Especial Star Wars 1: Partida fantasma

Y bueno…es el año de Star Wars, ya hemos dicho, y me puse a pensar que de las seis películas originales, apenas he reseñado dos de ellas…bueno, entonces, pongámonos al día, y de aquí al estreno de The Force Awakens, pagaremos esta vieja cuenta, partiendo desde el principio…

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Las negociaciones comerciales entre la llamada Federación de Comercio y el gobierno del planeta Naboo han llegado a un punto difícil. La flota de la Federación ha bloqueado la órbita del planeta, y la reina de este último, Amidala (Natalie Portman) ha pedido al Senado de la República la presencia de mediadores para resolver el conflicto.

Los escogidos son el caballero jedi Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) y su aprendiz padawan Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), quienes fracasan en su mediación cuando apenas salvan de morir a manos de las tropas de la federación, descubriendo que el bloqueo es una fachada para la inminente invasión al planeta.

A sugerencias de los jedi, Amidala decide acudir a Coruscant, al Senado de la República, pero los ataques de la Federación fuerzan a la nave de la reina a desviar a Tatooine, donde Qui-Gon descubrirá a un pequeño esclavo, Anakin Skywalker (Jake Lloyd) quien pronto llamará su atención con sus precoces habilidades..

O a fines de los ’90 eramos más ingenuos o la sobreinformación todavía no nos mandaba al carajo la capacidad de asombro, pero cuando tras el reestreno en 1997 de Star Wars Trilogy Special Edition, George Lucas anunciaba que Star Wars volvería a los cines con una trilogía a partir de la cual se empezaba a contar la historia previa a A New Hope, argumentando que ahora sí contaba con los mecanismos tecnológicos para hacerlas realidad.

Noticia que, en una era previa al nerd-power, fue una verdadera bomba, y todos empezamos a marcar en el calendario para calcular cuanto faltaba para que Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma fuese estrenada.

Tan cegados estábamos que, cuando finalmente la vimos, el costalazo fue doloroso.

Nunca sabremos a ciencia cierta si LAF es realmente una mala película o nosotros la encontramos tan mala porque no era lo que esperábamos. Lo cierto es que, no hay duda alguna, es el capítulo más débil, más flojo de la saga Star Wars.

Tiene sus cosas buenas, partiendo por Natalie Portman (¿necesito decir algo más?), siguiendo con la siempre impecable partitura de John Williams y un duelo final a espada láser que paga, sin creces eso sí, el habernos bancado todo lo otro que hemos visto antes. Pero los problemas, las fallas que presenta son demasiado notorias como para que estos aciertos puedan hacerlas pasar piola.

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La principal es el ritmo de la narración, el desarrollo de la misma. Si uno piensa en la trilogía original, su gran gracia es que en todas las escenas pasaba algo. Fuera una secuencia de acción, una revelación importante, o incluso algún chiste. Las películas originales se bastaban a sí mismas para explicarse, darse a entender y defenderse solas.

No es lo que pasa con LAF. Durante largos pasajes…no pasa nada.

El guión es flojísimo en cuanto se da demasiadas vueltas para que pasen las cosas. Demasiadas explicaciones. Demasiadas justificaciones que le bajan mucho el ritmo a la historia. LAF se hace lenta, soporífera y se toma la molestia de explicar demasiadas cosas que al final uno termina entendiendo nada y disfrutando menos, sobre todo cuando empieza a caer en contradicciones como la innecesaria explicación de los midiclorianos (¿no que la Fuerza se constituye de energía mística?¿Cómo es que ahora entonces se mide como si fueran glóbulos rojos?), y en un montón de secuencias sobrantes.

La flojera de este guión se arrastra a la mayoría de sus personajes y hace que estos se vean planos y sin mucha gracia..¿Cómo es que Liam Neeson tiene un personaje tan…como decirlo? Es raro ver a Neeson, a estas alturas el prócer de los héroes de acción categoría senior en un personaje tan contemplativo y de actitud tan insoportablemente new age ¡Que mal aprovechado! Ewan McGregor, encarnando a su aprendiz ofrece una performance bastante mejor. Del villano de la película, Darth Maul (Ray Park) la verdad se le pudo sacar un mucho mejor provecho, ya que del titular poco y nada sabemos aún. Y por Dios que cuesta creer que ese niñito simpático que sale va a ser el más cruel de los líderes del Imperio en unas décadas más.

No voy a referirme ni a los supuestos estereotipos raciales que se imputaron sobre la película (que Jar Jar Binks sería el típico latino/caribeño medio tonto de las películas, Watto un usurero judío o la Federación de Comercio unos ambiciosos mercaderes árabes) y menos voy a gastar mi tiempo en el citado Jar Jar…si, George, sabemos que en toda película de aventuras tiene que haber un bufón pero…si ya tenías a C-3PO, que siempre nos cayó mejor!! ¿Qué necesidad tenías de crear a este pelmazo?¿Que necesidad tenías de intentar convencernos que era gracioso cuando al único que le cayó bien fue a ti?

Más doloroso aún es darse cuenta que el mismo año, dos películas que deben haber costado un tercio que LAF le pegaron su buena cantidad de patadas en la r…The Matrix y Sexto Sentido le dieron una y mil vueltas al Episodio 1, aun cuando sus realizadores nunca volvieron a ser capaces de mantener el nivel en sus siguientes películas.

Me atrevo a agregar que, si en vez de haber partido por A New Hope, Lucas hubiera arrancado con este filme, así tal cual lo conocimos, difícilmente SW hubiera llegado a ser el gran hito cinematográfico y extracinematográfico que conocimos. De hecho, no son pocos los que niegan la existencia de LAF como parte del universo SW, canónico o expandido. Si no fuera por la devoción que ya existía por Star Wars, esta cinta le hubiera hecho honor a su nombre: un fantasma.

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STAR WARS EPISODE I: THE PHANTOM MENACE

Director: George Lucas

Intérpretes: Liam Neeson; Ewan McGregor; Natalie Portman; Ian McDiarmind; Pernilla August; Ray Park; Terence Stamp; Samuel L. Jackson (y si tiene ojo, reconozca a Keira Knightley y Sofia Coppola)

Ciencia Ficción/Aventuras

1999

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el lado tricolor de la Fuerza

Hace no mucho tiempo, en una feria del libro muy cercano…

Este 2015, quiéranlo o no, todos los caminos llevan a Star Wars. Con el éxito de la serie Rebels (ya en su segunda temporada) y la inminente llegada de The Force Awakens, prácticamente todo el universo gira en torno a la saga creada por George Lucas hace cuatro décadas. Y no hay rincón en toda la creación que no reciba su influencia. Ni siquiera este delgado pedazo de tierra al fin del mundo.

Es en ese marco que llegó a mis manos Por La Razón o La Fuerza (Planeta, 172 páginas) una selección de relatos escritos por diversos autores nacionales relacionados directa o indirectamente con Star Wars.

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segmento del lanzamiento de Por La Razón O La Fuerza, octubre 2015

Provenientes de la literatura, el guión, el cine, la crítica y la música, la mayoría de autores son cual más cual menos, seguidores de la saga más grande de todos los tiempos (lo siento, hobbits, pero con todo respeto sus anillos nunca me produjeron las mismas cosas que un sable láser), principalmente de la trilogía original, y por ahí hasta se deja ver uno que otro relato proveniente de autores que no tienen mayor relación con el universo starwarsiano, pero que de alguna manera han visto que sus vidas han sido tocadas por la Fuerza.

Todo termina en Star Wars.

Desde dos amigos hablando de política, que nos demuestran que las cosas no son tan distintas de un extremo a otro de la galaxia, un joven universitario recordando cuanto le afectó ser fan de SW en su edad escolar, un complot para deshacerse de un abusivo líder de un grupo de fans, una difícil historia de amor entre ewoks, o como SW fue el bálsamo que permitió a algunos enfrentar crisis familiares, enfrentar la pérdida de la inocencia o el obstáculo para llevarse a la cama a una chica, y una mirada respecto del conflicto galáctico entre Imperio y Rebelión que está para volarle la cabeza a unos cuantos…sazonado con algunas experiencias personales de algunos autores frente a como Star Wars les pegó tan fuerte.

Y a uno que también le pegó fuerte Star Wars, desde que para esa Navidad se encontró con R2-D2 entre sus regalos, que ninguna otra película le provocó lo mismo que esa domingo de enero de 1984 cuando entró en el cine Bandera a ver el Regreso del Jedi* (si, partí al revés…¿y qué?), que alguna vez tuvo la marcha imperial de ringtone y que mientras escribe estas líneas bebe un café en un tazón con el logo de la saga, este libro le produjo el mismo efecto. Y así con los que en general hemos vacilado con la trilogía desde que tenemos memoria.

Si usted es de los que nunca han pescado Star Wars, este libro también le va a servir. Si no se entusiasma con Star Wars, al menos le ayudará a entender el fervor que esta saga genera.

Y si usted es de aquellos que renegaron de Star Wars con las precuelas, este libro le permitirá 1.-Darse cuenta que no está solo en esa cruzada; 2.-Reconciliarse con la historia, exorcizar ciertos fantasmas y . Si al final igual tienen sus cosas buenas (contadas pero las tienen) y que al final el todo es más grande que la suma de sus partes.

Como ve, Por La Razón…puede llegar a ser un libro terapéutico. De lectura rápida, ameno y fácil de disfrutar, es una colección de relatos altamente recomendable y que, en el año en que todo termina en Star Wars, resulta fundamental darle una pasada.

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POR LA RAZON O LA FUERZA: NUESTRA HISTORIA CON STAR WARS

Francisco Ortega; Jorge Baradit: Bernardita Ojeda; Daniel Villalobos; Paulina Flores; Javiera Mena; Alvaro Bisama; Patricio Jara; Nicolás López; Hermes Antonio; Simón Soto; Patricio Urzúa; Hugo Castillo.

Planeta, 2015

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

*Si, si bien es cierto creo que Alta Fidelidad es y seguirá siendo mi película favorita y El Padrino la mejor de todos los tiempos, Star Wars ocupa el tercer lugar de esta tríada, ocupando el lugar de “más grande que la vida misma”.

dos décadas jugando

Esta es la habitación de Andy. Andy es un niño como cualquier otro, con juguetes y mucha imaginación, desde la cual crea las más espectaculares aventuras.

Pero lo realmente interesante ocurre cuando Andy no está. Sus juguetes cobran vida y forman una comunidad de buenos amigos que son liderados sabiamente por Woody (voz de Tom Hanks) un viejo vaquero de trapo con una cuerda que es el más querido entre sus pares, y que reina de manera justa y equilibrada entre los suyos, siendo además el juguete favorito de Andy.

Sin embargo, las cosas están a punto de cambiar cuando, para el cumpleaños de Andy, éste recibe de regalo a Buzz Lightyear (voz de Tim Allen), un sofisticado juguete de acción que se ha tomado muy en serio su papel de “guardián estelar”. La creciente popularidad de Buzz, basada en un equivocado concepto de estar “seguro de si mismo” empieza a golpear fuertemente el ego de Woody, quien buscará la oportunidad de deshacerse del impostor lo antes posible…

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¿Como podemos dimensionar el legado de Toy Story hoy, cumplidos veinte años desde su estreno?

El primer largometraje estrenado por Pixar, un pequeño estudio de animación nacido al alero de Lucasfilm, que fue adquirido poco después por Disney y que tuvo como uno de sus grandes colaboradores al mismísimo Steve Jobs, en su oportunidad no fue un hito menor.

Fue una apuesta a ganador de parte de un estudio que venía haciendo murmullos desde hace un rato atrás, mismo estudio que tanto luchó por ver hecha realidad su obra que, aunque a Disney no le convencía mucho (si, han hecho unos cortos buenísimos, pero ¿una película?¿no será mucho?), pero la estrenó de todos modos. En una de esas…

La apuesta funcionó. Toy Story no sólo anduvo muy bien en taquilla, sino que vino a revolucionar el cine animado, más allá de lo estrictamente tecnológico. Partiendo por establecer las grandes bases de lo que podríamos llamar el método Pixar, o el universo Pixar: hacer películas que entretengan a los niños, pero que lleguen al corazón del adulto.

Es decir, nuestro público objetivo es el niño, pero no podemos olvidar que hay un adulto que paga una entrada, algo hay que darle a cambio.

Esa transversalidad que se volvió tan propia de las películas de Pixar ya estaba presente en esta historia protagonizada por juguetes. Este bien podría ser el plot de una historia de terror, pero resulta ser un trabajo altamente emotivo acerca de la condición humana. Porque por muy de trapo y de plástico que sean los reales protagonistas de la historia, exhudan humanidad por cada una de sus costuras.

Estamos en una historia donde dos egos chocan. Woody y Buzz antagonizan desde el minuto uno, siendo sus propias vanidades quienes ocupan el lugar de los enemigos a vencer. Su propia soberbia. Woody ve amenazado su reino y su popularidad con la llegada del nuevo integrante de la familia, mientras que Buzz, víctima de la misma soberbia, se siente por encima del resto, necesario para los demás, pero que no necesita de nadie. Los dos se terminan pegando un costalazo que los lleva a bajarse del pony, reconociendo sus errores, sus limitaciones y defectos, superan sus diferencias cuando descubren que tienen más en común de lo que estaban dispuestos a asumir.

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El niño queda fascinado por las imágenes, el adulto por la temática. Y por qué no decirlo, el niño capta todo el drama de los personajes también. Así, la apuesta ganó y Disney tuvo que tragarse todas sus aprehensiones.

Y ese es el modelo que Pixar repetiría a lo largo de su casi perfecta carrera. Saliendo del cine ya salimos profesando el tremendo cariño que terminamos por tenerle a la película.

Con Toy Story, Pixar hizo subir los estándares a partir de los cuales el cine de animación estadounidense debía ser apreciado. Ya no sólo se trata de poner animales parlantes actuando chistes o cantando cancioncitas pegajosas con moraleja. Cierto es que no mucho antes la misma Disney elevó estos estándares con filmes como La Bella y La Bestia y El Rey León, pero con Toy Story (y bendito el día en que Disney incorporó a Pixar a su entorno..bendito para Disney, para Pixar y para todos nosotros), no hizo más que ponerse metas más altas para sus futuras producciones.

Partir así de bien podría resultar contraproducente, y así ha sucedido. Directores, actores y otra clase de realizadores que se ven superados por la grandeza de sus obras, al punto que viven en función de igualar ese éxito, yéndose al carajo por el camino. Gracias a los dioses del cine, esto no le ha pasado a Pixar, quienes con los años terminaron entregándonos obras maestrísimas como Monsters Inc, Buscando a Nemo, Los Increíbles, Ratatouille, Wall-E, Up, Intensamente y las propias secuelas y cortos de Toy Story, cuyo cuarto capítulo está en plena producción.

Toy Story fue un muy buen punto donde empezar.

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TOY STORY

Director: John Lassetter

Animación

1995

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una estrella negra

Se lanzó el nuevo single de David Bowie, Blackstar, adelanto de un nuevo trabajo del maestro que se lanzará durante enero de 2016 y que demuestra que, no porque haya declarado que se retira de los tours y las presentaciones en vivo, significa necesariamente que se vaya a retirar de la música ¿Mis conclusiones?

Mucha gente se ha quejado de que este single, de cerca de diez minutos y pródigo en cambios de ritmo, de tiempo e intensidad, no se parece en nada a lo que Bowie ha hecho antes. Parece que se les olvida que Bowie cimentó su carrera sobre la innovación, el no repetirse a si mismo y a reconstruirse. En ese sentido, no veo porque se extrañan tanto, si este tipo de trabajos son precisamente las cosas que hicieron de Bowie lo que es.

Y en rigor, sí se parece a cosas que Bowie ha hecho antes. Pensemos en los trabajos que hiciera en esos años en que, buscando rehabilitarse de tantos excesos propios de la vida del rockstar, se mudó a Berlín y junto a Brian Eno grabó una trilogía de discos que, aunque en un principio obedecían a fines estrictamente terapéuticos (Low, Heroes y Lodger, entre 1977 y 1979) terminaron por alzarse como piezas fundamentales para la construcción del pop de las décadas siguientes, y que estuvieron totalmente alejados del sonido más mainstream que venía haciendo para acercarse a una música más experimental. Otra etapa de Bowie que inevitablemente se me viene a la mente es 1995, cuando tras escuchar a Nine Inch Nails, descubre el sonido industrial y, una vez más de la mano de Brian Eno, plasma sus impresiones en el disco conceptual Outside del mismo año.

No es primera vez que Bowie juega con lo experimental y coquetea con el prog-rock, como lo hace en este singl, como hemos visto. Nunca abrazó abiertamente el estilo, pero tuvo algunas cosas musicales y extramusicales que lo ayudaron mucho. Su colaboración con Brian Eno, intervenciones con miembros de King Crimson (Robert Fripp, Adrian Bellew) y su declarado fanatismo por Pink Floyd (de que nos dimos cuenta cuando participó en el recordado David Gilmour and Friends, en 2006) son pruebas fehacientes de que a Bowie siempre le picó el bichito por el género progresivo. Así que no nos veamos la suerte entre gitanos, ni nos sorprendamos o escandalicemos de cosas que ya sabemos.

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Y antes que me pregunten, sí, me gustó mucho Blackstar y me dejó con ganas de que llegue pronto enero de 2016. fecha en que está anunciado el lanzamiento de este nuevo trabajo del Duque.

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1000 entradas después…una oferta que no pude rechazar

En un primaveral día de 1945, en su casa de las afueras de Nueva York, Vitto Andolini Corleone (Marlon Brando) celebra la boda de su hija Connie (Talia Shire) y el reencuentro con sus otros hijos Sonny (James Caan), Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), recién retirado con honores después de servir en la segunda guerra, además de su hijo adoptivo y consejero Tom Hagen (Robert Duvall).

Conocido como un próspero empresario agrícola y hotelero, y un destacado miembro de la comunidad siciliana en la ciudad por su solidaridad, esta es sólo la fachada por la que Corleone deambula por la vía pública, ocultando su verdadera identidad: es el jefe de una de las cinco familias más importantes e influyentes de la Cosa Nostra, el crimen organizado que reina en el Nueva York de la época, ha cimentado su fortuna e influencia sobre la base de la extorsión, el contrabando, la prostitución y el trabajo sucio.

Asesorado por Tom y Sonny, y junto a sus hombres de confianza de toda una vida, Tessio (Abe Vigoda) y Clemenza (Richard Castellano), Vitto acude a una reunión convocada para tratar la propuesta de Virgil Sollozzo, conocido como El Turco (Al Lettieri) quien pide a las familias su auspicio para iniciar una gigantesca operación de tráfico de heroína, la primera gran operación del tipo en el país. Contrario a lo que todos pronosticaban, temiendo que la droga se convierta en algo que después no se pueda controlar, Vitto se opone a dar este préstamo, frustrando la operación.

A los pocos días, una serie de atentados contra la familia Corleone, que incluso dejan a don Vitto al borde de la muerte, obligan a la familia a cambiar de estrategia y Michael, quien hasta ahora se había marginado de las actividades ilegales del clan, decide ocupar un rol más activo y hacer justicia con sus propias manos…

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En qué lío me he metido!!

Aunque a lo largo de la historia de este blog he hecho una cantidad considerable de referencias a esta obra de 1972, nunca había hecho una reseña propiamente tal. Por eso, dije que la reservaría para una ocasión especial.

Me propuse que una vez llegara a la columna número 1000, ésta se dedicaría a la que, obviando mis preferencias personales y subjetivas, opino modestamente que es la mejor película de la historia: El Padrino.

Si, me puse una meta difícil. Pero era una oferta que no podía rechazar. Asi que vamos por partes.

Partamos diciendo que El Padrino surge en un momento en que los estudios se habían dado cuenta que la plata que entraba por las superproducciones no era la misma que salía de sus bolsillos para hacerlas. Que uno de sus géneros más clásicos como el western se había ido de EEUU para instalarse en Italia y España desembolsando menos plata y recibiendo mayores elogios. Que en la misma Italia, Francia y Alemania hace rato que venía haciendo ruido un puñado de directores que rodaban gastando menos dinero y poniendo más alma y corazón en sus producciones.

Fue así que se dieron cuenta que tenían que poner énfasis en las historias y en sus realizadores antes que en los escenarios gigantescos donde colocar a diez mil extras vestidos en traje de época, reduciéndose las superproducciones a unos pocos casos puntuales y sandías caladas. El caldo de cultivo donde surgieron los Scorseses, los Allens, los Pakulas, los Ciminos, los De Palmas…y un tal Francis Ford Coppola.

Y es este mismo Francis Ford Coppola quien tuvo que luchar contra todos los obstáculos posibles para convencer a la Paramount Pictures de comprar los derechos de una novela de Mario Puzo publicada no mucho tiempo antes, sobre una familia de gangsters sicilianos en Nueva York. La gestación de El Padrino no fue sencilla y requirió de Coppola una ardua lucha para primero filmar la película y luego, a su manera, con los actores que él quería y en sus términos.

Pensemos que Paramount Pictures no quería a Marlon Brando en la película principalmente por su difícil carácter. Ni a Al Pacino, pues no obstante sabían del talento que ya habían derrochado talento de sobra en teatro y en algunas películas independientes, pero no le veían cara de rentable. El entusiasmo de Coppola             por la novela de Puzo (una simple novela de gangsters) era un chiste recurrente en los pasillos del estudio.

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Pero Coppola luchó hasta el final, y a la luz de los resultados (uno de los universos cinematográficos más completos, trascendiendo incluso la pantalla con novelas, videojuegos y otros derivados, canónicos y expandidos), valió la pena.

Cierto que el motivo fundamental de El Padrino es el crimen organizado visto desde dentro, motivo recurrente en la literatura de Puzo (Omerta, El Último Don y hasta su novela histórica Los Borgia tiene mucho del tema) y del cine. Pero restringir El Padrino a una historia de guerra de pandillas es tener una visión muy restringida de la obra.

El Padrino es más que eso. En primera, es una historia de familia. Más específicamente de un padre de familia. Vitto Corleone podrá ser la cabeza de una importante organización ilícita, actividad a la que llegó por un tema de supervivencia (como nos queda claro la secuela del filme, estrenada en 1974). Un hombre que no tiene escrúpulos para hacer lo que sea necesario para el bienestar de su gente.

Un hombre de conceptos muy claros, que no duda en decir que no quiere en un principio en intervenir en una actividad que le podría reportar mucho dinero pero a costa de un flagelo que podría hacer añicos familias y comunidades. Don Vitto lo deja muy claro, ni él ni su familia son asesinos, y no tomará una vida si puede evitarlo. Dentro de todo, el caballero tenía cierta ética.

Y un hombre para quien lo más sagrado es la familia. Al punto que no puede evitar pegarle una mirada furtiva a su hijo cuando éste cree que sus infidelidades habían pasado inadvertidas. Pero que se desarma completamente cuando ve a ese mismo hijo acribillado a balazos o a su hijo menor, a quien no quería involucrar en sus negocios, tomar las riendas de la familia, empujado por las circunstancias.

Pero por sobre cualquier otra cosa, Vitto Corleone es un tipo inteligente, calculador y que no acostumbra dar pasos en falso. Sí, es capaz de renunciar a una venganza a fin de prevenir una masacre, pero al mismo tiempo, jugar las cartas precisas para alzarse como el vencedor.

Es esa duplicidad en la que se desenvuelve Vitto Corleone (padre de familia vs líder criminal) la que constituye el elemento central de la historia, al menos en esta primera película, que terminó por alzarse con tres premios de la Academia (película, guión adaptado y actor para Marlon Brando, y con otras nominaciones para su director, compositor –Nino Rota, que aquí presenta dos de los temas  más icónicos del cine, y a Pacino, Duvall y Caan por mejores actores de reparto) seis Golden Globe y una larga lista de reconocimientos y nominaciones. No hay recuento de mejores películas en que no mencionen a El Padrino, especialmente en la parte alta de la lista.

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Por eso no es fácil hablar de El Padrino ¿qué cosa nueva puedes decir que no se haya dicho antes?

Coppola cuenta con maestría este cuento acerca de un padre en la disyuntiva de buscar lo mejor para su gente a sabiendas de que lo que hace no es lo mejor para la sociedad (pero insiste en ello porque ha terminado por convencerse de que es lo que mejor hace), y cuenta la historia haciéndola tan única que uno llega a pensar que éste y Puzo fueron separados al nacer, apoyado en la impecable fotografía de Gordon Willis y la inolvidable partitura del citado Nino Rota. Y claro, sin dejar de mencionar el sólido, soberbio y jamás igualado trabajo de Marlon Brando en el rol principal.

Brando le dio a Vitto Corleone toda la presencia, imponencia, personalidad y solidez que el personaje necesitaba. Estamos hablando de un señor al que no le tiembla la voz para ordenar se pongan las cosas en orden, burlarse de la actitud pusilánime de uno de sus protegidos, pero que se desarma completamente ante sus hijos. Brando nos hace espectadores de un Vitto del que temblamos cuando habla golpeado (capaz de dejar caballos finasangre decapitados a los pies de la cama de aquellos que no aceptan sus ofertas), pero que nos deja hecho bolsa cuando nombra a Michael su sucesor. Corleone es un personaje atormentado: todo lo que ha hecho ha sido por el bien de su familia, y por eso se vio empujado a entrar en un entorno del que ya no puede salir.

Brando captó a la perfección la esencia de Vitto Corleone y por eso es que es prácticamente separar al intérprete del personaje.

Sin desmerecer al resto del impecable elenco, donde unos jóvenes Pacino (quien asume a la perfección este rol de hijo pródigo, que vuelve a la familia que alguna vez rechazó, para tomar las riendas que nunca quiso, o al menos así nos hizo creer), Duvall, Caan, Cazale, Diane Keaton golpeaban la cátedra metiéndose en una camisa de once varas que les cupo a la perfección, pero Brando es responsable del 50% del triunfo de esta película.

Experiencia cinematográfica absoluta como pocas, que dio pie a un tremendo universo expandido que incluye novelas, videojuegos y múltiples momentos icónicos en la cultura pop (que han sido tributados, homenajeados y parodiados cada vez que ha sido posible), imitada y jamás igualada (los intentos más cercanos de llegarle a los talones fueron cosas como Buenos Muchachos, de Scorsese, y la serie Los Soprano, y aún ellas no le llegan ni a la cintura) y que prácticamente no tiene escenas malas. Unas mejores que otras, pero malas? Por ningún motivo.

Podría pasarme días escribiendo al respecto (el borrador ya me ha tomado tres páginas en Word) y aún así no tendría palabras que hagan justicia con la grandeza a esta obra.

Me puse una tarea difícil. Espero haberlo logrado.

*****

 

THE GODFATHER

Director: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Marlon Brando; Al Pacino; James Caan; Robert Duvall; John Cazale; Talia Shire; Diane Keaton; Al Lettieri; Abe Vigoda; Richard Castellano; Al Martino

Drama/Policial/Suspenso

1972

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Y así es como hemos llegado a las mil columnas. Mil entregas en las que durante los últimos siete años he volcado tiempo, ganas, ideas, teorías, opiniones, en un principio motivado por la necesidad de tener una válvula de escape y así evitar terminar en el diván del psiquiatra víctima de la sobreinformación, ahora porque esta página se ha vuelto una parte importante de mi vida.

Directa o indirectamente ella me ha permitido hacerme un nombre, conocer nuevos mundos, paisajes, aventuras, gente increíble..de hecho, este blog fue fundamental para conocer a Alexa Wolf y construir esa vida simple pero perfecta a la vez que tenemos juntos.

Ha habido columnas que han sido muy populares, otras han pasado piola. Algunas las veo y me da vergüenza haberlas escrito, así como hay no pocas que me siento orgulloso incluso años después de haberlas publicado.

Si lo he hecho bien o mal, ustedes tienen la última palabra.

De todos modos, siete años metido en esto, sin bajar los brazos, y con un promedio de cincuenta visitas diarias (cincuenta personas que se tomaron su tiempo para venir hasta acá), sin grandes auspicios ni más difusión que twitter o Facebook, algo debo haber hecho bien.

Gracias a todos por su atención. Sin ella, no habría llegado hasta aquí ni en sueños.

Y sobre todo gracias a Alexa Wolf, por apoyarme siempre en las locuras que hago.

Nos reencontraremos en las dos mil.

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

esta es para ti

La publicación de la entrada número 1000 de este blog es inminente. No más allá del fin de semana, creo. Pero, aunque prácticamente la totalidad de estas entradas han salido de mi puño y letra, por así decirlo, debo dar cuenta de algo: en este camino no he estado solo.

Por eso quiero dedicar esta columna, la 999, a esa persona que ha estado conmigo durante más de tres cuartas partes de esta vida de bloguero. Cuando empezamos a estar juntos como gran cosa el blog se acercaba a las 300 entradas, y llegar a mil parecía imposible. Hoy, esa meta está a unos metros, y tú has estado ahí inamovible desde entonces.

Apoyándome y motivándome para darle vida a este sitio. Y más allá de eso. Has sido el mayor respaldo que jamás he tenido, y no sólo escribiendo estas columnas, sino que en todos los aspectos de mi vida.

Has estado conmigo en los desastres que causo. Y me has respaldado en todas las locuras que se me ocurren. Y tu me has dejado participar de las tuyas.

Porque eres el motivo por el que me levanto todos los días y me da las fuerzas necesarias para enfrentar el día a día.

Porque eres lo primero con que me encuentro al despertar, y lo último que veo al apagar la luz.

Porque cuando entendí que yo estaba en este mundo para hacerte feliz y eso me hace  feliz a mi, vi las cosas mucho más claras.

Seis años han pasado entre medio, y casi cinco desde que estamos juntos para siempre, viviendo la vida que nunca pensé que tendría.

Por eso quise acompañar estas palabras con esa canción que musicalizó uno de los momentos más importantes de nuestra vida juntos. Y porque nunca he vuelto a tener una noche solitaria.

Gracias por todo tu apoyo. Gracias por estar a mi lado.

Esta fue para ti, Alexa Wolf.

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

homenaje a un hombre solo

Podría esbozar mil razones por las cuales la trilogía original de Star Wars hace pedazos a las precuelas de la ídem, pero voy a centrarme en una sola que me basta y me sobra: en la trilogía original había un Han Solo, y en las precuelas no.

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¿Por qué creo que Han Solo es así de fundamental? Expongo mis razones:

1-Porque representa un arquetipo que debe estar presente en todo relato de aventuras: está el aprendiz/héroe (Luke/Anakin), la heroína (Leia/Padme), el maestro (QuiGon, Obi Wan, Yoda), el villano pensante (Palpatine) y el ejecutante (Dooku, Vader), y los bufones (los androides). Solo encarna al pícaro, ese personaje canalla, descarado y cínico, movido principalmente por intereses personales que, a la larga, termina descubriendo el héroe que puede llegar a ser cuando deja de pensar en sí mismo y se pone en los zapatos del otro.

Este personaje se contrapone, en forma equilibrada, con la rectitud moral del héroe, y aporta además una dosis de sarcasmo necesaria para distender el ambiente…¿es casualidad de que muchos de los parlamentos graciosos de la trilogía provinieran de este personaje?

No había ningún personaje así en las precuelas, y se notó.

2-Porque representa el homenaje de George Lucas al género de aventuras con el que rayó la papa por años antes de meterse al cine. No es casualidad que la primera aparición de Han Solo fuera en una cantina no muy distinta de aquellos bares de piratas o de cualquier saloon del oeste, donde no entras si no sabes usar los puños o el revólver. O la pistola láser.

(y Han disparó primero!!)

De hecho, por lo que sabemos del pasado de Han Solo, uno entiende perfectamente por qué es así. Sabemos que su ocupación lo mantiene en la clandestinidad, que tuvo algunos desencuentros con personajes que no debió tenerlos, y que el temible Jabba el Hutt ha puesto un precio por su cabeza a causa de una deuda que Solo ha eludido olímpicamente.

3-Porque mientras Luke Skywalker evolucionó de granjero en caballero jedi, Han Solo logró redimir su pasado de contrabandista, tahúr, fugitivo y otras actividades reñidas con el bien común, alzándose como uno de los hombres fuertes de la Alianza y clave en la destrucción del Imperio. Y en el único hombre capaz de penetrar en el corazón de una circunspecta princesa galáctica.

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4-Porque a través suyo conocimos a Chewbacca, el peludo, brusco pero bien intencionado wookie, leal compañero de aventuras y más de una vez voz de la consciencia de Solo.

5-Porque antes de ser Indiana Jones, Rick Deckard y Jack Ryan, entre otros, Harrison Ford fue Han Solo ¿Hay mejor punto desde donde empezar?

6-Porque es el dueño y capitán del Millenium Falcon, la nave más veloz de la flota rebelde, y si no es por Luke y por Wedge Antilles sería además el mejor piloto de la ídem.

7- Porque pareciera que con suerte tenía dos tenidas (la única diferencia era la chaqueta sin mangas y la otra con mangas) y eso le bastaba para ser cool.

8- Porque sin ser el jovencito de la película, es el que se queda con la chica (y si el jovencito de la película se hubiera quedado con la chica, habría sido bien turbio ahora que lo pienso).

9.-Porque cuando Luke Skywalker deja Tatooine y se ve obligado a hacer un curso express para ser jedi, Han Solo ya se las sabía todas..o casi todas.

10.-Porque de los personajes clásicos es el que más ha aparecido en los trailers de The Force Awakens. Leia apenas ha aparecido, lo mismo C3P0, R2D2 y qué decir de Luke Skywalker. Han Solo aparece largamente en estos trailers y hasta tiene el tiempo suficiente para sostener algunos diálogos. Entre ellos la frase que de inmediato nos dejó boquiabertos:

han_solo03

“Chewie…we’re home!”

…y cuando reconocimos esa voz, sentimos de inmediato exactamente lo mismo.

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata