el club de los inmortales

Una noche, hace unos trescientos años, surgió en medio de un bosque un joven capaz de controlar el frío, la nieve y el hielo. El espíritu de la luna nombró a este joven como Jack Frost, aunque sin explicarle los motivos de esta transformación.

En la actualidad, y tras recibir una advertencia del espíritu de la luna, Nicholas St. North, alias Santa Claus, el espíritu de Navidad, se entera de que Pitch Black, el Boogeyman, espíritu del miedo, ha escapado de su prisión. Desesperado, reúne rápidamente a los llamados Guardianes: Bunnymund, el Conejo de Pascua; Tooth, el Hada de los Dientes, y Sandy, el Arenero, espíritu del sueño.

Pero siendo sus esfuerzos insuficientes para enfrentar a un renovado Pitch, deberán convocar a un nuevo guardián que no está del todo interesado en ser parte del grupo…Jack Frost.

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Hace unas semanas decíamos que la Academia pecó de comodidad, flojera y pasividad al premiar al premiar como mejor filme animado del año a Valiente (total, es de Pixar y siempre premiamos a Pixar, nadie alegará, pensaron). Hoy, al ver El Origen de los Guardianes y darse cuenta que no sólo no la premiaron sino que ni siquiera fueron capaces de nominarla, más ganas dan de entrar a su casa matriz y destruirla con un lanzallamas por cometer su enésimo pecado mortal.

Y es que si vamos a ponernos a comparar, Origen.., tomada de una novela llamada Guardians of the Childhood, de William Joyce, quien colaboró con el director Pete Ramsey en el guión de la película (producida además por Guillermo Del Toro), tiene toda la carne, corazón y seso que le faltó a la apenas correcta última película de Pixar. El Origen… toma un puñado de mitos infantiles y los reinventa de una forma inédita. Así, por ejemplo, el Viejo Pascuero se convierte en el aguerrido líder de esta pandilla, y el inofensivo Conejito de Pascua, se convierte en un osado guerrero y cazador. Pero si bien los transforma en valientes héroes de acción, Origen… no olvida lo que son: los mitos fundamentales de la infancia, presentes en los sueños e ilusiones de todos los que alguna vez tuvieron infancia.

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Narrada de manera ágil y respetando los ritmos de la historia, podemos darle una segunda lectura: cierto es que se trata de un filme sobre ilusiones infantiles, pero a la vez, es un ameno relato sobre la búsqueda de un lugar en el mundo, y la superación personal. Ello se aprecia en el relato de Jack Frost, retratado como un personaje mítico, que busca su reconocimiento como tal, ignorante de los motivos y razones que llevaron a su creación. Muchas preguntas y no mucha idea acerca de donde encontrar las respuestas. Con esto, el público preadolescente, curiosamente un grupo etáreo que también se encuentra haciéndose las primeras preguntas acerca de su destino, fácilmente se identificará con la historia. Y no solamente ellos.

Relato sorprendente no sólo desde el punto de vista formal o estético, El Origen de los Guardianes demuestra algunas cosas: siempre es posible reconstruir los mitos y hacerlos más atractivos para las nuevas generaciones; que a veces un filme animado tiene más emociones y sesos que una docena de filmes con actores reales; que la clave para alcanzar tus sueños está en uno mismo; wue Pixar no tiene monopolio alguno sobre las historias emotivas y bien hechas…y que la Academia necesita imperiosamente que alguien le abra la ventana, a ver si así se les ventilan sus cabezas.

***3/4

RISE OF THE GUARDIANS

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Director: Pete Ramsey

Intérpretes: Alec Baldwin; Hugh Jackman; Isla Fisher; Chris Pine; Jude Law

Animación

2012

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

clásico a la moderna, versión oeste

Una noche de 1858, y mientras es transportado junto a otros esclavos por cuatreros, el esclavo llamado Django (Jamie Foxx) es liberado por el dentista y cazarrecompensas alemán King Shultz (Christoph Waltz). Interesado en atrapar a un trío de hermanos asesinos a sueldo, a quienes Django conoce, Schultz, un tipo tremendamente carismático, y enemigo de la esclavitud, le ofrece convertirse en su socio.

Django accede, sólo si una vez cumplida la misión, Schultz le acompaña a Missisipi, para recuperar a su esposa, Broomhilda (Kerry Washington), quien fue vendida como esclava para el cínico terrateniente Calvin J. Candie (Leonardo Di Caprio)…

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Tras haber incursionado en el cine policial (Pulp Fiction, Perros de la Calle, Jackie Brown), de artes marciales (Kill Bill), en el cine B (Death Proof) y en el género bélico (Bastardos Sin Gloria), Quentin Tarantino nuevamente mete la mano en uno de sus géneros favoritos de siempre, el western…o más bien, el spaghetti western, ese subgénero dentro de las películas de vaqueros que, con locaciones en Italia y España, reinventó el género de los pistoleros con personajes como Clint Eastwood, Sergio Leone, Giulano Gemma, Eli Wallach. Y lo hace, partiendo de la base de un personaje que Franco Nero hiciera popular durante el apogeo del género, pero reinventándolo en cuanto a sus características, motivaciones y hasta en el color de la piel. El resultado es este Django Sin Cadenas, el homenaje tarantinesco a los westerns a la italiana.

Y es un buen filme. Fiel al manual Tarantino sobre como hacer películas, Django cuenta con los ya clásicos elementos de la filmografía de su autor: flashbacks, excesos visuales (como siempre, las tripas y litros de sangre están a la orden del día), anacronismos musicales, y cortes abruptos como si el celuloide se hubiera quemado o errores de montaje. Lo que nos lleva necesariamente a otro aspecto que ya es propio del cine de este autor: o lo amas o lo odias. Sin términos medios, y en ambos casos, con las pasiones exacerbadas hasta las nubes.

No puedo referirme al primer grupo. Salvo una excepción puntual, las películas de Tarantino me han gustado mucho, y creo que por la misma razón que sus detractores lo odian: en el hecho de no ser un director standart, que a las únicas reglas que sigue son las suyas propias. Y si quieres disfrutar de sus películas, hazte el ánimo de respetar estas condiciones, sino, da media vuelta y mejor no entres a esta función (lo curioso es que los mismos que atacan a Tarantino, son los mismos que en su momento le prendían velitas a Lars Von Trier y sus secuaces de Dogma’95, otros que hacen cine según sus propias reglas…pero como ellos no vienen de Hollywood, CA…bueno, ya saben como son los seguidores del verdadero cine).

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Cierto es que Tarantino reconstruye e interpreta los géneros a su manera, pero aún así lo hace respetándolos y rindiéndoles sentido tributo. Después de todo, lo ha dicho en más de una ocasión, lo que el bueno de Quentin busca es celebrar esos estilos que lo convirtieron en cinéfilo. Así, la filmografía de QT viene a ser, mas que un puñado de películas, una declaración de amor por el cine. La aparición del legendario Franco Nero en este filme es prueba de ello, lo mismo el incorporar a Ennio Morricone en la banda sonora de la película. En fin, esa es la sensación que intenta transmitirnos.

Y esa es la clave para que sus películas funcionen. Lo bastante bien como para no dejar a nadie indiferente, llevarse un Oscar como mejor guión original, y facilitarle su segundo Oscar a Christoph Waltz, por su brillante interpretación de King Schultz, el carismático mercenario alemán, quien se roba justificadamente la película. Sin desmerecer el excelente trabajo de Jamie Foxx, Samuel L. Jackson y, oh sorpresa, otro habitualmente vapuleado por los amantes del verdadero cine, Leonardo Di Caprio. Todos rindiendo en el nivel que Tarantino les pide que lo hagan.

Así que me hago la pregunta una vez más, los antitTarantino del mundo ¿qué película vieron? Yo vi una de vaqueros al viejo nuevo estilo de este compadre, y como siempre me gustó harto. Si eso me hace un analfabeto, si, lo soy, y a mucha honra. Al menos disfruto mi existencia ¿y ustedes?

***3/4

DJANGO UNCHAINED

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Director: Quentin Tarantino

Intérpretes: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonardo Di Caprio; Samuel L. Jackson; Kerry Washington; Don Johnson; Jonah Hill; Franco Nero.

Western

2012

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saber sobrevivir

En diciembre de 2004, el matrimonio de Henry y Maria Bennet (Ewan McGregor y Naomi Watts) viajaron junto a sus hijos Lucas, Thomas y Simon a Tailandia. Ingleses residentes en Japón, la familia se dispone a pasar el feriado de Navidad y Año Nuevo en un pequeño pero confortable resort del balneario.

Sin embargo, mientras la familia disfrutaba de la piscina, una gigantesca ola proveniente del mar arrasa con todo a su paso, provocando destrucción, desesperación y muerte.

Salvando apenas de morir ahogada, aunque muy malherida, Maria consigue salir a flote y rescatar a su hijo mayor Lucas, subiendo a duras penas a un árbol. Con heridas al borde de la septicemia, Maria aún se abraza a la esperanza de encontrar al resto de su familia con vida…

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Las películas de catástrofes suelen tomar dos caminos: enfocarse en los sobrevivientes y convertirlos en héroes de acción enfrentados a circunstancias extraordinarias; o bien, narrar los dramas y tragedias en que se han convertido sus protagonistas tras la desgracia y verlos convertirse en ejemplo de superación con frases sacadas de libros de autoayuda. Las primeras, cintas de acción entretenidas pero sin mucho seso. Las segundas, lecciones con moralejas que nos hacen sentir como unas porquerías incapaces de agradecer la vida que tenemos.

Por eso se agradece que de vez en cuando aparezcan cosas como Lo Imposible. Si, es una película de catástrofe, encima basada en hechos reales (el tsunami que destruyó las costas de Tailandia e Indonesia en diciembre de 2004, matando a miles) y que gatilla una división familiar. Pero constituye una excepción a la regla general al no convertirse en un filme de acción exudando testosterona ni en una historia de superación con litros de lágrimas de por medio.

Si, es una lucha contra el destino, pero filmada con buen gusto, sobria, demostrando que para ser una película emotiva no es necesario ponerse a pelar un kilo de cebollas y echarle el olor al público, ni pegarle un apretón ahí donde duele.

Gran parte del mérito es del director de la película, el español Juan Antonio Bayona, el mismo que hace unos años rompió unas cuantas marcas con el thriller El Orfanato, y que concibió el argumento de la película . Bayona, nos queda claro, sabe perfectamente como generar emociones en las personas sin tener que ser muy gráfico y obvio.

The Impossible

Vale, Bayona no se guarda nada al momento de recrear el tsunami de 2004, reconstitución de la escena tremendamente lograda, hay que decirlo, ni tiene problemas en mostrar las consecuencias de éste, ya sea en lo social (hospitales atestados de gente, muchas veces sin recursos suficientes para atenderlos a todos, de mayor o menor gravedad, cadáveres sin identificar embolsados y listos para enterrar en fosas comunes) como en lo personal: en una muy buena caracterización, realmente nos creemos que Naomi Watts podría morir de septicemia. Pero si bien son imágenes fuertes, no estamos en esas bostas de películas tipo Saw, donde el único objetivo que tiene es mostrar mutilaciones al por mayor para ver cuanto dura el espectador sin vomitar, en Lo Imposible estas escenas sirven para graficar claramente la magnitud de la tragedia…y el mérito de sus protagonistas.

Bayona, al igual que con su laureada cinta debut, construye un relato ágil, sin puntos bajos y matizando con precisión los momentos tensos con otros más pausados y otros, por el contrario, vertiginoso. La historia es de trámite rápido y los 114 minutos que transcurre se hacen nada. Nota aparte para la actuación de McGregor, y sobre todo, de Naomi Watts, alcanzando niveles sobrecogedores.

Ratificando el buen nombre que el trabajo de sus realizadores están dando al cine español (Bayona quería filmar originalmente con elenco y en locaciones de su país, pero la idea le gustó tanto a la Warner Brothers que terminó por financiarla…y si bien le cambiaron el casting, Bayona al menos empleó a su equipo de asesores de siempre), Lo Imposible es una historia que funciona mejor de lo que uno podría esperar. Y si usted cuestiona si es prudente estrenar un filme como éste a tres años del terremoto y tsunami del 27F, le digo que si, puede que sea un golpe fuerte, pero que puede servir mucho para ponerse de pie.

***1/4

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THE IMPOSSIBLE

Director: Juan Antonio Bayona

Intérpretes: Ewan McGregor; Naomi Watts; Geraldine Chaplin

Drama

2012

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40 años en el lado oscuro

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Ayer fue un día histórico. Hace 40 años y un día salió a la venta el que es, sin dudas, una de las obras cumbres del rock progresivo, y quizás de la música universal. Un 24 de marzo de 1973 vio la luz The Dark Side of The Moon, de Pink Floyd.

Grabado entre 1972 y 1973 en los estudios Abbey Road, de creación colectiva (aunque las letras pertenecen totalmente a Roger Waters), ilustrado por el artista conocido como Hipgnosis y con el entonces ingeniero de sonido Alan Parsons, fue testeado durante las presentaciones de la banda en ese año.

En nueve temas (tres de ellos instrumentales) y con una duración total de 46 minutos, Dark Side Of The Moon hace un recorrido por los grandes temas de la sociedad actual: las presiones de la vida moderna, el estrés, el paso inexorable del tiempo y la vejez, el miedo a la muerte, la avaricia, el individualismo y la locura. Todo ello en un trabajo que se pasea por diversos registros musicales, intensidades y matices, introduciendo arreglos musicales y técnicas de grabación poco aprovechadas para la época.

El disco, que fue presentado en vivo en el Earl’s Court de Londres, fue alabado por la crítica y el público, convirtiéndolo en un éxito sin precedentes que jamás ha podido ser igualado. Ostenta el récord de ser el sexto disco más vendido de la historia, además de permanecer por 811 semanas entre los 200 discos más vendidos de la revista Billboard, reapareciendo en dicha lista en 1991, manteniéndose en ella desde entonces, sumando hasta 1998 un total de quince millones de copias sólo en Estados Unidos, fenómeno que en mayor o menor medida se ha repetido con cada reedición del disco, la más reciente en 2011 en el marco de la colección Why Pink Floyd? Su éxito es de tal magnitud, que, se dice, la planta de Emi Records en Alemania cuenta con una división destinada sólo a producir Lados Oscuros de la Luna.

Para que decir la alta rotación que tienen temas como Time, Us and them, Money o incluso la instrumental y sobrecogedora The Great Gig In The Sky, cuya melodía es interpretada magistralmente por la cantante Clare Torry, habida consideración que no se trata precisamente de temas que soporten con facilidad el formato radial convencional.

Y así queda demostrado que calidad y popularidad pueden ir de la mano. Cuantos ídolos de cartón han surgido y muerto entre medio? Uf. Y sin embargo, aun cuando Pink Floyd lleva casi dos décadas desde su última gira, Dark Side Of The Moon sigue siendo un título fundamental.

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Al que llegué en 1991. Como muchos fans de Pink Floyd sub 40, descubrí a la banda por The Wall, y tras varios meses de escuchar sólo ese título necesitaba más de Floyd. Así fue como junté los $ 1500.- que entonces, con 15 años y en segundo medio, eran mucha plata, y corrí a la Feria del Disco de Ahumada con Huérfanos, donde una vendedora con cara de fastidio (vamos, los que comprábamos ahí antes que cambiaran el diseño de los locales sabemos que estas vendedoras tenían una voluntad de atender directamente proporcional a su cultura musical) me alcanzó un casete, titulado El Lado Oscuro de la Luna, tal cual, en español, con esas horribles, pero de tanto subsistir con ellas uno las terminaba queriendo, carátulas en cuyo lomo amarillo se leía el título del disco en unas letras milimétricas.

Desde ahí no lo pude dejar más. Luego vino el vinilo; y el cd; el mp3; el casete que tuve que comprar de nuevo ya que el primero terminó colapsado de tanto escucharlo; el notable documental de la serie Classic Albums acerca de este disco; el show que Roger Waters ofreció en marzo de 2007, cuya segunda parte era la ejecución completa de Dark Side, el tributo hecho por Dream Theater al ejecutar íntegramente este trabajo…Y así hasta la fecha.

Como me pasó les debe haber pasado a muchos. Y que se le va a hacer, cuando se está frente a una obra maestra, quedarse indiferente es una herejía inexcusable.

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Tracks:

-Speak to me/Breathe (on the air) (Mason/ Waters; Gilmour: Wright)

-On The Run;  (Gilmour; Waters)

-Time (Gilmour; Waters; Wright; Mason)

-The Great Gig In The Sky (Wright, con arreglos vocales de Claire Torry)

-Money (Waters)

-Us and Them (Waters, Wright)

-Any Colour You Like (Gilmour, Mason, Wright)

-Brain Damage (Waters)

-Eclipse (Waters)

Pink Floyd en 1973 era Roger Waters, David Gilmour; Richard Wright; Nick Mason.

Colaboraciones de Dick Parry (saxofón en Money y Us and Them), Clare Torry (voz en The Great Gig In The Sky); Leslie Duncan, Doris Troy, Liza Strike y Barry St. John (voces en varios temas); Alan Parsons(ingeniero de sonido); George Hardie e Hipgnosis (arte y diseño interior).

Edición: 24 de marzo de 1973, publicado por Harvest Records (UK); Capitol Records (EEUU); Emi Music (Internacional y hasta la fecha).

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fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

cinco años después…

Como ha pasado el tiempo y como fue que llegamos a este punto.

Un día como hoy, en marzo de 2008, y por razones de salud mental, tomé la decisión de abrir este blog. Salud mental? Como he dicho antes, si no sacaba de mi disco duro mental tanto dato, tanto comentario que hacer, iba a terminar muy mal mis días. Así que tenía que dejarlo escapar de alguna forma (y escapar de la banalidad cada vez más imperante también). Y como internet democratizó los medios de comunicación, poniendo al alcance de la mano tribuna al que carecía de ella, me dije: démosle.

Si funciona bien, y si no, bien igual.

Más allá de fin de año, no paso, pensaba. Y me parecía suficiente.

Pero la realidad, el destino, o el público, qué se yo, se encargaron de decirme otra cosa.

A menos de diez entradas de llegar a la número 700, y cumpliendo cinco años desde la primera publicación, un mensaje sin mucha elaboración, sin imágenes…cuanta agua pasó bajo el puente entre medio?

Uf, cambié el computador dos veces; hubo un terremoto; me cambié de casa; compré otra en otra ciudad; pasé del vhs al dvd y del dvd al br; vi a un cuarto de los Beatles, a un cuarto de Pink Floyd; gané amistades valiosas…y por supuesto: horas y horas de películas.

Y hasta conseguí, sin proponérmelo, conquistar a la hermosa –e infinitamente paciente- mujer con la que estoy casado.

En estos cinco años muchos sitios y páginas han surgido, y han caído, sea por muerte natural, negligencia, falta de recursos…varias veces se me ha pasado por la mente, pero cuando veo las estadísticas, y veo un promedio de 75 visitas diarias, sin tener más auspicios que hacerme autopropaganda en mi perfil de facebook, creo que está bien. Que vale la pena seguir hasta que de verdad sea inútil hacerlo.

Así que la responsabilidad de mantener este sitio en alto no ha sido sólo mía. Usted, amigo lector, y aunque le parezca un eufemismo, ha tenido mucho que ver en llegar a estos cinco años. De nada me sirve escribir y subir cosas si no hay nadie interesado en leerlo. Saber que un promedio de 75 personas al día se toman un minuto para leer las cosas que publico aquí, es porque algo debo estar haciendo bien.

Y si, espero seguirlo haciendo por cinco años más.

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la caída del caballero

Han pasado ya algunos meses desde que Batman (voz de Peter Weller) rompiera su retiro y, tras retomar la labor de vigilante, pusiera fin a la banda de los Mutantes, que mantenía aterrada a la población de Gotham City. Las cada vez más frecuentes noticias sobre la reaparición de Batman, hacen reaccionar al Joker (voz de Michael Emerson), hasta entonces internado en Arkham Asylum, en estado catatónico.

Mientras tanto, el gobierno estadounidense, enfrascado en una inminente guerra con su similar soviético, ve con preocupación las noticias sobre la reaparición de Batman y como podría afectar sus políticas internas, por lo que el presidente Reagan decide jugar con su mejor carta para contrarrestar el efecto Batman: el que alguna vez fue su amigo y ahora mejor agente estadounidense ante el mundo, Superman…

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Había quedado a medio contarse esta historia, pero finalmente llega a las pantallas Batman: El Regreso del Señor de la Noche, parte II. Y lo cierto es que quien haya temido que pese al buen arranque de la saga en el capítulo anterior, en esta segunda parte el impulso se haya perdido, se equivoca rotundamente. Pues no sólo mantiene en buen pie los bonos de la primera parte, sino que a ratos incluso los eleva. Hay que tener presente que en esta parte de la historia figuran el Joker y Superman, personajes fundamentales en la novela gráfica original.

Tal como pasó con el episodio anterior, El Regreso 2 tiene el buen gusto de adaptar un clásico entre clásicos…o mejor dicho, una obra maestra entre obras maestras, del cómic actual, respetando su esencia y sus características fundamentales. El trabajo de Jay Oliva opta por el sano camino de adaptar, hacer más viable y accesible la obra, original de Frank Miller y Klaus Janson, publicada en 1986, de manera que cualquiera, incluso que no haya tomado un cómic en su vida, entienda la historia. Porque adaptar y simplificar no necesariamente implica idiotizar la obra y menospreciar al espectador.

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Oliva tampoco excluye el contexto histórico en que transcurre la obra. Pudiendo haber cortado por el camino fácil y trasladado la acción a nuestro escenario actual, conserva el contexto histórico original, esto es, la era Reagan, la Guerra Fría y la Carrera Armamentista. Lo que contribuye a convencerse que esta adaptación, más que eso, es un homenaje respetuoso, fiel e inteligentemente hecho para una de las obras fundamentales de la historia del cómic. Y quizás de la literatura. Lo que lo pone entre los buenos trabajos de animación los últimos años. Y deja una sensación de “que estaban pensando que no la hicieron para cine!!”, lo que claramente indica que las cosas se hicieron bien.

***1/2

BATMAN: THE DARK KNIGHT RETURNS PART II

Director: Jay Oliva

Voces: Peter Weller; Ariel Winter; Michael Emerson; David Selby; Mark Valley

Animación

2013

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el charlatán y el perdedor

Recién retornado tras la II Guerra Mundial, el veterano Freddie Quell (Joaquim Phoenix) es diagnosticado con estrés postraumático, lo que unido a su adicción al sexo y alcoholismo, hace que sea dado de baja. Con todos estos problemas, y una inevitable compulsión a crear problemas, pierde un trabajo tras otro y por lo general, termina por ser perseguido y golpeado por quienes le rodean.

Desesperado tras su último desastre, se esconde en un yate, como polizón. A la mañana siguiente, es descubierto por Lancaster Dodd(Philip Seymour Hoffman), anfitrión de una boda celebrada a bordo, y líder de un inédito movimiento de pensamiento que el llama la causa. Freddie consigue hacerse la simpatía de Dodd, tras darle a probar un brebaje que el mismo prepara, y éste último ve en ex militar un ser atormentado que necesita encontrar la paz consigo mismo, por lo que lo convence de unirse a su grupo…

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Nunca he sido fan del cine de Paul Thomas Anderson. Cierto es que Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999) me gustaron bastante, pero Embriagado de Amor (2002) me pareció una cinta que se hacía pedazos a cada minuto, y Petróleo Sangriento (2007) terminó en mi lista de “basuras bien vestidas que a los pelmazos odia blockbusters les encantan”.

No tenía más interés en su más reciente trabajo, El Maestro, hasta que vi su casting, por lo que decidí darle su oportunidad. Y si bien en nada cambia mi opinión respecto del trabajo de Anderson, me arregla mucho el sabor de boca que me quedó tras el fiasco que fue Petróleo…En ningún caso, la mejor película del momento, pero si una de las cosas que vale la pena ver esta temporada.

Anderson tiene ojo, tino y habilidad para manejar esta historia, que podemos abordar desde dos puntos de vista. Primero, la relación maestro y discípulo que surge, naturalmente entre Dodd y Freddie. Como el primero ve en el segundo un perfecto conejillo de indias para probar sus teorías, y como el segundo resulta un hueso difícil de roer a su vez. En cierta forma, el maestro termina aprendiendo mucho del discípulo. Premisa que ha servido de base a irreparables errores fílmicos (La Sociedad de los Poetas Muertos, Todas las Mañanas del Mundo) al que Anderson pone toda la audacia, sarcasmo y agudeza que estos otros filmes están muy lejos de tener, marcando una considerable diferencia en su favor.

Por otra parte, Anderson vuelve a hincar el diente en el tema de los charlatanes, los gurúes de la autoayuda y las neoreligiones, un tema al que ya se había referido en Magnolia, y nuevamente no quedan muy bien parados. Lancaster Dodd (brillante interpretación de Philip Seymour Hoffman) es un personaje tremendamente carismático y, consecuencialmente, manipulador, avasallador, influyente y capaz de mover masas incluso a costa de sus propias contradicciones. Lleno de recursos, Dodd es capaz de sacarse un parte en la carretera con solo mirar de una manera determinada al policía. Así ha conseguido todo: fortuna, popularidad, mujeres, un lugar dentro de la sociedad…hasta la aparición de Freddie, un individuo tan perdido que descoloca a quienes lo conocen (Joaquim Phoenix, en otro de sus notables trabajos, y en una gran caracterización…realmente lo vemos como un individuo acabado y que antes de los 40 ya está para el olvido). Y el mundo perfecto, sólido e inquebrantable de Dodd por primera vez se resiente y se ve amenazado.

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Y vemos claramente los elementos habituales del cine de Anderson: protagonistas atormentados (Boogie Nights, Embriagado de Amor); líderes tremendamente carismáticos, pero que se traen algo no muy limpio entre las manos (Boogie, Petróleo Sangriento); comunidades que siguen a este líder sólo porque no tienen las agallas, los cojones o los sesos suficientes para autovalerse.

Con una claridad para contar la historia y habilidad para manejar la cámara, Anderson mejora considerablemente su filme anterior, ayudado por sólidas actuaciones y una temática interesante. Y si tuvo un paso por salas comerciales, pero como los hipsters-ama-el-verdadero-cine no van a las multisalas no se dieron cuenta. O no quisieron darse cuenta, ¿no ven que después se quedan sin discurso?

***

THE MASTER

Director: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Joaquim Phoenix; Philip Seymour Hoffman; Amy Adams

Drama

2012

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fretamalt@hotmail.com  @panchocinepata

cual ventaja?

Es el primer día de preparatoria para Charlie (Logan Lerman). Introvertido, poco sociable, y con algunos fantasmas de eventos trágicos rodeándolo. Al final del día, tan sólo se ha hecho amigo de su profesor de literatura (Paul Rudd), y ganado la indiferencia..y el bullying..de sus compañeros de clase.

Sin embargo, las cosas parecen cambiar cuando conoce a dos alumnos de último año, Patrick (Ezra Miller) y su media hermana Sam (Emma Watson), con quienes Charlie congenia inmediatamente, y rápidamente se vuelve un habitual del grupo de amigos de estos hermanastros. Sin embargo, la escasa experiencia social de Charlie y su tendencia a la depresión, le jugará más de una mala broma con sus nuevos amigos…

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A estas alturas, empiezo a creer que más que una buena publicidad, la frase “Basada en el best-seller xxx” debiese ser considerado como una advertencia.

Lo digo porque Las Ventajas de Ser Invisible, basada en la novela de Stephen Chobsky, quien además dirige la película, se nos presenta como un filme interesante, pero que a medida que se le ve, uno siente como se va convirtiendo en un castillo hecho con naipes. Es decir, se ve bonito, se ve que le pusieron empeño, pero aún así uno tiene la sensación de que esto se va a caer en cualquier minuto. Lo peor es que sucede. Se cae, y pese a los esfuerzos, no logra levantarse.

Las Ventajas… responde a una fórmula conocida: adaptación de novela con protagonista poco dado a la sociabilidad y muy dado a la intelectualidad, que conoce chica linda, que le revuelve los sentimientos y las hormonas, en un entorno de aprendizaje, con una banda sonora ultra cool y vestimentas por las que los hipsters matarían a sus madres si no fuera tan mainstream…entre otros lugares comunes. Pues bien, la fórmula debería funcionar. Funcionó en 500 Días Con Ella, acaso la obra cumbre de este subgénero. Pero donde 500 días termina dejando la frente en alto, Ventajas… te deja una sensación de “Ya…y?…eso fue todo?”

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La narración transcurre despertando relativo interés durante gran parte de ella, pero aproximadamente a la hora, se convierte en un desaguisado. El cuento se le va de las manos a Chobsky como arena entre los dedos. El espectador no logra entender la parada de Charlie y de a poco se va desenganchando de él, y hasta molestándose con su actitud de pasar por víctima en la vida. La torpeza de Chobsky como director no le hace ningún favor, y por eso, lo que le había tomado 60 minutos levantar, en menos de una décima del mismo tiempo deja en el suelo. Da lo mismo el buen desempeño actoral del trío protagónico; que una de las mejores canciones de David Bowie (“Heroes”) suene en una escena relevante del filme; el sentido tributo a The Rocky Horror Picture Show, el filme de culto por antonomasia, o que, incluso en sus momentos más flojos tenga algunas escenas o diálogos memorables. En términos fisiológicos, da lo mismo que tus extremidades funcionen bien, si el cerebro no rinde como debiera y el resto del organismo está dando tumbos.

Sé que con esta película –que seguro los llevará a comprarse el libro- muchos intelectuales y fans del verdadero cine odia multisalas, rayarán la papa y, cuando lean la nota final al pie de esta columna, pedirán mi cabeza, pero así como yo respeto que sean unos hipsters pseudointelectuales y vayan felices de la vida escuchando la Horizonte (oh wait), subiendo fotos a Instagram y pasar al Starbucks para sacarse más fotos y robar wi-fi, yo les pido que respeten mi honestidad (palabra con la que estos tipos se lavan la boca seguido). Y está bien, se nota que Stephen Chobsky puso de su parte para llevar al cine una obra de la que seguro está orgulloso. Pero, aunque les duela, la pasión sin concentración ni habilidad, no sirve de mucho. Ese click que uno esperaba hacer con la película…nunca llegó.

**1/4

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

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Director: Stephen Chobsky

Intérpretes: Logan Lerman; Emma Watson; Ezra Miller; Mae Whitman; Paul Rudd; Dylan McDermontt; Nina Dobrev; Joan Cusack

Drama

2012

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buena, tigre!!

En su casa de Canadá, el profesor universitario de origen hindú Pi Patel (Iffrhan Khan) recibe la visita de un escritor (Rafe Spall), informado de que tiene una interesante historia que podría convertirse en novela. Entusiasmado, Pi decide contarle acerca de su infancia en Pindicherry, en una comunidad de clase media acomodada de India. Sin embargo, lo realmente extraordinario ocurrió cuando, de adolescente, debió viajar en barco, junto a su familia, a Canadá, pues por problemas financieros, su padre debió vender su pequeño zoológico a inversionistas de ese país.

Durante el viaje, el carguero japonés en que se trasladaban, enfrenta una terrible tormenta que lo hunde, matando a casi todos sus ocupantes, excepto a Pi (Suraj Sarma), quien se salva apenas al abordar un bote salvavidas, que deberá compartir junto a Richard Parker…un agresivo tigre de bengala perteneciente al zoológico…

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Quien iba a creerlo, de todas las películas que se estrenaron durante el verano, aquella a la que le tenía menos fe terminó siendo la que más me terminó gustando.

No es que me volara la cabeza, pero considerando lo bajas que estaban mis expectativas (mis últimas experiencias con Ang Lee, Hulk y la sobrevalorada Brokeback Mountain habían sido más bien decepcionantes), uno en la vida se equivoca y Una Aventura Extraordinaria fue una experiencia más grata de lo que yo pensaba.

Es cierto, una película con tanta secuencia onírica, como se anunciaba en el tráiler, puede sofocar a cualquiera, pero por suerte queda ahí. Ang Lee tiene el acierto de no supeditar la historia, el contenido, a las alucinantes imágenes que Pi sueña (o vive) durante su supervivencia. Sin desmerecer el tremendo trabajo de fotografía de Claudio Miranda, quien ha ganado a cuanto premio fue nominado por este filme, la forma no se come al fondo, y no nos olvidamos que antes que las alucinaciones, esta es la historia de sobrevivencia de un adolescente, abandonado a su suerte en medio del océano, con un depredador con el que debe aprender a convivir sino quiere convertirse en su almuerzo.

Los logrados efectos especiales (Richard Parker se ve, se siente y hasta puede palparse como un animal real, y su evolución de fiero depredador en cautiverio en pobre bestia caída en desgracia) no se convierten en un obstáculo para el desarrollo de una historia de superación y aprendizaje que, por suerte, no cae en el lugar común de la autoayuda. Si, muy probablemente los fans de Paulo Coelho rayaron de lo lindo con Una Aventura Extraordinaria, pero por fortuna, este filme es superior a ese tipo de charlatanerías, principalmente con la atractiva historia que presenta, basada en la novela homónima de Yann Martel, y por la cuidada presentación que entrega Lee, quien, por este trabajo, vuelve a ser el que hacía cosas como El Tigre y el Dragón, y no de los remedios para dormir (con pesadillas) que se había vuelto su cine en la última década.

***1/4

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LIFE OF PI

Director: Ang Lee

Intérpretes:Suraj Sharma; Iffran Khan; Rafe Spall

Fantasía

2012

fretamalt@hotmail.com @panchocinepata

el lado ahi no más

Tras ocho meses de estar internado en un centro de salud mental por un trastorno bipolar, Patrizio “Pat” Solitano Jr.(Bradley Cooper) vuelve a su hogar paterno. Su padre, Pat Sr., (Robert De Niro) ha perdido su trabajo y subsiste como corredor de apuestas; su madre, Dolores(Jacki Weaver) intenta mantener su hogar a flote, y su esposa Nikki (Brea Bree) le ha puesto una orden de restricción tras un violento ataque de Pat derivado de una situación de infidelidad, hecho que gatilló finalmente su internación.

Pocos días después, visitando a un antiguo amigo suyo, Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una joven que no hace mucho enviudó, perdió su trabajo, y es frecuente víctima de episodios de neurosis. Tiffany le cuenta a Pat que conoce a Nikki y puede comunicarse con ella a través suyo, siempre que sea su pareja en un concurso de baile local. Angustiado por saber de su, a estas alturas ex mujer, Pat accede…

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Le tenía tanta fe. Y es que la filmografía anterior de David O’Russell (Tres Reyes, El Vencedor) me había dejado un buen sabor, y que su más reciente trabajo, El Lado Bueno de Las Cosas no iba a ser la excepción. No sé si calificarla una decepción o a lo mejor me hice demasiadas expectativas y no era para tanto.

Lo concreto es que este filme, nominado a ocho premios Oscar, toca un tema recurrente en el cine estadounidense: personajes con algún grado de desorden mental. Tiene a su favor una presentación sobria que no cae en los lugares comunes más lacrimógenos, morbosos y de humor negro que suelen presentarse al tocar estos temas. Lo que no deja de agradecerse.

El problema no es la sobriedad, y a la vez, simpleza del relato, basado en una novela de Matthew Quick, sino la, digámosla, flojera de Russell para darle una carga emocional más potente a la película. Cierto es que es un punto a su favor no convertirse en un drama de folletín, pero se hubiese agradecido algo más de emotividad. Tiene sus momentos, cierto, y las escenas clave del filme cumplen con su rol de tales, pero a fin de cuentas, vienen a ser excepcionales. Oasis de emotividad en un filme árido y demasiado liso para provocar ese clic en el alma del espectador.

No todo está perdido. Si bien la historia transcurre con paso demasiado cansino, se salva de irse al precipicio por el muy buen trabajo de sus actores principales. Si, resulta irreconocible el Bradley Cooper de este filme, si pensamos que su rostro es frecuente de ver en comedias románticas, comedias de acción y comedias a secas (Que Pasó Ayer 1, su innecesaria parte 2 y su aún más innecesaria parte 3, en camino). Pero quien se lleva, con justa razón, las mayores palmas es su coprotagonista. Qué decir de Jennifer Lawrence, merecidísimo el Oscar como mejor actriz que recibió por este filme. Sobre sus hombros recae la responsabilidad de dar a este filme la emoción y los cojones que su director no supo ponerle. Por algo es una de las grandes actrices de la actualidad.

Silver Linings Playbook

Robert De Niro continúa su camino de rehabilitación de los esperpentos que le dio por protagonizar durante parte de los 2000, logrando convencer..y conmover con este padre de una familia que hace aguas por todos lados, misma cosa que podemos decir de Jacki Weaver, notable en el rol de madre preocupada de evitar el naufragio de su grupo familiar.

No en vano todos los actores protagónicos de este filme estuvieron nominados a algo. Así, nada que decir del casting.

Ni del guión adaptado.

Y es una lástima que se pierda una historia conmovedora, una performance actoral así de potente (apoyado por buenos secundarios encarnados por Chris Tucker y Julia Stiles entre otros) se pierda por los movimientos en falso de O’Russell. Si, no es un tremendo director, pero normalmente hace bien su pega y logra hacer de pequeñas historias, narraciones conmovedoras. Bueno, no siempre se acierta, y a veces se consigue el efecto contrario: la decepción.

**1/2

SILVER LINING PLAYBOOKS

Director: David O’Russell

Intérpretes: Bradley Cooper; Jennifer Lawrence; Robert De Niro; Jackie Weaver; Julia Stiles; Chris Tucker

Drama

2012

ladobuenoBR

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