

Disco 1

-In The Flesh?

-The Thin Ice

-Another Brick In The Wall Parte I

-The Happiest Days Of Our Lives

-Another Brick In The Wall Parte II

-Mother

*

-Goodbye Blue Sky

-Empty Spaces (en vivo y en la película, sustituida por What Shall We Do Now?)

-Young Lust

-One Of My Turns

-Don´t Leave Me Now

-Another Brick In The Wall Parte III (en vivo, extendida con The Last Few Bricks)

-Goodbye Cruel World

Disco 2

-Hey You

-Is There Anybody Out There?

-Nobody Home

-Vera

-Bring The Boys Back Home

-Comfortably Numb

*

-The Show Must Go On

-In The Flesh

-Run Like Hell

-Waiting For The Worms

-Stop

-The Trial

-Outside The Wall

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apreciar mejor ciertas obras

Los lectores habituales de este blog saben que si bien soy fan de Pixar, saben también que soy lo bastante consciente para reconocer que no todo lo que hacen es oro. Buscando a Dory me pareció una secuela aceptable, pero innecesaria; a Valiente tuve que darle más de una vuelta antes de valorarla completamente; Un Gran Dinosaurio es la única película del estudio que no me ha movido un pelo.

Y entre medio, está Cars, la única de las franquicias y sagas de Pixar con la que más me costó enganchar. La primera, sin ser mala, un bajón en lo que el estudio venía dando durante los ’00 (Nemo, Increíbles, Ratatouille, Wall-E, Up). La segunda es la única película de Pixar por la que he proferido expresiones de odio, aunque con la tercera recuperan con creces el nivel. Mucho.

Pero voy a quedarme esta vez en la primera Cars, estrenada en 2006. He tenido ocasión de repetírmela últimamente, y si bien me sigue pareciendo una obra un tanto menor respecto al grueso de la producción pixariana, el tiempo la ha hecho madurar, y me ha llevado a darle otra valoración.

No es sólo una película de autos simpáticos con ojos fáciles de vender como juguetes. En realidad, y analizada la trilogía globalmente, he terminado por apreciarla como mucho más que eso.

Nuestra historia comienza en la final de la Copa Piston de Automovilismo, y en un resultado inédito, tres corredores han llegado a la meta: El Rey, un querido y legendario ídolo de las pistas, multicampeón y buscando despedirse con una copa más en su exhibidor; Chick Hicks, su clásico rival, un corredor prepotente y ambicioso; y Rayo McQueen, la revelación del último torneo, un joven competidor cuya sed de triunfos es inversamente proporcional a su capacidad de relacionarse con otros. Tanto, que aparte de su mánager y Mack, su leal transportista, nadie más lo soporta.

Anunciada una carrera de desempate entre los tres, McQueen presiona a Mack para llegar a la sede del encuentro lo antes posible, lo que tras un incidente carretero termina por dejar a McQueen varado en Radiator Springs, un olvidado pueblo en medio del camino, cuando termina destruyendo el pavimento de la avenida principal y es condenado a repararlo.

Forzado a pasar varios días en el pequeño poblado, alguna vez una importante parada de descanso, y mientras conoce de cerca a los distintos habitantes del lugar, McQueen empieza a conocer mejor a quienes le rodean, y un poco mejor a sí mismo, aprendiendo que la vida va más allá de las pistas de carrera y de obtener campeonatos.

Aquí es donde uno se da cuenta que Cars es una película de Pixar, ya que alude a algunos de sus temas más recurrentes: evolución, aprendizaje y madurez. Pensemos exclusivamente en nuestro protagonista, Rayo McQueen, al principio de la historia un individuo que no ve más allá de sus intereses personales.

Rayo es muy bueno en lo que hace, uno de los mejores, y nadie lo puede negar. Ese éxito, merecido e indiscutible, sólo que a una edad muy temprana, lo convierte en un individuo inaguantable, cosa que pareciera darle lo mismo mientras persiga su objetivo.

Todo eso parece cambiar cuando termina en Radiator Springs. Aunque a regañadientes acepta su condición de detenido, su visión respecto de la vida cambia radicalmente cuando, por una vez en la vida, tiene la oportunidad de conocer a quienes le rodean, sus emociones, sus afectos, lo que les alegra, lo que les duele. Y va descubriendo esas emociones en sí mismo. Y si bien eso no lo aleja de su objetivo principal, ser el mejor corredor de su generación, va descubriendo una nueva perspectiva desde la cual ver e interpretar las cosas.

Y a descubrir lo que de verdad importa, como se aprecia en la carrera final.

Y viceversa: aunque al principio, McQueen es para los habitantes de Radiator Springs un alborotador que hay que tener alejado lo antes posible. Sin embargo, a la par de la evolución del forastero, los locales van viendo su presencia ya no como una invasión, sino como una nueva oportunidad, sobre todo en el caso de Hudson Hornet, el anciano juez del poblado, con más de un secreto, y un dolor, a cuestas.

Cierto es que no es un filme tan grande como el resto de la producción Pixar de esta década (que comenzó con Monsters Inc., y terminó con la soberbia Up), y es cierto que muchos de sus bonos, a título personal, los baja el personaje de Mate, el recurso cómico de la historia, que funciona en un principio, pero a medida que avanza, termina por resultar irritante.

Quizás sea un filme mediano dentro de la filmografía pixariana, pero aún así es una muy buena película sobre como aprender a ser mejor con el entorno, con las demás personas y, a la postre, con uno mismo.

Pequeña gran película, que necesitaba tiempo para madurar, procesarse y disfrutarse mejor.

***1/2

CARS

Director: John Lassetter

Animación

2006

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pesadilla de principios de verano

La vida ha sido particularmente dura con la universitaria Dani Ardor (Florence Pugh), luego de que su hermana Terri se suicidara en casa de sus padres, quienes murieron junto a ella. A su vez, la relación con su novio Christian (Jack Reynor) se ha enfriado a tal punto, que Dani sólo se enteró del viaje que éste realizaría a Suecia, a través de compañeros de universidad de éste, donde estudia antropología.

Buscando arreglar las cosas, Christian suma a Dani al viaje, con destino a la comunidad Harga, en un apartado rincón montañés, del que proviene Pelle (Vilhelm Blomgren), otro compañero de estudios, para presenciar la celebración del solsticio de verano, que dicha comunidad efectúa cada noventa años.

Sin embargo, los visitantes se ven impactados por el carácter de la celebración, abundante en consumo de alucinógenos, rituales paganos y actos violentos. Pese a ello, los miembros de esta comunidad insistirán en que sus huéspedes se unan a la celebración, lo quieran o no…

Costó, pero llegó. Aunque fue estrenada en julio en los EEUU, durante agosto y septiembre se especuló acerca de su posible estreno en salas nacionales, temiéndose incluso que éste no sucediera. Se confirmó para octubre, pero justo vino el estallido social en Chile, y en esas condiciones, no siendo el cine un artículo de primera necesidad –para la mayoría, aceptémoslo- nuevamente quedó dando bote.

Hasta que las cosas se calmaron un poco, y finalmente llegó a las pantallas Midsommar, segunda película del director Ari Aster tras la sorprendente Hereditary, y obviamente estaba la ansiedad por saber si podría repetir la hazaña de su filme debut, o si lamentablemente se convertiría en un one hit wonder.

Quédense tranquilos, porque la mano y el talento de Aster (uno de los grandes valores del cine fantástico y de terror surgidos en el último par de años, los otros son Jordan Peele y Robert Eggers, los tres presentando sus segundas obras este año) en este segundo filme, que además escribe, se mantienen intactos.

Una vez más al alero de ese oasis de buen cine independiente que es A24, Aster reitera la fórmula que lo puso en el primer plano con su filme debut: que más allá de recurrir a lo visualmente chocante (Midsommar contiene algunas imágenes que para apreciarlas bien hay que tener tripas) lo que de verdad inquieta no es algo que se vea, sino que algo que anda rondando en el ambiente.

Y si en Hereditary esto sucedía en el lúgubre y cerrado ambiente de un hogar en el que la muerte decidió quedarse a vivir, Midsommar apela a un entorno radicalmente distinto: el luminoso, lúdico y hasta encantador paisaje sueco, en los primeros días del verano.

Pensemos: una joven protagonista que acaba de sufrir una terrible tragedia familiar, y viviendo un duro momento en lo afectivo, en estado de alta vulnerabilidad. Un viaje inesperado como mecanismo para intentar arreglar las cosas. Una comunidad medio hippie viviendo prácticamente de lo que ellos mismos producen y conforme a las normas de convivencia que ellos mismos han establecido, celebrando el cambio de estación..¿qué podría salir mal?

La respuesta es simple: todo. La verdadera pregunta es qué tan mal terminará cada cosa. Cosa que desconcierta, desespera y descorazona.

La impecable fotografía de Pawel Pogorzelski contribuye una enormidad a la hora de generar esa situación de incomodidad y contradicción entre la belleza y tranquilidad que inspira el paisaje, y la macabra verdad que se oculta en dicho lugar. Sumada esta visión al cuento que Aster nos narra, y el retorcido mundo en que nuestros protagonistas fueron a terminar, sumado a que al principio las cosas ya no estaban tan bien entre ellos, nos resulta imposible abstraernos de lo que está pasando en pantalla.

Por incómodos que nos sintamos con lo que estamos viendo (en eso Aster tiene su objetivo muy claro, dejar un gusto amargo en el espectador), por mucho que asumamos que nada de esto puede terminar bien, que por mucho que nos encontremos en un idílico lugar lejos del mundanal ruido aún así tenemos claro que no hay salvación posible, no queremos dejar de mirar lo que está pasando.

Y, sin embargo, la sensación que te queda al final, no es la que uno esperaría de una situación como ésta.

Y por eso es que tampoco queremos dejar de mirar lo que Aster nos seguirá presentando a lo largo de su carrera. Un filme debut que tuvo tiempo de sobra para preparar, un segundo filme que ratifica considerablemente los méritos del estreno, y en el que muere en su ley (Aster no es fan del salto y del grito fácil, así como exige un poco más de atención por el espectador frente a lo que está viendo, lo que en su género siempre es un plus) nos bastan para constatar que méritos tiene de sobra para no ser considerado una promesa, y empezar a ser respetado como una realidad.

***3/4

MIDSOMMAR

Director: Ari Aster

Intérpretes: Florence Pugh; Jack Reynor; Vilhelm Blomgren; Will Poulter; William Jackson Harper

Terror/Suspenso

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JokerCosas

Y ya que ahora podemos volver a hablar de Joker sin quedar como alborotadores…porque hay que decirlo, la película protagonizada por Joaquim Phoenix ha hecho cualquier noticia, no sólo por la muy buena recepción lograda, sino también por otro par de detalles que me parece pertinente comentar.


-US$ 1000 millones de recaudación, que la convierte en la película categoría R (18 años mínimo) más exitosa de la historia, en la película más rentable del subgénero de las adaptaciones (lo que costó vs lo que ha ganado), superando incluso a The Dark Knight, la más taquillera de las películas relacionadas con Batman hasta ahora.

Dije en la reseña que escribí en su momento (que pareciera que han pasado 84 años desde entonces) que por estructura, temática, desarrollo veía difícil que tuviera una buena pasada en taquilla. Bueno, a veces da gusto equivocarse, y pareciera ser que la opción por alejarse lo más posible de la fórmula y del estereotipo terminó por darle resultados más que satisfactorios.

Supongo que eso influirá de alguna forma en la manga ancha que le están dando a Matt Reeves para armar el casting de The Batman (Robert Pattinson, Zoe Kravitz, Paul Dano, Jeffrey Wright, Andy Serkis y, se dice, Colin Farrell).

Lo que nos lleva al siguiente punto:

-¿Joker 2?

Bueno, la excelente recepción y el éxito de taquilla les abrió el apetito. Hoy mismo se acaba de confirmar que el director Todd Philips no sólo está trabajando en otra reinterpretación de un personaje de DC Comics, sino además, y cuenta con el visto bueno de Warner Bros para empezar a desarrollar Joker 2.

Esto me deja con sentimientos muy encontrados. La idea de reescribir la historia de un personaje del lado oscuro (las especulaciones miran en forma unánime al mismo nombre: Luthor) no deja de resultar atractiva..la taquilla de Joker ya lo ha demostrado, y tal vez sea este el camino que DC termine por tomar para sus adaptaciones, pensando que hasta ahora no la h tenido nada fácil.

Y aunque ha sido una de las películas que más gusto me ha dado ver este año, siento que se cuenta lo más bien en una sola vez. No necesita una secuela, yo no la necesito, sino que, por el contrario, extender la historia en otra cinta, dañaría enormemente su legado.
Tal vez me equivoque (lo he hecho, y lo he reconocido en esta misma columna), pero prefiero que se mantenga así.

De la gran lista de coincidencias entre los hechos que pasan en la película con lo que nos ha pasado en Chile las últimas semanas, hablamos otro día.

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encuentros con historia

Y bueno, estamos a la nada que se estrene The Irishman, tanto en salas, como en Netlifx y todos andamos con las expectativas por las nubes, principalmente por los nombres que reúne: Martin Scorsese dirigiendo, el regreso de Joe Pesci a la actuación tras varios años de retiro, Harvey Keitel y, especialmente, la esperada reunión entre Al Pacino y Robert De Niro.

Los dos mayores actores de una generación, los rostros que marcaron el renacer del cine de Hollywood como fuente de buenas historias durante la primera mitad de los ’70, y aún siendo muy buenos amigos en lo personal, lo cierto es que han coincidido pocas veces en pantalla. The Irishman, de hecho, es apenas su cuarta colaboración en más de cuatro décadas…¿y las anteriores?

Bueno, repasemos:

-EL PADRINO PARTE II (1974)

Aunque en momento alguno coinciden en pantalla, la segunda parte de la saga de la familia Corleone, dirigida por Francis Ford Coppola, fue el primer filme en contar con ambos dentro de su elenco. De Niro interpreta a Vitto Corleone en su juventud y en sus primeros años en Nueva York, y cómo fue ascendiendo dentro de su comunidad, tanto por sus negocios buenos, como por los no tanto.

En paralelo, Pacino encarna a Michael Corleone, ya con varios años como cabeza del crimen organizado, aunque con intenciones de abandonar los negocios sucios y blanquear las operaciones de la familia, aunque eso le trae roces con el resto de la organización. De hecho, un atentado en su propia cosa obligará a Michael a aplazar su decisión.

Para muchos estamos ante la mejor película de la historia…¿qué más puedo agregar?

-FUEGO CONTRA FUEGO (1995)

La poderosa cinta de Michael Mann fue la primera que reunió a Pacino y De Niro en escena., al ponerlos a distintos lados de la justicia.

De Niro encarna a Neill McCauley, cerebro criminal, responsable de diversos atracos a bancos a lo largo de su carrera, en preparación de su último gran golpe antes de retirarse. Al frente, Vincent Hanna, encarnado por Pacino, un experimentado detective, también conocido por desarticular poderosas bandas criminales, ha empezado a seguir la pista de McCauley, convirtiéndose ambos en el objetivo del otro.

Las secuencias entre ambos, aunque no son tantas, son simplemente poderosas. Por lejos, la mejor colaboración entre Pacino y De Niro, hasta la fecha.

-RIGHTEOUS KILL (2008)

La tercera colaboración entre ambos intérpretes data de hace poco más de una década y, al igual que en el caso de El Padrino, los encuentra al mismo lado de la justicia, al lado del bien al menos. Se trata de Tom “Turk” Cowan (De Niro) y David “Rooster” Fisk (Pacino), dos detectives a un pelo del retiro, aunque ninguno parece estar muy convencido de dejar la actividad. La decisión de jubilar deberá ser aplazada cuando una serie de crímenes vinculados a prófugos de la justicia, los involucre a ambos.

La película, a decir verdad, está lejos de ser medianamente interesante, y pilló a ambos intérpretes en un momento particularmente flojo de sus respectivas carreras, por lo que el filme de Jon Avnet, más que para el récord, difícilmente pueda considerarse un aporte.

Y bueno, así llegamos a The Irishman. Y no diremos más, queremos sorprendernos.

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Willy vs Wonka: un cara a cara

Insisto que no es mi ánimo parecer indiferente o indolente con la situación que está pasando Chile desde hace tres semanas, pero cada cual enfrenta el stress que de ella deriva como mejor le acomoda. En mi caso, viendo películas. Y quiso el zapping que me encontrara con Willy Wonka y la Fábrica de Chocolates, la adaptación del cuento de Roald Dahl estrenada en 1971.

El tipo de películas ideal como para levantar el ánimo. Y es una película que me encantó desde la primera vez que la vi, una tarde de verano, por televisión.

Y me puse a pensar en la adaptación estrenada por Tim Burton en 2005. No remake, para nada, no corresponde esa calificación. Lo cierto es que la de Burton también me gusta mucho, teniendo muy claro lo diferentes que son.

(ojo, spoilers)

Porque si bien la historia es la misma –cinco niños que ganan un cupón dorado para visitar la popular fábrica de chocolates del excéntrico Willy Wonka (Gene Wilder/Johnny Depp). Cuatro de ellos son unos niños irritantes, y el quinto es Charlie Buckett (Peter Ostrum/Freddie Highmore), un niño que pese a vivir en la pobreza, siempre encuentra un motivo para andar de buen humor, y que adora los chocolates- ambas versiones presentan ciertas diferencias. Si gusta, acompáñeme a repasarlas:

-En ambas, Charlie vive en precarias condiciones en una pequeña casa que resiste apenas, con su madre y sus abuelos paternos y maternos que no se han levantado de la única cama en que viven por más de 20 años. En la versión de Burton conocemos al padre desempleado de Charlie, que no figura en la de 1971.

-La versión de Burton apela a la vida familiar de Willy Wonka y la conflictiva relación con su padre dentista –el peor enemigo de las golosinas- que ni siquiera se menciona en la de Mel Stuart.

-Grandpa Joe, el abuelo materno de Charlie, en ambas versiones es el familiar que mejor y más cercana relación tiene con el niño, sobre todo por la devoción que ambos sienten por los chocolates. En la versión de Burton se hace referencia al hecho de que el abuelo, en sus mejores años, fue obrero de la fábrica Wonka, que se omite en la primera.

-Tampoco se menciona en la versión de Stuart que Willy Wonka se vio forzado a cerrar su industria un tiempo, víctima del espionaje industrial. La de Burton sí lo menciona.

-La versión original sí presenta a Slugworth (ValeNada, en algunas traducciones), un inescrupuloso personaje que intenta sobornar a los niños premiados para que le proporcionen información de los productos de Wonka, aunque finalmente se trata del asesor personal del chocolatero, para conocer a los niños ganadores más en profundidad y definir con mejor base al ganador del gran premio mayor.

-Tanto Wilder como Depp encarnan a un Willy Wonka excéntrico y medio chiflado, y en ambos casos se trata de personajes que intentan superar años de aislamiento social y que, por lo mismo, no saben tratar con niños, pese a que son sus principales consumidores. La diferencia es que Wilder trata de ser cercano y paciente con sus visitantes, el Wonka de Depp no oculta su desdén, y hasta desprecio, por éstos.

-Las personalidades de los otros niños ganadores no cambia mucho. Agust Gloop y Veruca Salt siguen siendo los mismos, pero Violet Beauregard pasa de ser una mera adicta a masticar chicle a una niña que quiere ganar cuanto premio le pongan al frente, y Mike Teevee pasa de ser un niño que ve mucha tele, a un irritante gamer/niño rata.

-En ambos casos los Oompas Loompas provienen de Loompalandia, un lugar terrible. En la segunda versión, éstos duendecillos además son fanáticos del cacao, y son rescatados por Wonka para que trabajen para él y se paguen en los infinitos granos de dicho fruto a su disposición. En ambos filmes cantan la moraleja de cada chasco sufrido por los niños premiados, pero en la primera sólo cambian la letra de la canción, para una sola melodía.

La otra diferencia es más bien técnica. En 1971, los Oompas Loompas eran actores de baja estatura disfrazados. Muchos. Mientras que en 2005, eran personajes creados digitalmente, a partir del actor Deep Roy.

-El premio mayor consiste en una dotación vitalicia de productos Wonka y, en el fondo, la propiedad de la fábrica, dado que Wonka, luego de una crisis de la edad mediana, siente la necesidad de buscar un heredero.

-En ambos casos, Charlie casi no gana el premio mayor. En la primera, por una infracción a un contrato con muchas letras chicas firmado al inicio de la visita. En la segunda, porque no acepta la condición exigida por Wonka, de renunciar a su familia. En ambos casos, la honradez y la bondad del niño son claves para adjudicárselo.

-Ambas tienen momentos creepy. En la primera, la secuencia del paseo en barco fue censurada en algunas latitudes (aparte de lo oscura que ya es, Wonka se manda un pequeño monólogo acerca de la muerte y la locura), mientras que la segunda incluye una presentación con títeres que termina muy mal.

-En ambos casos, la conclusión es que Charlie se hace cargo de la fábrica, integrando a su familia a Wonka como un integrante más. Eso queda explícito en la película de Burton, mientras que en la de Stuart se insinúa.

Y usted, ¿encuentra alguna otra diferencia? Anímese y agregue.

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no abandonar

Es cierto, estamos pasando los momentos más duros de nuestra historia reciente. Una época en que todos andamos tensos, angustiados, no es raro encontrarse con alguien muy enojado por la calle. Días en que cuesa hacerse el ánimo de hacer las cosas, desde levantarse a trabajar, o incluso hacer aquello que más nos gusta y que, precisamente, nos relaja y ayuda a hacer catarsis.
Y los últimos anuncios tampoco ofrecen mucha esperanza que digamos.

Por eso, no viene mal recordar este mensaje del tío Peter Gabriel, un amigo de la casa, junto a la tía Kate Bush desde 1986:

NO TE RINDAS

En esta tierra orgullosa crecimos fuertes.
Eramos queridos todo el tiempo.
Me enseñaron a luchar, me enseñaron a ganar.
Nunca pensé que podría fallar.
No quedan luchas o eso parece.
Soy un hombre cuyos sueños lo han abandonado.
He cambiado mi rostro, he cambiado mi nombre.
Pero nadie te quiere cuando pierdes.

No te des por vencido,
Porque tienes amigos.
No te rindas,
No has sido derrotado aún.
No te des por vencido,
Sé que puedes volverte exitoso.

Aunque lo ví todo alrededor,
Nunca pensé que podría afectarme.
Pensé que seríamos los últimos en irnos.
Es tan rara la forma en que las cosas suceden.
Por la noche conduje hasta mi hogar,
El lugar donde nací, al borde del lago.
Cuando se hizo de día, ví la tierra.
Los árboles se habían quemado completamente.

No te des por vencido,
Aún nos tienes a nosotros.
No te rindas,
No necesitamos mucho de nada.
No te des por vencido,
Porque en alguna parte hay un lugar
Al cual pertenecemos.

Reposa tu cabeza.
Te preocupas demasiado.
Todo va a estar bien.
Cuando los tiempos se ponen difíciles
Puedes recurrir a nosotros.
No te rindas,
Por favor no te rindas.

Debo caminar fuera de aquí,
No puedo soportar más.
Voy a pararme en aquel puente,
Mantener mis ojos hacia abajo,
Venga lo que venga
Y pase lo que pase.
Ese río fluye.
Ese río fluye.
Me mudé a otra ciudad,
Me esforcé por adaptarme.
Para cada trabajo, tantos hombres,
Tantos hombres que nadie necesita.

No te des por vencido,
Porque tienes amigos.
No te rindas,
No eres el único.
No te des por vencido,
No hay razón para avergonzarse.
No te rindas,
Aún nos tienes a nosotros.
No te rindas ahora,
Estamos orgullosos de lo que eres.
No te des por vencido,
Sabes que nunca ha sido fácil.
No te des por vencido,
Porque creo que hay un lugar,
Hay un lugar al cual pertenecemos.

Para buscar en Youtube, Spotify o similar: Don’t Give Up. Escuchéla, léala. Le va a hacer sentir mejor.

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