a tres décadas de destapar la soda

Si antes hubo un Beatles vs Stones, o un Elvis vs Buddy Holly, o Iron Maiden vs Metallica, el movimiento del rock latino de los 80 tuvo su propio enfrentamiento: Los Prisioneros vs Soda Stereo.

Ambos eran los grupos emblema del movimiento en sus respectivos países. Ambos obedecían a la formación clásica del rock (guitarra-bajo-batería). Ambos citaban entre sus influencias a The Police y Depeche Mode (aunque los chilenos agregaban a dicha sopa a The Clash y los argentinos a The Cure) y ambos partieron oficialmente sus carreras con sendos discos debuts.

Y como de La Voz de los 80 ya hablamos in extenso tiempo atrás, cabe echarle un repaso a Soda Stereo, que el pasado 27 de agosto celebró tres décadas desde su lanzamiento.

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El disco fue producido por Federico Moura (Virus) y fue lo mejor que le pudo haber pasado a este trío de amigos bonarenses, Gustavo Cerati, Héctor ‘Zeta’ Bosio y Carlos Ficiccia, mejor conocido como Charly Alberti que venían tocando desde principios de la década y que, con el bloqueo a la música en inglés provocado por la Guerra de las Malvinas, al igual que muchas bandas de su generación, se aprovecharon de las circunstancias para darse a conocer. De hecho, varias canciones que formarían este álbum ya venían siendo tocadas por la banda en diversos medios, principalmente en los shows radiales del influyente locutor Lalo Mir, despertando el apetito de Cbs Argentina, quien les da la oportunidad de grabar su debut, en un proyecto que incluía al artista audiovisual Alfredo Lois, y músicos invitados como Daniel Melero.

Como decíamos, a fines de agosto de 1984, el debut es lanzado, precedido de una incansable rotación radial de las canciones que a la postre configurarían el 70% del disco. Y aunque la orientación de la banda era claramente adolescente y cercana a lo que se conoció como Happy Pop Rock (ese género que haría famosos a Los Enanitos Verdes) lo cierto es que lo de Soda Stereo iba más allá de los raros peinados nuevos y de las canciones discothequeras. Si en Chile, Los Prisioneros hacían crítica social sin muchos pelos en la lengua, Soda se enfocaba más hacia la ironía, el sarcasmo y la sátira.

Es cosa de escuchar las letras de éxitos tales como Por que no puedo ser del jet set?, Sobredosis de TV, Mi Novia Tiene Biceps, Dietético, Tele-Ka, Un Misil En Mi Placard o El Tiempo Es Dinero. Mordacidad, astucia e ironía para bailar en discotecas. Ciertamente, eran otros tiempos.

Pero también el disco tenía espacios para tocar temas más personales, como Trátame Suavemente, que no obstante no pertenecer a ninguno de los miembros oficiales de la banda, sino a Daniel Melero, se convirtió en un infaltable del repertorio Soda.

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El éxito fue total. Disco de platino en Argentina, Chile y Perú. Alta rotación radial y televisiva, fue el comienzo de la Sodamanía, que pocos otros nombres de su país y del resto del continente, fueron capaces de contrarrestar, y que se vio ratificada con el lanzamiento del segundo disco, Nada Personal, al año siguiente, muy en la línea del debut. Y que lo convirtió en la banda insigne del movimiento latino de los ochentas (status que Los Prisioneros sólo lograrían años después, principalmente por las dificultades que tuvieron que enfrentar en términos de difusión, por razones políticas).

Y aunque a los pocos años Soda Stereo se pegó un salto cualitativo de consideración en su música y letra (Signos, 1986, marca el inicio de una seguidilla de grandes trabajos que llevaron a Soda a ser respetados más allá de los rankings, estoy hablando de placas como Doble Vida, Canción Animal y Dynamo…y que a la larga sirvió para que Soda sobreviviera el fin del boom al término de la década), el éxito y la notable factura de este trabajo debut, lo hacen un infaltable título para comprender la importancia de Cerati, Alberti y Bosio para el desarrollo de la música popular, dentro y fuera de su país.

Ahora, 30 años después, y cuando uno puede reconocerse, sin avergonzarse, que tiene a ambas bandas en sus discotecas, reproductores y discos duros, y con el quiebre de la banda en 1997, su reunión diez años después y la actual situación de Gustavo Cerati hacen que uno revalorice este disco, puntapié inicial de una de las carreras más interesantes del rock de habla hispana. Y vaya que hace sentir bien volver a escucharlo.

Tracklist:

-¿Por qué no puedo ser del jet set? (Cerati/Alberti)

-Sobredosis de TV (Cerati)

-Te Hacen Falta Vitaminas (Cerati, Bosio)

-Trátame Suavemente (Melero)

-Dietético (Cerati)

-Tele-Ka (Cerati)

-Ni Un Segundo (Cerati, Bosio)

-Un Misil En Mi Placard (Cerati)

-Afrodisíacos (Cerati, Bosio)

-Mi Novia Tiene Biceps (Cerati, Bosio, Alberti)

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Producido por Federico Moura. Arte de Alfredo Lois.

Publicado por Discos Cbs Argentina el 27 de agosto de 1984. Reeditado en vinilo en 2013, versión 180 gr.

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el gigante que vino de oriente

Durante 1999, un accidente en una mina de Filipinas y un sismo que derribó una central nuclear en Japón, resultan encontrarse más ligados de lo que las meras coincidencias hagan suponer.

Quince años después, donde alguna vez hubo una central nuclear, ha sido el lugar donde una gigantesca criatura, una especie de mantis religiosa gigante y salvaje, alimentada a partir de la radiación generada en el lugar, ha salido a la vida, destruyendo todo a su paso.

Pese a los esfuerzos de equipos científicos y militares de oriente y occidente, la única salvación ante esta amenaza, vendrá desde el fondo del pacífico, una criatura surgida miles de años atrás, la última esperanza para evitar la destrucción de la humanidad a manos de las consecuencias de sus propios actos…

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Hablar de Godzilla es hablar de uno de los íconos más reconocibles de la cultura popular japonesa..o incluso más allá. Creado hace 50 años por la empresa cinematrográfica Toho, como consecuencia de la psicosis post nuclear sufrida en el imperio del sol naciente, instauró el género kaiju como uno de los principales aportes japoneses a la cinematografía mundial y al inconsciente colectivo. Así, aunque sus películas por lo general obedezcan al mismo patrón (criatura monstruosa y destructiva surge para amenazar a la población, Godzilla aparece y destruye una ciudad entera venciendo a la criatura amenazante, y vuelve a esconderse), no se trata de un personaje que mirar en menos sino que, por el contrario, merece respeto.

Protagonista de un sinnúmero de películas, principalmente orientales, series animadas, videojuegos, lo cierto es que para los estudios estadounidenses, Godzilla siempre ha sido una piedra en el zapato: nunca una adaptación de la criatura originalmente llamada Gojira ha funcionado fuera de Japón. Es cosa de recordar la pobre versión dirigida por Roland Emmerich en 1998. Ninguna adaptación hollywoodense de Godzilla lograba cuajar con el personaje, ni dar con la sensibilidad o el espíritu que sus similares japoneses han logrado imprimir en el personaje y que lo ha hecho permanecer medio siglo en la retina del mundo).

O al menos así fue hasta ahora. Porque aunque no sea una película perfecta, este Godzilla modelo 2014, dirigida por el estadounidense Gareth Edwards tiene más aciertos que defectos, haciéndole justicia al legado del personaje.

Edwards tiene el buen gusto de contar una historia sin abusar de la violencia y destrucción. Es cierto, Godzilla y dos criaturas más hacen pedazos parte de Japón, Hawaii, Las Vegas y San Francisco, pero, como he dicho antes, esto es cine, no anarquía. Esto es hacer/ver una película, no un cumpleaños de monos. La película tiene una historia inteligentemente planteada y contada, alzándose como una digna heredera no sólo del personaje emblema del género kaiju, sino además del respetable género del cine de catástrofes que hizo nata en Hollywood durante los 70.

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Aquellas películas donde el desastre era el elemento central de la trama, pero que ocurría durante un momento puntual del filme, gatillando así todos los conflictos y argumentos posibles. Con Godzilla pasa eso: observamos a estas criaturas post nucleares lo justo y necesario para entender la razón de su existencia y contemplarlos en todo su esplendor, sin cansarnos. Godzilla hace de las suyas lo justo y necesario, para disfrutar con ganas sus apariciones, en vez de llenarnos con escenas en que la criatura haga y deshaga sin sentido, que al rato nos tengan aburridos, error en que incurrió Emmerich en su versión del 98.

Es lo que diferencia a cintas como Godzilla y, hace un año atrás, Titanes del Pacífico, el filme de Guillermo del Toro que debe a títulos como Gozdilla más de un concepto, con, por ejemplo, los Transformers de Michael Bay, donde los robots que dan nombre a la franquicia aparecen indiscriminadamente, muchos de ellos a pito de nada, lo que termina matando la película. Otra diferencia considerable es que en el caso de Godzilla, los personajes humanos de la historia no son para terminar odiando. Aaron Taylor Johnson nos termina cayendo mucho mejor que Shia Le Beouf, o al menos no terminamos con ganas de matarlo. Tampoco se farrea el muy buen elenco reunido para la ocasión.

Godzilla, modelo 2014, resulta una buena manera de rendir tributo a un personaje universalmente conocido, de como hacer un filme de desastres sin hacer que el filme en cuestión sea un desastre en sí mismo, de como adaptar una saga exitosa en otras latitudes sin prostituir o tergiversar su espíritu, y de cómo seguir haciendo de este el gran año para los blockbusters.

(PD: Ya es un hecho, viene Godzilla 2, y el mismo estudio adquirió los derechos de King Kong..se viene….SE VIENE!!!)

***3/4

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GODZILLA

Director: Gareth Edwards

Intérpretes: Aaron Taylor Johnson; Elizabeth Olsen; Sally Hawkins; Ken Watanabe; Bryan Cranston; Juliette Binoche; David Strathain

Ciencia ficción

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

RICHARD ATTENBOROUGH 1923-2014

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Muchos lo recuerdan como John Hammond. el ambicioso y poco escrupuloso industrial que revivió dinosaurios, sin medir las consecuencias en Jurassic Park (1993) y su secuela de 1997.  Pero eso es restringir a un par de apariciones a un hombre de cine que tuvo mucho más que aportar, en una carrera como actor que contempló más de setenta apariciones en medio siglo de carrera, además de un puñado de filmes dirigidos por él, como Un Puente Demasiado Lejos, Magic (1978, recordado filme de terror con Anthony Hopkins), A Chorus Line, Grito de Libertad, Gandhi, que en 1983 le valió el Oscar como Mejor Película y Director, y Chaplin, hace casi dos décadas.

Retirado hace más de quince años de la actividad tanto en actuación como dirección, Sir Richard Attenborough ha partido hoy a los 90 años.

QEPD

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…esa onda, con los castigos divinos

Desde niño, Noé sabía que estaba llamado a preservar la creación de Dios.

De adulto, Noé (Russell Crowe) lleva una vida aislada junto a su mujer Naameh (Jennifer Connely) y sus hijos Sem (Douglas Booth), Cam (Logan Lerman) y Jafet (Leo McHugh Caroll), más su hija adoptiva Ila (Emma Watson). O así era hasta que tuvo ese sueño, repleto de imágenes de destrucción, y esa conversación con su abuelo, Matusalén (Anthony Hopkins), sintiendo que ha llegado la misión que ha estado esperando a lo largo de su vida: salvar la creación del castigo divino que se acerca…

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Otra para la sección “a donde que era tan mala?” Cierto es que la particular visión de Darrebn Aronofsky para la biografía de Noé, aquel patriarca que según el Antiguo Testamento construyó un arca para su familia y una pareja de cada animal mientras Dios castigaba a la humanidad con el diluvio universal, está lejos de ser una gran película, pero tampoco es la bazofia que muchos dijeron.

Es cierto que la epopeya narrada por Aronofsky, si bien mantiene lo esencial (el castigo divino por los pecados del hombre y la salvación de unos pocos elegidos) agrega elementos que el relato tradicional: angeles caídos, enemigos políticos, la existencia de un antepasado de Noé que resulta influyente en su destino, y que Noé se tome exageradamente al pie de la letra, y rayando en la psicopatía, el mandato divino. No nos consta si en algún texto de historia sagrada, fuera de la Biblia, se hable de estos conceptos, así que mientras tanto, habrá que considerarlos licencias creativas de Aronofsky para hacer más novedosa una historia que se ha contado docenas de veces, desde John Huston (quien encarnó a Noé en su clásica interpretación de La Biblia, logrando una de las más célebres y divertidas versiones del personaje) hasta Condorito.

En ese sentido, las intenciones de Aronofsky son respetables y sus resultados, convincentes. No extraordinarios, pero cumplidores. Noé me tuvo mucho más concentrado en la pantalla que su anterior filme, The Black Swann (saquémosle a Natalie Portman y el filme se desarmaba como un castillo de naipes en un terremoto) y, con todas sus exactitudes e inexactitudes históricas, Noé permite pasar un buen rato. En tal sentido, su desempeño está más cerca de la celebrada The Wrestler (2008) que de la cinta sobre ballet de hace un par de años.

(Y aunque se trata de un castigo divino, evita llegar al nivel casi pornográfico de la violencia física que imprimió Mel Gibson en La Pasión de Cristo, hace una década, lo que se agradece).

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El único pero viene desde las actuaciones. Aronofsky es un gran director de actrices, como nos ha quedado claro en su filmografía anterior. Lo logra con Jennifer Connelly (con quien ya había coincidido en Requiem For a Dream, la cinta que confirmó a Aronofsky como uno de los grandes directores de la generación actual tras lo que prometía con Pi: Fe En El Caos), y con Emma Watson, cuyos personajes terminan soportando más responsabilidad en el buen desempeño de la película, de la que originalmente uno pensaba. No así Russell Crowe, dueño de una de las carreras más irregulares del cine, donde por cada película buena que hace –y las hace, el que lo niegue, deje de leer esta página y no vuelva- tiene una actuación criticable. Y no es que actúe mal como Noé. Pero cae demasiado en la sobreactuación, en el estereotipo o la exageración. Algo del papel le debe haber incomodado, y lo peor es que se nota mucho.

Lo mismo se puede decir del resto del elenco masculino. Anthony Hopkins y Ray Winstone cumplen con lo que se espera de ellos, aunque sin salir de los lugares comunes. Y en cuanto a los hijos de Noé, sólo Logan Lerman destaca como un personaje con más actitud y menos plano que el resto.

Eso, más una narración que baja demasiado las revoluciones los últimos diez minutos (ningún problema que lo haga, mientras no sea de golpe) le bajan los bonos a una idea que, no por bizarra se hacía menos interesante.

**1/2

NOAH

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Director: Darren Aronofsky

Intérpretes: Russell Crowe; Jennifer Connely; Anthony Hopkins; Douglas Booth; Emma Watson; Logan Lerman; Ray Winstone;

Aventuras

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

sin nada que perder, jugar todo a ganador

Este es un día normal en la vida de Peter Quill, alias Starlord (Chris Pratt): visitar mundos inhóspitos, saquear bóvedas, encontrar tesoros escondidos, eludir a otros contrabandistas y tratar de sacar el mayor provecho de sus descubrimientos, al ritmo de sus canciones pop favoritas. Su último hallazgo, una reliquia conocida como El Orbe, lo convierte en blanco de los no pocos interesados en el tesoro, quienes pronto ponen un precio en la cabeza de Quill.

Las circunstancias llevan a Quill a conocer a la enigmática asesina Gamora (Zoe Saldana), a la pareja de cazarecompensas integrada por el agresivo Rocket Racoon (voz de Bradley Cooper) y el bonachón árbol antropomorfo Groot (Vin Diesel), y al vengativo Drax (Dave Bautista) formando un insólito grupo de personajes en cuyas manos descansa el destino de una galaxia completa.

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Menos es más, dicen, y aquí una vez más se cumple.

Aun siendo una de las series más populares de Marvel, lo cierto es que Guardianes de la Galaxia, está lejos de la popularidad de unos Avengers, X Men o Spiderman, así que su llegada al cine era una apuesta arriesgada, aunque sin nada que perder, si pensamos que no siendo personajes tan populares, si la cinta fallaba el guatazo no se iba a sentir tan fuerte.

Y es esa idea de arriesgar sin tener nada que perder la que más ha favorecido a esta cinta. En ese escenario, la orden para el director James Gunn fue simple: haz lo que quieras. Y si lo que Gunn quería era divertirse, lo cierto es que lo logró con intereses.

Gunn construye una obra lejos de la épica de unos Avengers o del drama existencial/social de unos X Men. Guardianes de la Galaxia es una obra que se disfruta sobre todo por la sencillez de su narración. Gunn tiene la suficiente mano para presentarnos a los personajes, marcar el puntapié inicial para una franquicia que, en ese minuto, tenía un destino incierto (aunque el éxito logrado en boletería ya asegura una secuela en uno o dos años más) y contar una historia redonda, sin cabos sueltos y sin dejar artificialmente cosas en el aire. Pura y simple aventura. Pura y simple emoción. Y diversión por raudales, haciendo de éste título uno de los más agradecibles del año.

(No deja de ser interesante que este concepto de jugar todo a ganador al no haber nada que perder, se aplique a esta cinta sobre, precisamente, personajes que ya no tienen nada más que perder).

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Guardianes… tiene el buen gusto de no tomarse tan en serio. Cierto es que sus personajes comparten un pasado turbulento (Quill vio morir de cáncer a su madre, no conoció a su padre y debió sobrevivir a duras penas por sí mismo, en un universo que no conocía; Gamora es la hija adoptiva de Thanos, señor de la destrucción, convirtiéndose en una de sus más efectivas asesinas; Drax vio morir a su esposa e hijas; Rocket fue un mapache común hasta que fue utilizado como animal de laboratorio) y la película se encarga de contarnos todo eso, pero evitando convertirse en un drama existencial. Este filme no está para eso. Gunn es consciente de la vocación esencialmente aventurera de esta pandilla y nos da las pinceladas justas y necesarias para entender sus motivaciones y objetivos.

Emociones que no se detienen en ningún minuto (matizadas según corresponda a cada momento, claro está, este es un filme de aventuras, no un cumpleaños de mono), logradas secuencias de acción, mucho y muy buen humor, más actuaciones más que respetables: Chris Pratt hace de Starlord el Jack Sparrow del futuro, en cuanto héroe de la historia aún cuando sus actitudes disten mucho del ideal heroico. Zoe Saldana se ha vuelto la diva del cine sci-fi por excelencia (recordemos que también protagoniza otros títulos notables del género: Star Trek –J.J.Abrahams edition- y Avatar). Dave Bautista resulta desempeñarse mucho mejor acá que en el ring de la WWE donde sus últimas apariciones fueron más bien repudiadas –o actúa mejor que Dwayne Johnson, el otro referente del mundo luchístico en el cine, o ha tenido mejor ojo para escoger sus trabajos- y sólo con su voz, Bradley Cooper aporta gran parte del encanto del mapache Rocket. Ah, claro, y Vin Diesel puede dejar de ser un duro de vez en cuando y seguir cayéndonos bien –presta el cuerpo y la voz al bonachón Groot-.

Eso, más una entrañable banda sonora (todos salimos de la sala tarareando Hooke on a feeling, de Blue Sweat, así como a David Bowie, a 10cc, ) hacen de Guardianes de la Galaxia una de las mejores experiencias cinematográficas del 2014, confirmando una tendencia que vengo sosteniendo hace rato: que este será el año de los grandes blockbusters.

Y, junto con X Men, mejorando el panorama Marvel en el cine, después de la floja segunda ola de filmes sobre Avengers (saga con la que Guardianes tarde o temprano debiera coincidir) y la pobre recepción de Amazing Spiderman 2.

****1/2

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GUARDIANS OF THE GALAXY

Director: James Gunn

Intérpretes: Chris Pratt; Zoe Saldana; Dave Bautista; Bradley Cooper; Vin Diesel; John C. Reilly; Glenn Close; Lee Pace; Karen Gillan; Michael Rooker; Benicio Del Toro; Djimon Honsou

Ciencia Ficción.

2014

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

 

pero nunca tanto…

Tiempo después de la invasión ch’tauri a Nueva York, Steven Rogers, el Capitán América (Chris Evans) vive en Washington D.C. intentando vivir una rutina normal, y tratando de ponerse al día con todo lo que se perdió mientras estuvo congelado. Claro, siempre y cuando no deba enfrentar misiones de emergencia junto a la agente Black Widow (Scarlett Johansson) y las tropas de elite de la agencia S.H.I.E.L.D., como por ejemplo ir a rescatar un barco de la institución, secuestrado por terroristas.

Sin embargo, la filtración de información relevante de la organización, así como el atentado sufrido por su director Nick Fury (Samuel L. Jackson) alterarán la vida rutinaria de Rogers y lo convertirán en enemigo público y prioridad para los servicios de seguridad, al mismo tiempo que hace su aparición un muy bien entrenado agente enemigo…

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Hace un tiempo pensé en abrir una sección llamada “A donde que eran tan malas!”, pero creo que también debería abrir una que se llame “A donde que eran tan buenas!” Todo porque llegué a Capitán América: El Soldado de Invierno, entusiasmado por las críticas y opiniones que no dudaban en nombrarla “la mejor película Marvel hasta la fecha”. Y aunque tiene sus virtudes, citarla como el equivalente marveliano a The Dark Knight (como filme de superhéroes capaz de conquistar hasta al más acérrimo de sus detractores) me parece exagerado.

Y es que, repito, no es que sea una mala película, porque no lo es. Claramente es bastante mejor que la decepcionante Ironman 3, pero sin llegar a los niveles de entretención que Thor 2 disparaba por montones. Aporta algunas secuencias de acción logradas, chistes muy graciosos (como el tradicional cameo de Stan Lee) y algunos personajes destacados. Scarlett Johansson hace que su Viuda Negra sea por fin más personaje que adorno, lo mismo Cobie Smoulders en el rol de Maria Hill. Chris Evans se ve muy cómodo en el traje del súper soldado estadounidense, y personajes nuevos como Falcon (Anthony Mackie) y Winter Soldier (Sebastian Stan) resultan novedades que se agradecen.

¿Dónde están las fallas entonces?

Partamos por el mismo título. Si, Winter Soldier es un personaje relevante en el entorno del Capitán América, pero parece que los realizadores de este filme no se dieron cuenta y lo hacen ver como un elemento circunstancial. Por lo mismo, cuesta entender como un elemento así de circunstancial llegue a figurar en el título del filme. ¿En qué quedamos?

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Lo segundo, y este es el mismo error en que se incurrió con Ironman 3. Uno puede entender que los realizadores quieran hacer un filme más serio de lo normal, con espacio para los temas profundos, la reflexión o argumentos más serios y realistas. Después de todo, eso fue lo que hizo de The Dark Knight lo que llegó a ser. El problema son los matices. Se puede hacer cine de superhéroes serio sin llegar a la densidad más absoluta (X Men First Class, Días del Futuro Pasado y la propia Avengers de 2012 son prueba de ello) y se puede hacer un cine superheroíco divertidísimo sin quedar como imbécil (Guardianes de la Galaxia lo hace, como veremos en otra columna más adelante). Es claro que Capitán América 2 no encaja en ninguna de las dos categorías.

Una tercera falla va por esa suerte de obsesión de los realizadores Anthony y Joe Russo por sacar al Capitan America de lo que es. El primer C.A., en 2011, fue tan buena película porque su director, Joe Johnson, no se hizo problemas y la concibió como un filme de pura y simple aventura. El caso de esta secuela es distinto: pretende hacer ver al alter-ego de Steven Rogers como una suerte de James Bond, Jason Bourne o Jack Ryan con malla y máscara. Eso puede ser muy loable (al fin y al cabo, el Batman de Nolan no es sino Jack Bauer con traje de murciélago) pero el objetivo está mal enfocado. Bond, Ryan o Bourne resuelven intrigas, es cierto, pero sus realizadores son lo bastante cautos de no hacer colapsar a sus personajes, y ahí está una de las fallas garrafales del filme: metieron tantos elementos a la intriga principal que esta termina enredándose demasiado, sin disfrutar nada (por que no te queda claro qué es lo que hay que disfrutar) y dejando con la sensación que sobraron cosas (a mi, de hecho, me sobraron cerca de 20 minutos de película, entre ellos el final).

Así cierra Marvel su segunda fase de la saga Avengers antes de la anunciada Age of Ultron, el próximo año. Una decepción, luego otra innegablemente divertida, y este tercer elemento que sin ser mala, no tiene una vocación clara como para evaluarla bien. Lástima, pero espero aún quede tiempo para mejorar.

Por cierto, yo habría puesto en otro orden las escenas post y entre créditos.

**3/4

CAPTAIN AMERICA: THE WINTER SOLDIER

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Director: Anthony y Joe Russo

Intérpretes: Chris Evans; Scarlett Johansson; Samuel L. Jackson; Cobie Smoulders; Sebastian Stan; Anthony Mackie; Emily Van Camp; Robert Redford; Hayley Altwell

Superhéroes

2014

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LAUREN BACALL 1924-2014

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Junto con Rita Hayworth fue una de las grandes musas del cine negro de mediados del siglo XX, uno de los géneros que mayor legado dejó en la cultura fílmica mundial. Tanto, que fue casada con Humphrey Bogart, el máximo ícono del género, hasta la muerte de éste en 1957.

Fue además una de las grandes divas de la época de oro del cine de Hollywood, junto a Marylin Monroe, Veronica Lake, Jane Maynsfield y la ya citada Rita Hayworth, mujeres deseadas por los hombres pero además respetadas por otras mujeres, capaces de ir más allá del mero símbolo sexual, tan guapas como genuinamente talentosas.

Protagonizó filmes tales como Como Casarse con un Millonario (1953), Asesinato en el Expreso de Oriente (1974), Misery (1990), siendo en Los Sopranos una de sus últimas apariciones en pantalla, antes de dedicarse al teatro y retirarse definitivamente a fines de los 90.

A los 89 años, un infarto masivo acabó con su vida terrenal, reuniéndola en la otra vida con Humphrey Bogart, su único amor (pese a que estuvo casada hasta 1969, con Jason Robards) y dirigiéndose a paso firme a la galería de los inmortales.

QEPD

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