los buenos y los malos

Estamos en 1949. Tras haberse hecho del control del crimen organizado de Los Angeles, el capo Mickey Cohen (Sean Penn) inicia el plan para conquistar el hampa de todo el país, llegando a considerar incluso una guerra de bandas con sus pares de Chicago. Con muchos testigos comprados o derechamente eliminados, y con un puñado de autoridades a su merced, Cohen tiene enormes ambiciones y, aparentemente, ningún obstáculo en su camino.

O eso cree.

El veterano de la Segunda Guerra Mundial, y Sargento de Policía John O’Mara(Josh Brolin) recientemente detuvo, él solo, a un grupo de hombres de Cohen poco antes que violaran a una chica. Y si bien su acción no tuvo frutos (los secuaces fueron puestos en libertad a las pocas horas), O’Mara ha sido convocado y seleccionado personalmente por su jefe Bill Parker (Nick Nolte), para encabezar una fuerza especial destinada a acabar totalmente con las actividades de Cohen…

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Les había comentado en la anterior columna lo decepcionado que me tenía hasta ahora la cartelera actual. Pero por suerte eso no es una verdad absoluta (y pido disculpas por tener tan desactualizada la página pero, por un lado, se produce esta situación y por otro, tengo menos tiempo para escribir actualmente). Y si bien Fuerza Antigangster  difícilmente sea una película que se recuerde a la hora de los balances, lo cierto es que logró lo que muchos otros títulos 2012-2013 no había hecho: atraparme y no soltarme hasta que la terminé de ver.

Porque, lo he sostenido un lote de veces, de vez en cuando no es necesario que la película tenga un argumento escrito por un premio Nobel, o su director sea el regalón de Cannes, Berlín o la Academia. A veces basta con contar una historia atractiva y contarla de manera entretenida.

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Pues bien, el cine de gangsters, así como el de vaqueros, suele ser fuente de buenas historias. Desde clásicos como El Halcón Maltés hasta obras maestras como El Padrino. Y aunque la calidad de los distintos títulos del género puede ser oscilante, reconozco que he visto muy pocas películas de este género que me hagan decir que la experiencia no valió la pena. Y Fuerza Antigagster, por mucho que se pueda decir que es un trabajo menor dentro de la cartelera, no es la primera que merezca ser calificada de esa forma.

Concedo, no tendrá la grandeza de los títulos mencionados anteriormente, ni la complejidad del cine de Michael Mann. Pero no lo necesita. Con lo que tiene, le basta y le sobra para funcionar bien.

El trabajo de su director Ruben Fleischer cumple con hacer una historia de trámite ágil y capaz de dejar enganchado al espectador con una historia sin grandes complicaciones. Flesicher logra que, por obvias que resulte la resolución de sus nudos argumentales, estas sean además tontas. Muchas veces ambos conceptos se confunden. Afortunadamente, éste no es el caso y el relato, apoyado en un muy buen elenco (no vamos a redundar en el innegable talento de un Sean Penn, un Nick Nolte o de un Josh Brolin, como tampoco el buen aporte de estrellas en vías de consolidarse como Ryan Gosling, Emma Stone o de otros intérpretes como Michael Peña, Giovanni Ribisi o Robert Patrick, que si bien nunca han estado en la primera línea siempre cumplen con lo que se les pide).

Y a veces no se pide mucho…y se recibe tanto.

***

GANGSTER SQUAD

Director: Ruben Fleischer

Intérpretes: Josh Brolin; Sean Penn; Ryan Gosling; Emma Stone; Nick Nolte; Giovanni Ribisi; Michael Peña; Anthony Mackie; Robert Patrick.

Policial

2013

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PD: Si espera ver un comentario sobre la ComiCon 2013, pase de largo. No fui a la de este año…para el nivel de espectáculo que ofrece y su organización, seis mil seiscientos pesos por entrada son demasiado caros.

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

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replicante busca familia

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No me voy a poner en la postura de muchos críticos actuales. Cierto es que hace mucho que no comento por acá una película estrenada en 2012 o 2013, pero eso no se debe en ningún caso a que el panorama fílmico actual sea desolador. He visto cosas como Los Juegos del Hambre, Total Recall (versión 2012), Lincoln o Jack Reacher y, por buenas o malas o pasables experiencias que hayan sido, ninguna me ha convencido mucho de sentarme a escribir algo respecto de ellas.

Cosa que sí han logrado filmes de hace cinco, diez o quince años atrás, o incluso más.

Es el caso de A.I. Inteligencia Artificial, el drama de ciencia ficción dirigido por Steven Speilberg que, a doce años de su estreno, y tras la tercera o cuarta vez que la veo, me ha dejado un gusto mucho más grato que varios títulos recién salidos del horno.

Tomada de un relato de ciencia ficción llamado Los Superjuguetes Duran Todo el Verano, de Brian Aldiss, con un leve toque del mítico cuento de Pinocho, A.I. inicialmente sería dirigida por Stanley Kubrick, quien postergó su rodaje por encontrarse rodando Ojos Bien Cerrados, y mandándolo al olvido con su muerte en 1999. Al menos hasta que Speilberg retomó la idea.

Esta es la historia de David (Haley Joel Osment) y transcurre en la segunda mitad del siglo XXI. Con gran parte del planeta desolada por el calentamiento global, el aumento de la población ha sido totalmente controlado, a fin de evitar el uso excesivo de los escasos recursos naturales disponibles, por lo que ha florecido la industria de la robótica, llegando a crear replicantes casi perfectos de seres humanos. En ese momento, Cybertronics, la empresa líder del rubro, ha proyectado la creación de replicantes niños.

El prototipo de ellos es David, quien va a parar a la casa de los Swinton, una familia cuyo hijo biológico lleva largo tiempo en coma por una extraña enfermedad. Si bien Monica (Frances O’Connor) no se convence mucho con la presencia del replicante, con el tiempo aprende a aceptarlo como un miembro más de la familia.

Eso hasta que Martin (Jake Thomas) sale de su coma y regresa con su familia. Y desde su primer encuentro, comienza a acosar cada vez que puede a David, bromas de las que el replicante no siempre sale bien parado. Temiendo que el androide pierda el control, el padre de familia decide devolverlo a Cybertronics para su destrucción, pero Monica, encariñada con el robot, abandona a David en el bosque rogándole que no regrese jamás.

Sin más compañía que un osito robot llamado Teddy, David, a quien su “mamá” solía leerle Pinocho, comprende que si llega a ser un niño de verdad volverá a ser querido por su madre, así que emprende un viaje en busca de quien pueda concederle su deseo.

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No vamos a repetir aquí las no pocas reseñas favorables que tuvo este filme. A.I. tuvo una acogida bastante positiva por la gran mayoría de especialistas, como casi todo lo que sucede con la filmografía speilbergiana. Emotiva cuando tiene que serlo, vertiginosa cuando el caso lo requiere, A.I. es uno de los puntos altos de su carrera.

Pero no es ese el punto esta vez. Me puse a pensar, ya que originalmente la iba a hacer Kubrick…hubiera sido una mejor película?

Como no soy fan de Stanley Kubrick y menos de aquellos maniáticos que piensan que “murió Kubrick y con él el cine de verdad” creo que no hubiese sido mejor. Diferente, de todas maneras. No habría resultado tan cuento de hadas y si hubiese sido más apocalíptica. No en vano, parte de una base bastante macabra (el calentamiento global inundó el planeta y ya no hay espacio para más gente). Seguramente hubiese sido una suerte de Blade Runner Stanley Kubrick’s Cut. No es descabellado pensar en eso, después de todo, en el fondo se trata de lo mismo: mundo hecho pebre, replicantes circunlando por las calles, algunos de ellos sólo quieren ser amados.

A lo que yo concluyo…¿para qué tener otro Blade Runner si ya tenemos uno, única, inigualable e insuperable? Nada me quita de la cabeza la idea de que algo así iba a resultar.

Ojo, no estoy ninguneando a Kubrick. Kubrick fue un tremendo cineasta, y su rúbrica está al pie de algunas de las mejores películas de todos los tiempos (La Naranja Mecánica, sin ir más lejos), sólo que creo que A.I. no hubiese sido todo lo buena que fue y no un mero cover o remake encubierto de otra cosa.

Y es que a veces las cosas son mejores como están que como pudieron haber quedado.

***1/2

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A.I. ARTIFICIAL INTELLIGENCE

Director: Steven Speilberg

Intérpretes: Haley Joel Osment; Jude Law; Frances 0’Connor; Sam Robards; William Hurt

Ciencia Ficción

2001.

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amor a la inglesa

Que duda cabe. Hay películas que uno se encuentra por casualidad haciendo zapping o repasando su colección, y simplemente se queda pegado viéndolas porque le gustan, le hacen sentir mejor o porque ya la has visto antes y piensas que no viene mal echarles una miradita más. Esta comedia inglesa de 2003, Realmente Amor (Love, Actually) es una de ellas. De aquellas que ves una, dos, cien veces, y a la vez ciento uno sigues disfrutándola igual, aunque la hayas agarrado de la mitad.

Empezando y terminando en un aeropuerto, trata sobre un divertido grupo de personajes, más o menos relacionados entre sí, y como abordan entre ellos el amor. En sus distintas edades, variedades y manifestaciones.

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Como por ejemplo, un viejo rockero buscando reverdecer laureles(Billy Nighy) y su manager de toda la vida; una pareja de recién casados (Keira Knightley y Chiwetel Ejiofor) y la tensa relación de ella con el mejor amigo de él (Andrew Lincoln) que está muy lejos de la antipatía; un escritor despechado (Colin Firth) y su sirvienta (Lucia Moniz), más allá de las barreras del idioma; un matrimonio con hijos (Alan Rickman y Emma Thompson) que hace aguas cuando él contrata una nueva asistente; un viudo (Liam Neeson) y su hijastro (Thomas Sangster) con quien jamás ha tenido mayor relación, aprendiendo a conocerse entre sí; una pareja de dobles de cuerpo(Martin Freeman y Joanna Page) que traba amistad durante una prueba de cámara, y la curiosa relación entre el nuevo Primer Ministro (Hugh Grant) y su secretaria (Martin McCutcheon), entre otros.

La premisa de la película nos queda clara in expreso por uno de sus protagonistas ni bien comienza a correr: demostrar que el amor está en todas partes. Y sin caer en melosidades ni lugares comunes (lo que viene a marcar una diferencia notable entre el humor británico y el estadounidense), sino que apelando a la comedia, a los malos entendidos y enredos, pero también procurando mantener la emotividad cuando se hace necesario (por ejemplo, en la historia protagonizada por Liam Neeson, o gran parte del argumento entre Rickman y Thompson).

Bueno, nadie dijo que el amor, las relaciones personales, eran fáciles o bonitas. Ojo, este no es un cuento de hadas donde las parejas se unen y viven felices para siempre. Realmente Amor es una muy agradable comedia romántica, pero antes que todo, es un filme realista y que no pretende hacer tonto a su espectador.

Lo que no quiere decir que no termine bien. Hay finales felices, sí. Pero también finales que nos dejan tranquilos, bien posicionados para hacer más llevadera la situación. Todos los quiebres son tristes, pero pueden ser más llevaderos si hay una pizca de voluntad.

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Y si, como decía Forrest Gump, la vida es como una caja de chocolates, de la que nunca sabes lo que saldrá de ahí (sólo sabemos que será muy agradable), la conclusión de Love, Actually, es que el amor estará ahí. Y por difícil que parezca, lidiar con él, siempre vale la pena.

El director Richard Curtis ha tenido una carrera reconocida dentro del medio británico y europeo, sobre todo como guionista, especializándose en comedias televisivas (fue el responsable de hacer popular a Rowan Atkinson, Mr. Bean, a nivel mundial). Este, su primer trabajo como director, demuestra el suficiente oficio para hacerse cargo de este amplísimo abanico de personajes, todos de relevancia relativamente pareja y de sus intérpretes, todos figuras a nivel tanto europeo como internacional. Hay algunos experimentos hollywoodenses que han intentado imitar el estilo de Love,Actually (Valentine’s Day y New Year’s Eve). Y si bien no han estado nada de mal, hay algo que los yanquis no tendrán nunca: ese carisma tan propio y exclusivo de los ingleses, ese sentido del humor que ni en un millón de años tendrán. Muchos cómicos yanquis han tratado de imitar a Chaplin, a Rowan Atkinson o a Benny Hill sin éxito. Pero ningún inglés ha querido imitar jamás a Adam Sandler, gracias a Dios, simplemente porque no les hace falta. En algo (bueno, y en el fútbol) que los colonos aún no puedan superar a sus colonizadores.

Imposible resisitirse cuando uno se encuentra con Realmente Amor haciendo zapping o repasando la colección, porque, como dije en un principio, contiene personajes tan agradables, momentos tan emotivos (genuinamente emotivos) y secuencias simplemente hilarantes, que nos permite recordar una de las funciones fundamentales del cine: hacernos sentir mejor, al menos por un rato.

(a esto me refiero con momentos genuinamente emotivos)

***1/2

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Director: Richard Curtis

Intérpretes: Hugh Grant; Colin Firth; Emma Thompson; Alan Rickman; Keira Knightley: Chiwetel Ejiofor; Andrew Lincoln; Martin Freeman; Laura Linney; Liam Neeson; Billy Nighy; Rowan Atkinson.

Comedia/Romance

2003

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honorables

Repasaba hace unos días una de mis películas de abogados favoritas, Cuestión de Honor, película de 1992, que ha sabido sobrevivir el paso del tiempo. Sin embargo, a 20 años de su estreno, su vigésimo aniversario pasó más bien piola y nadie atinó con publicar alguna edición conmemorativa en blu-ray, más allá de la versión standart.

Ignoro porque a quien corresponda no se le pasó por la mente preparar alguna edición especial al respecto. Cierto es que no tiene muchos premios a su haber (Oscar no sacó ninguno, aunque si obtuvo varios menos relevantes como el Ascap, People’s Choice o MTV, antes que se devaluaran, tanto como mejor película como por mejor actor secundario para Jack Nicholson) pero eso no ha sido nunca un obstáculo ¿Cuantas porquerías no han sido lanzadas y relanzadas en ediciones especiales a lo largo de la historia?

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Insisto en que Cuestión de Honor debería tener un reconocimiento mejor…y he aquí mis razones para apoyar esa moción:

1.-Por su argumento. Originalmente escrita para el teatro por Aaron Sorkin, A Few Good Men narra el proceso judicial en contra de dos infantes de marina, asignados a Guantánamo, acusados de asesinar a un compañero, luego de aplicarle una medida disciplinaria extraoficial. La historia se cuenta desde el punto de vista de un joven abogado de la marina, designado para defender a estos infantes, en la primera vez que se ve frente a un procedimiento judicial importante…o más bien, su primer juicio de verdad.

2.-Por su director, Rob Reiner. Un director no extraordinario, pero tampoco del montón. Realizador regular, diligente y eficiente, que por esos años se mandó, casi seguidas, varias películas más que destacables (Cuenta Conmigo, Cuando Harry Conoció a Sally, Misery, Sintonía de Amor). Quizás ahora se haya estancado un poco, pero este puñado de obras lo hacen digno del mayor de los respetos.

3.-Por su protagonista, Tom Cruise. Recordándonos que más que un gurú de la cientología, más allá del gestor de proyectos destinados sólo a inflarle el ego (como Operación Walkirya o Encuentro Explosivo), es un actor y de los buenos cuando se lo propone. Cruise encarna a Daniel Kaffee, abogado y alférez de marina que, precedido de la leyenda de su padre, un recordado abogado castrense, es un profesional joven, exitoso y prometedor. En un año de ejercicio, no ha perdido un solo caso. El problema es que este éxito, por demás artificial (nunca ha litigado en un tribunal) lo ha vuelto un tipo ególatra y soberbio, que se verá enfrentado a la realidad cuando toque defender a los dos infantes acusados de homicidio. Y se dará cuenta que, por un lado, la realidad no es como creía hasta ahora, y que no siempre basta un buen acuerdo para hacer justicia.

4.-Por Jack Nicholson.

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Su interpretación del duro coronel Nathan Jessep, jefe de la base de Guantánamo, un tipo que no trepida a la hora de quitar una vida si es necesario para mantener el orden, y sentirse orgulloso de eso, no se extiende por más de 20 minutos en total, pero se devora la película. Si la maldad y la hipocresía tuvieran rostro, muy probablemente sería el de Nicholson en el último acto de este filme.

5.-Por Demi Moore. Antes de convertirse en símbolo sexual, antes esperpentos como Striptease, G.I. Jane o antes de convertirse en figura de la farándula, solía ser una actriz más que talentosa. Aquí encarna a Joanne Galloway, abogada de la Marina interesada en defender a los dos infantes acusados del crimen de su compañero. Pese a que su carrera está plagada de éxitos, sus superiores no le tienen mucha fe para que lleve este caso por sí misma, así que le asignan como colaborador a Daniel Kaffee, situación que, desde un principio, se encarga de dejar en claro que no le agrada mucho.

6.-Por los notables secundarios involucrados. Partiendo por Kevin Bacon, en el rol del capitán Jack Ross, abogado de la marina, conocido de Kaffe, quien dirige la investigación contra los defendidos por éste último, tensando la amistad que existe entre ellos. Kevin Pollack encarna al alférez Sam Weinberg, también abogado, asignado como tutor de Kaffe, dada su inexperiencia en litigación. Kiefer Sutherland encarna al teniente Jonathan Kendrick, rígido oficial, brazo derecho de Jessep, quien se jacta de cumplir al pie de la letra las reglas de su base, especialmente las no escritas. Finalmente, J.T. Walsh interpreta al coronel Matthew Andrew Markinson, segundo al mando en Guantánamo, quien por su propia comodidad ha hecho la vista gorda por años de los excesos cometidos en la base con la anuencia de Jessep y Kendrick, hasta que su consciencia le dice que ya no más.

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7.-Por la historia que cuenta, más allá de lo estrictamente argumental. Por un lado, ese errado concepto del honor que rige en la base de Guantánamo, donde resulta normal aplicar el matonaje disfrazado de disciplina para que este prestigio no se vea manchado (la víctima del crimen, un soldado menor, que por no dar con lo que sus superiores esperan de él se ve sometido a un constante acoso, llegando a solicitar su traslado, a cambio de ofrecer información confidencial sobre un error cometido por uno de sus posteriores ejecutores). Esta concepción del honor que lleva a dos soldados a creer que están en lo correcto…porque sus superiores así se lo dijeron.

Por otra parte, el personaje de Cruise también experimenta una evolución. Hasta el inicio de la película es un joven que vive despreocupadamente, amparado en su facilidad de palabra, personalidad y apellido, enfrentado a una situación donde su simpatía y verborrea no le ayudarán de mucho.

8.-Por la tremenda escena final. Por la química que existe entre Cruise y Nicholson, más bien dicho la tensión. Porque aquí ambos nos demuestran las enormes capacidades actorales de que gozan (ver puntos 3 y 4) y porque estos diez o quince minutos son suficientes para terminar la película sentado a la orilla del asiento, afirmándose apenas con los dedos de las manos a la silla, y sentir que uno está a punto de ponerse de pie o irse de espaldas. Esa emoción que se ve cada vez menos en la pantalla actual (o al menos en filmes de este género) y te cambia la intensidad del filme en 180 grados, en cosa de segundos. Búsquela en Youtube, seguro que está, y quedará convencido que Cuestión de Honor es un filme que tiene que ver, y su omisión es simplemente inexcusable.

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A FEW GOOD MEN

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Director: Rob Reiner

Intérpretes: Tom Cruise; Jack Nicholson; Demi Moore; Kiefer Sutherland; Kevin Pollack; Kevin Bacon; Cuba Gooding Jr.; J.T. Walsh.

Drama/Suspenso

1992

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un muy buen día

Fue la gran noticia musical del primer trimestre del año. El 8 de enero, mismo día en que cumplía los 66 años de edad, David Bowie lanzaba vía iTunes su primer single nuevo en una década, titulado Where Are We Now?, y su respectivo videoclip. No sólo eso, anunciaba para el mes de marzo, su primer trabajo nuevo en una década, titulado The Next Day, que finalmente lanzó en marzo. Tras algunas semanas de perseguirlo, por fin salió del circuito de las disquerías especializadas, así que el trabajo que sacó a Bowie del ostracismo discográfico ya está al alcance de cualquier cristiano.

Hay que decirlo, no lo esperábamos ni lo veíamos venir. Desde Reality (2003), Bowie se había mantenido alejado de la escena musical. Había actuado en películas (The Prestige, August), colaborado con otros músicos (David Gilmour, The Arcade Fire) y producido a otros tantos, pero de su propia carrera nada. Habló incluso de que ya estaba cansado de salir de gira y de los shows en vivo, presentándose sólo en aquellos en que lo inviten (aunque con un público actual más preocupado de subir fotos a instagram y videos de pésima calidad a youtube, no lo culpo).

Hasta el pasado 8 de enero, la fecha en que empezó a sonar la citada canción. Y cuando a fines de febrero empezó a sonar The Stars (Are Out Tonight) y a correr el videoclip producido por Floria Sigismondi y protagonizado por Bowie junto a Tilda Swinton, comprobamos que la cosa venía en serio.

Y es que Bowie, junto a su productor de siempre, Tony Visconti, junto al ingeniero Mario J. McNulty trabajaron secretamente durante dos años en un puñado de canciones que Bowie tenía a medio trabajar los últimos tiempos. Reunieron a algunos amigos cercanos como el baterista Sterling Campbell, la bajista Gail Ann Dorsey, los guitarristas Earl Slick y Gerry Leonard, entre otros músicos invitados, que en un período de tres meses dieron forma al que sería este trabajo. Nadie tuvo la certeza de que algo de este material sería publicado, sino hasta enero de este año.

¿Justifica la ansiedad y expectativa generada?¿Valió la pena esperar diez años? Sí, y sí.

Hace diez años yo solía decir que Bowie era de los pocos rockeros categoría senior que seguía haciendo discos no como una excusa para salir de gira y tocar las canciones viejas. Por el contrario, Bowie sigue siendo del exclusivo club de aquellos que no lanzan nada hasta estar seguros que será realmente bueno. Dylan, Springsteen, los Stones, Rush, son parte de este clan. Y si tuvieron que pasar diez años, pues que se le va a hacer. Lo importante es que valga la pena. Y lo vale.

Musicalmente hablando, Bowie continúa por esa senda mitad rock y guitarras mitad electrónica que venía siguiendo en los discos Hours (1999), Heathen (2002) y el citado Reality. Como siempre, retroalimentándose y reinventando los géneros que más le gustan. The Next Day tiene mucho de Pixies y del rock estadounidense de la segunda mitad de los noventa (Queens Of The Stone Age, Smashing Pumpkins), pero también del noise británico de principios de la misma década (My Bloody Valentine, Morrisey), dejando muy de lado el estilo industrial que cultivó entre 1995 y 1998. Aunque igual conserva un toquecito de eso. Bowie toma un poco, más o menos, de cada uno de estos elementos, y hasta de su propia cosecha (The Next Day a ratos recuerda su período en Berlín, entre 1976 y 1980, que muchos consideran su período más fructífero en lo creativo) y el compuesto resultante alcanza niveles de intensidad y sonoridad tremendos, para acompañar unas cuantas canciones acerca de la madurez, el paso del tiempo y el momento en que un hombre comienza a mirar hacia atrás. Tema recurrente en la lírica de Bowie los últimos años.

Una década después de su anterior trabajo, y ya retirado de los tours, uno puede pensar que Bowie ya no da para más, pero se equivocan. Muchas de las canciones tienen energía, intensidad que ya se quisieran muchos neófitos que tocan en festivales auspiciados por empresas de celulares. Uno realmente siente que Bowie haya decidido no salir de gira con The Next Day, porque tiene canciones que sonarían muy bien en público.

Pero no seamos tan cabrones.

En tiempos en que muchos rockeros, por la razón que sea (las válidas y las que no) optan por sacar lustre a su material más clásico, Bowie pertenece a una elite que demuestra que tercera edad y mucho power no son conceptos incompatibles. A sus 66, el Duque está muy lejos de jubilar.

Hace rato que no estaba tan prendido con un disco de material inédito. Y mucho más uno que me dejara aún más entusiasmado.

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Tracklist:

The Next Day/ Dirty Boys/ The Stars (Are Out Tonight)/ Love Is Lost/ Where Are We Now?/ Valentine’s Day/ If You Can See Me/ I’d Rather Be High/ Boss of Me (Bowie, Gerry Leonard)/ Dancing Out In Space/ How Does The Grass Grow? (Bowie, Jerry Lordan)/ (You Will) Set The World On Fire/ You Feel So Lonely You Cold Die/ Heat.

Todos los temas pertenecen a David Bowie, excepto las indicadas.

Producido por Bowie & Visconti. Grabado por Tony Visconti, quien además mezcla junto a Brian Thorn.

Iso/Columbia Records, 2013.

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

revisitando a Schindler

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Lo que son las cosas, el mismo día en que por el cable veo, ya por tercera o cuarta vez, La Lista de Schindler, y pensando que esperaba su director y gestor, Steven Speilberg, para lanzarla como corresponde en blu-ray, me entero por la prensa que ya se lanzó una edición por su 20° Aniversario, en un combo BR+2DVD+Ultraviolet+Digital Copy.

Era cosa de tiempo que así sucediera. No en vano, estamos en presencia de una de las películas más celebradas del tío Steven. Éxito de taquilla, celebrada por la crítica, premiada tanto la película como su director con diversos galardones, incluyendo siete Óscar, entre ellos mejor película y director en 1994, es además uno de los proyectos más ambiciosos de Speilberg, pues desde que tuvo noticia de la existencia de Oskar Schindler, a partir de la novela de semificción El Arca de Schindler, de Thomas Keneally, que se encontró en la necesidad casi obsesiva, de rodar esta historia. Esto fue a principios de los 80, casi al terminar el rodaje de otro de sus clásicos, E.T. Cabe señalar que este filme ha tenido no pocos detractores (Speilberg suele tenerlos cuando toma tópicos de relevancia social, ya le había pasado pocos años antes con El Color Púrpura), pero no vamos a decir nada al respecto, más allá de un “ladran, Sancho”.

Huelga decir que este traspaso a BR ha sido supervisado por el propio realizador, procurando mantener muy en alto la calidad de la película. Las reseñas publicadas hasta ahora destacan esto último, en cuanto a que la calidad del traspaso roza la perfección y favorece enormemente a la película. No así los extras que, en relación a su edición en dvd, no agregan nada nuevo.

Pero no nos olvidemos que en este blog hablamos no tanto de extras, como si de las películas mismas, y este lanzamiento sirve como excusa para referirnos a esta cinta, que quería reseñar hace un tiempo.

La historia comienza en 1939, con la invasión de la Alemania nazi sobre Polonia, y la erradicación de los barrios judíos de Cracovia, su capital. Por esa misma época llega hasta esta ciudad un joven alemán, de ascendencia checoslovaca, Oskar Schindler (un tremendo Liam Neeson, entonces en su primer gran protagónico).

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Schindler, en esta época, está lejos de ser un héroe, mártir o ángel. Al contrario, es un oportunista y ambicioso hombre, miembro del partido nazi, que llega a Cracovia con un ambicioso plan, dinero en efectivo y, sobre todo, su voluntad. Rápidamente entra en contacto con las altas jerarquías del Reich en Polonia, con los vecinos, alemanes o judíos, con recursos de la zona, para explicarles su idea: instalar una planta de manufacturas de metal (ollas, cubiertos, accesorios) operada por sólo por prisioneros judíos.

El plan de Schindler funciona a la perfección: a los pocos meses su fábrica comienza a producir artefactos metálicos y ganancias a montones, contando con una mano de obra más que barata: prisioneros que prefieren trabajar en precarias condiciones que morir en los campos de concentración. Por eso, muchos judíos tratan de ser catalogados como “trabajador esencial”, condición que les habilita para prestar servicios para Schindler, lo que consiguen a través de Itzhak Stern (Ben Kinglsey), judío que se desempeña como administrador de la empresa de Schindler.

Oskar, en un principio, no se muestra muy interesado en las condiciones de sus trabajadores, más preocupado de sumar ceros a su cuenta corriente, divertirse y beber que de las vidas de sus obreros. En algún minuto, incluso recrimina a Stern por confundir las cosas y hacer ver su fábrica como una obra benéfica.

Pronto, otros empresarios seguirán el modelo de Schindler, incluso un duro oficial alemán, Amon Goeth (Ralph Fiennes) recluta algunos judíos para que atiendan su casa de campo. Claro que ninguno de ellos tiene el mismo trato que Schindler para sus trabajadores, especialmente Goeth, quien a la menor provocación, dispara a matar. Estas y otras circunstancias (como haber presenciado desde poca distancia la erradicación del gueto judío en Cracovia, y la matanza que le siguió) hacen que Oskar reflexione acerca de su papel en la sociedad en que le tocó vivir.

Se nota que Speilberg se la jugó totalmente por esta producción, cosa que se nota en lo tremendamente logrado de su realización. Filmada en Polonia, en escenarios que replicaron en forma casi exacta los lugares en que se desarrolló la historia. Por ejemplo, la locación en que se escenificó la Deutsche Emailewaren-Fabrick, la empresa de Schindler, es prácticamente calcada de su original que aún se mantiene en pie. Sin embargo, La Lista…trascendió más allá de sus innegables logros técnicos.

Lo que nos deja en la necesidad de irnos por su contenido. Muchos han criticado que por el hecho de ser Speilberg judío, su cercanía con la historia subjetiviza demasiado su visión de la misma. Eso que puede ser un defecto, a la larga ha contribuido a hacer más accesible, cercana la historia. Convencernos de que lo que Speilberg cuenta en pantalla son emociones genuinas y verificables. El resultado es una obra donde, más allá de mostrar a la Alemania del Reich (de eso se han encargado y seguirán haciendo muchas otras películas), Speilberg opta por contar su visión del Holocausto, desde el punto de vista de la esperanza. Más que referirse a los culpables de la masacre, Speilberg prefiere mostrarnos a alguien que, haciendo el camino inverso, se convirtió en una luz de esperanza para un pueblo completo.

Y sin caer en emotividades forzadas como otros especímenes del tipo de La Vida es Bella o Jakob The Liar. El guión, escrito por un habitual colaborador de Speilberg, Steve Zaillian, contribuye a crear dicha sensación. El espectador se emociona con la historia de Schindler, no porque le hayan apretado donde duele, sino que por que de verdad no puede mantenerse impasible frente a la historia que se narra frente a sus ojos. Speilberg evita tocar esas teclas donde Roberto Benigni se va  a la segura, sabiendo donde va a hacer llorar al público. Y si lo hace, claramente aplica el  método con sobriedad y seso.

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Y claro, no podemos dejar de lado las actuaciones del trío principal. Tanto Ralph Fiennes como Liam Neeson encarnaban aquí sus primeros protagónicos después de varios años en roles secundarios, y cumplen a la perfección. Ralph Fiennes se luce en el rol de un absoluto malnacido, capaz de dispararle a alguien sólo porque se le atravesó en el horizonte mientras el mira el atardecer. Por su parte, Liam Neeson construye una actuación sobrecogedora, en el rol de un hombre que, paulatinamente, debe dejar de pensar sólo en su metro cuadrado y darse cuenta que no está solo en el mundo. La secuencia final, con los rusos entrando en Polonia y terminando la ocupación alemana, con la consiguiente fuga de Schindler,es sobrecogedora. Schindler llora, se quiebra, pero no por cobardía o por suplicar perdón por su vida, sino que un hombre que lamenta no haber podido salvar a nadie más, teniendo los medios para hacerlo. Un hombre destrozado. Si uno termina tan hecho pebre como Schindler en ese minuto, es por la gran interpretación de Neeson.

No podemos dejar de mencionar a Ben Kingsley, a cargo de Itzhak Stern, un personaje que a la primera podemos pensar que es un mero secundario más, pero que con el correr de la cinta nos damos cuenta que resulta ser un elemento fundamental en esta ecuación. Kingsley es consciente de ello y responde lo que se espera de él. O más.

La Lista de Schindler es un filme que a 20 años de su estreno se sigue disfrutando como la primera vez. Es de aquellos filmes que resisten no sólo el paso del tiempo, sino el hecho de verla una y otra vez. Me la he repetido ya tres veces, voy para la cuarta. Y me sigue asombrando igual. Como solo los clásicos pueden hacerlo. Como sólo Speilberg sabe hacerlos.

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SCHINDLER’S LIST

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Director:  Steven Speilberg

Intérpretes: Liam Neeson; Ralph Fiennes; Ben Kingsley; Caroline Goddall; Embeth Davidz

Drama biográfico

1993

fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

Arrow, algunas consideraciones

Arrow

Es la pura verdad, hace tiempo que no quedaba tan pegado con una serie.

Lost, House y 24 ya son historia. Dexter va en camino de serlo, y True Blood siempre terminó viéndola de una patada cuando aparece en dvd. Por más que lo intento no engancho con Game Of Thrones (cosa que me ha pasado con muchas otras series en pleno hype..eso o simplemente me agotan la paciencia) y cuando parece que encuentro algo con que enganchar, la cancelan. Y The Big Bang Theory es comedia, no califica para la temática de esta columna.

Así que por eso deben entenderme cuando rayo la papa tanto con Arrow, serie de Warner Bros., que a esta fecha está por estrenar su capítulo 20 de una primera temporada de 23. Aprovechando el buen momento de que gozan las adaptaciones de superhéroes, sea en cine (Batman, Avengers, en fin) como en televisión (Smallville y las series y películas animadas relacionadas con el Universo DC), esta serie estrenada en octubre de 2012 narra las aventuras del millonario Oliver Queen cuando decide tomar un arco y flecha y limpiar las calles de Starling City, su ciudad natal.

Recreando con amplia libertad, pero con un gran respeto por la esencia del personaje, las historias de Green Arrow, el otro gran personaje sin superpoderes de DC Comics (los otros son Batman y Deathstroke), partiendo el día que Oliver Queen (Stephen Amell) es encontrado en una isla del Pacífico tras cinco años perdido y dado por muerto.

Queen, hijo del industrial Robert Queen, llega a esta isla tras naufragar el yate en que viajaban. Al regresar a Starling City, se reencuentra con su madre, Moira (Susannah Thompson), su hermana Thea (Willa Holland), pero también con su ex novia, Laurel Lance (Katie Cassidy), abogada de la oficina de asistencia legal, y su padre, el detective Quentin Lance (Paul Blackthorne). La hermana e hija de estos últimos, Sarah, desapareció durante el naufragio, por eso ambos miran con recelo esta reaparición.

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Pero también se reencuentra con una promesa hecha en su lecho de muerte a su padre, luego de naufragar. Robert ha confesado que muchas de las grandes fortunas existentes en Starling, han surgido a partir de la corrupción, la estafa, la traición y la usura. Reconociendo su culpa en mucho de lo que acaba de revelar, Robert hace prometer a Oliver que, si sobrevive, haga justicia, limpie la ciudad de toda la basura en que está sumida y ponga las cosas en orden, según una lista que Robert tenía anotada en una libreta de bolsillo. Así, mientras para su familia sigue siendo el mismo millonario irresponsable, mujeriego y bebedor, a quien pareciera no haberle afectado haber estado perdido cinco años en un islote en medio de la nada, Oliver desenfunda cada noche su capucha, su arco y flechas y recorre las calles de su ciudad, imponiendo la justicia a todos aquellos a quienes la ley pareciera no afectarles. Sin embargo, conforme vaya tachando nombres de esta lista, Oliver/Arrow va descubriendo que la corrupción esta más cerca suyo de lo que cree.

Pero la historia no se queda ahí. En abundantes flashbacks, se nos cuenta qué pasó con Oliver durante sus años perdidos. Resulta que la isla a la que fue a parar estaba muy lejos de estar abandonada, y aprendiendo a sobrevivir conocerá a algunos personajes que tendrán mucha influencia sobre su misión posterior.

Como dije antes, Arrow es una versión muy libre del personaje y su entorno. Toma muchos conceptos del cómic, principalmente de la versión pre-Crisis del personaje (así que si encuentra que la historia de Oliver se parece mucho a la de Batman, no se extrañe, ya que por años GA fue considerado una suerte de clon del murciélago, aunque con diferencias. GA ni es huérfano, por lo tanto no está tan desequilibrado, y su prioridad es la justicia social antes que cualquier otra obsesión), alterando elementos quizás no del personaje principal pero si de su entorno. En el cómic, su ex novia Laurel es en realidad una heroína, Black Canary, a quien conoce mucho después de iniciar su actividad; no es perseguido por la policía, aunque no necesariamente apoyado por ésta; y se han agregado personajes que, o bien nunca tuvieron mayor relación con GA (como Huntress) o si la tuvieron, fue muy posterior (Deathstroke, Deadshot). Y tampoco tuvo una suerte de asistente, como lo es en este caso su guardaespaldas y chofer John Diggle (David Ramsey), el equivalente arrowiano a Alfred Pennyworth, digamos.

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Pero fuera de esos detalles, lo cierto es que Arrow es una serie más que lograda. La historia es totalmente verosímil y convincente (muy adecuada a nuestros tiempos de indignados y movimientos sociales luchando por emparejar un poco las cosas). Las secuencias de acción son tremendamente logradas y la narración se entiende no obstante las extensiones que va desenvolviendo en el transcurso.

Tal vez no sea la gran serie que muchos tevitos están esperando para reemplazar a las grandes que han terminado los últimos años, pero entretiene, engancha y convence, circunstancias que ya le hicieron acreedora de una segunda temporada. Y en estos tiempos, esto es toda una hazaña.

Historia: 8/10

Personajes : 7/10

Ambientación: 9/10

Pros: Una narración fluida y clara de la historia. Aunque tiene sus puntos flojos, las actuaciones en general nivelan hacia arriba, y Stephen Amell resultó un tremendo acierto de casting, ya que está bastante solido en el doble rol que le toca interpretar.

Contras: a mi me da igual, pero aquellos puristas que examinan cuadro a cuadro, pixel por pixel, que no se pase ningún detalle, van a molestarse por las alteraciones introducidas en la historia para hacerla más accesible al publico en general. Pero bueh, no se puede dejar contento a todo el mundo.

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